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domingo, 26 de noviembre de 2023

CHRIS EVANS Y DAVID HANSELMANN - Stonehenge(1980)

 


Chris Evans...................PPG Wave computer, Arp 2600, Vocoder 2000, Sintetizador con circuito secuencial,....

David Hanselmann........Voz

-Colaboraciones-

Jürgen Schroeder.........Guitarras

Roy Louis......................Guitarra sintetizada y eléctrica

Reinhard Besser............Guitarra sintetizada y eléctrica

Tissy Thiers...................Bajo

Dicky Tarrach................Batería y percusión


1ª cara:

- Sunrise-Stonehenge Theme

- Salisbury plain

- The stones of Avebury

- Earth magic

- Silbury hill

2ª cara:

- Genesis

- Glastonbury, temple of the stars

- Cadbury castle, king Arthur's Camelot

- Epilogue- Stonehenge Theme


En la década de los 70 y más concretamente en su segundo lustro hubo un interés elevado por asuntos que encierran misterio como los casos de avistamiento OVNI y aspectos relacionados con ello, culturas arcaicas con elementos extraños que podían conectar con estas supuestas civilizaciones extraterrestres (Erik von Daniken, escribió numerosos libros sobre ello y estuvo en el candelero), las famosas líneas de Nazca, las ruinas de Machu Pichu, las pirámides y sus enigmas, los monumentos megalíticos como el de Stonehenge, los moais de la isla de Pascua, el poder psíquico de la mente, las abducciones, lo paranormal.....pudiendo enumerar muchas más cuestiones. Quedó reflejado en libros, en el cine y también en la música se trataron algunos de estos asuntos.

Este es uno de esos casos, abordando la temática del misterio que rodean las piedras del conjunto de Stonehenge, el músico, compositor y productor Chris Evans compuso un álbum conceptual dividido en títulos que nos trasladan a la zona del punto crítico y sus alrededores. No será la única ocasión en que este monumento megalítico haya servido de inspiración, HAWKWIND en 1984, poco después, dejará volar sus notas psicodélicas y espaciales, le servirá de escenario para realizar un concierto en vivo en el que la gente se confunde con las enormes rocas, una de las pocas veces que se permitirá pisar su suelo, hoy en día es un territorio protegido donde solo se puede acceder con ciertos permisos.



Chris Evans había trabajado para otros, también realizó música para publicidad, colaboró en la creación de bandas sonoras de films, e incluso en eventos como el mundial de futbol, inglés de nacimiento afincado en Alemania coincidió con un estadounidense de origen, David Hanselmann, que se labró una buena reputación sobretodo en la escena kraut-prog, hombre polifacético que se embarcó en proyectos de diversa índole, pero sin formar parte de ninguna banda. Aquí ofrecerá su voz, pero es curioso que aunque aparece en el título principal, en los créditos ni siquiera se le nombra. El mérito es de Chris Evans, pero sería justo que al menos se reconociera la labor vocal de Hanselmann, los colaboradores y sus instrumentos se mencionan. El disco ganó el premio al álbum conceptual en el festival de Jazz de Montreaux, un segundo disco pondría punto final al dúo.


D. Hanselmann
En la línea de "Ancient of gods" de PAUL FISHMAN, el disco entronca en intencionalidad y estructura pero sin el oscurantismo y épica del primero. Una introducción de teclados con secuenciadores nos invita a entrar en el mundo mágico, inicio muy electrónico, nos topamos con unas guitarras acústicas arropadas por capas de teclados acolchados desembocando en uno de sus mejores temas, Sunrise, emocionante y lleno de vitalidad con una voz espléndida convertida en la protagonista de la pieza en una atmósfera muy positiva. La batería de teclados es muy abundante, las nuevas tecnologías son aprovechadas y la variación es constante, sonando de muy distintas maneras, el tecno está en su punto más alto y eso no pasa desapercibido para nadie. Ambientes despejados y sonidos espaciales son tónica mientras Hanselmann pone un torrente de voz que se acomoda a todas las texturas en un juego en el que conviven los arpegios acústicos elementos más cálidos con sonidos fríos de los sintetizadores. Música que sin ser pretenciosa, ni virtuosa especialmente, consigue ser singular rodeándose de un aura de originalidad que se pierde en los últimos temas, cortes que le sobran, pasando a un estado casi ¿hard? en una propuesta 'disco' que parece material de relleno, bajando el nivel de calidad de otras composiciones.

Chris Evans

Obra curiosa y ecléctica que goza de buenos momentos en el que es posible encontrar ritos iniciáticos, cantos místicos y cierta experimentación electrónica (ARP, VCS3, SONY 80) consiguiendo propagar un delgado hilo de misterio pero solo en instantes puntuales, careciendo de la fuerza dramática suficiente para trasladarnos la fascinación del embrujado lugar.








viernes, 7 de julio de 2023

Des garçons et des filles

film donde Jean Michel salía con su grupo (1967)

 "En el film Des Garçons et des filles (Étienne Périer, 1967) disfrutan de diez minutos de gloria, apareciendo en una escena en la que vemos a un joven Jean-Michel tocando en una fiesta la guitarra con su grupo, y en donde interpretan dos temas propios: el mencionado Let me take your hands y otro titulado I feel so down.

Junto a su madre

Una vez la banda se disuelve, Jean-Michel intenta formar varios grupos de nuevo, pero no obtiene ningún éxito y al final desiste. Viendo que su madre estaba apurada económicamente -su padre no le mandó ni un céntimo para criar a su hijo desde su marcha-, toca con otros grupos en distintas discotecas de Normandía y St. Tropez para ayudarla y comprar instrumentos." 

 

                                                                     (Jean Michel Jarre. The Watcher) 





sábado, 4 de diciembre de 2021

CHRIS EVANS Y DAVID HANSELMANN - Stonehenge(1980)

 


Chris Evans...................PPG Wave computer, Arp 2600, Vocoder 2000, Sintetizador con circuito secuencial,....

David Hanselmann........Voz

-Colaboraciones-

Jürgen Schroeder.........Guitarras

Roy Louis......................Guitarra sintetizada y eléctrica

Reinhard Besser............Guitarra sintetizada y eléctrica

Tissy Thiers...................Bajo

Dicky Tarrach................Batería y percusión

...........

 

1ª cara:

- Sunrise-Stonehenge Theme

- Salisbury plain

- The stones of Avebury

- Earth magic

- Silbury hill

2ª cara:

- Genesis

- Glastonbury, temple of the stars

- Cadbury castle, king Arthur's Camelot

- Epilogue- Stonehenge Theme

 

En la década de los 70 y más concretamente en su segundo lustro hubo un interés elevado por asuntos que encierran misterio como los casos de avistamiento OVNI y aspectos relacionados con ello, culturas arcaicas con elementos extraños que podían conectar con estas supuestas civilizaciones extraterrestres (Erik von Daniken, escribió numerosos libros sobre ello y estuvo en el candelero), las famosas líneas de Nazca, las ruinas de Machu Pichu, las pirámides y sus enigmas, los monumentos megalíticos como el de Stonehenge, los moais de la isla de Pascua, el poder psíquico de la mente, las abducciones, lo paranormal.....pudiendo enumerar muchas más cuestiones. Quedó reflejado en libros, en el cine y también en la música se trataron algunos de estos asuntos.

 




Este es uno de esos casos, abordando la temática del misterio que rodean las piedras del conjunto de Stonehenge, el músico, compositor y productor Chris Evans compuso un álbum conceptual dividido en títulos que nos trasladan a la zona del punto crítico y sus alrededores. No será la única ocasión en que este monumento megalítico haya servido de inspiración, HAWKWIND en 1984,  poco después, dejará volar sus notas psicodélicas y espaciales, le servirá de escenario para realizar un concierto en vivo en el que la gente se confunde con las enormes rocas, una de las pocas veces que se permitirá pisar su suelo, hoy en día es un territorio protegido donde solo se puede acceder con ciertos permisos.

 


Chris Evans había trabajado para otros, también realizó música para publicidad, colaboró en la creación de bandas sonoras de films, e incluso en eventos como el mundial de futbol, inglés de nacimiento afincado en Alemania coincidió con un estadounidense de origen, David Hanselmann, que se labró una buena reputación sobretodo en la escena kraut-prog, hombre polifacético que se embarcó en proyectos de diversa índole, pero sin formar parte de ninguna banda. Aquí ofrecerá su voz, pero es curioso que aunque aparece en el título principal, en los créditos ni siquiera se le nombra. El mérito es de Chris Evans, pero sería justo que al menos se reconociera la labor vocal de Hanselmann, los colaboradores y sus instrumentos se mencionan. El disco ganó el premio al álbum conceptual en el festival de Jazz de Montreaux, un segundo disco pondría punto final al dúo.

 

Chris Evans

En la línea de "Ancient of gods" de PAUL FISHMAN, el disco entronca en intencionalidad y estructura pero sin el oscurantismo y épica del primero. Una introducción  de teclados con secuenciadores nos invita a entrar en el mundo mágico, inicio muy electrónico,  nos topamos con unas guitarras acústicas arropadas por capas de teclados acolchados desembocando en uno de sus mejores temas, Sunrise, emocionante y lleno de vitalidad con una voz espléndida convertida en la protagonista de la pieza en una atmósfera muy positiva. La batería de teclados es muy abundante, las nuevas tecnologías son aprovechadas y la variación es constante, sonando de muy distintas maneras, el tecno está en su punto más alto y eso no pasa desapercibido para nadie. Ambientes despejados y sonidos espaciales son tónica mientras Hanselmann pone un torrente de voz que se acomoda a todas las texturas en un juego en el que conviven los arpegios acústicos elementos más cálidos con sonidos fríos de los sintetizadores. Música que sin ser pretenciosa, ni virtuosa especialmente, consigue ser singular rodeándose de un aura de originalidad que se pierde en los últimos temas, cortes que le sobran, pasando a un estado casi ¿hard? en una propuesta 'disco' que parece material de relleno, bajando el nivel de calidad de otras composiciones.

 


Obra curiosa y ecléctica que goza de buenos momentos en el que es posible encontrar ritos iniciáticos, cantos místicos y cierta experimentación electrónica (ARP, VCS3, SONY 80) consiguiendo propagar un delgado hilo de misterio pero solo en instantes puntuales, careciendo de la fuerza dramática suficiente para trasladarnos la fascinación del embrujado lugar.





domingo, 10 de octubre de 2021

VANGELIS - Spiral (1977)

 


Vangelis.....................Teclados, multi-instrumentos, arreglos, producción, diseño

 

1ª cara:

- Spiral

- Ballad

- Dervish D

2ª cara:

- To the unknown man

- 3 + 3

 

Hombre que ha paseado a lo largo y ancho del planeta su nombre abanderando la música electrónica, defendiendo los colores de su bandera, la griega.  Todavía en activo tiene un extenso currículum en su haber, bastante desconocido para la mayoría de la gente, que lo recuerda sobre todo por poner banda sonora a muchas películas que han sido de dominio público. El séptimo arte le ha dado muchas alegrías, apasionantes films han sido elevados a peldaños superiores dentro de la industria, gracias a su espléndida dotación para crear las ambientaciones precisas que visten imágenes, de tal forma que quedan en la memoria de los espectadores esos momentos culminantes en las que se produce una comunión perfecta entre sonido e imagen. Su popularidad llegó a lo más alto en los primeros años ochenta, cuando se encargó de engalanar obras del calibre de "Carros de fuego" y "Blade Runner" ganando premios de la academia de los Oscar por su magnífica labor.

 


No es la primera vez que su nombre aparece aquí, ya surgió al hablar del grupo APHRODITE'S CHILD, donde despuntó ya junto a otro grande de las tierras helenas y también conocido como DEMI ROUSSOS. Demostró que su talento con la composición y su aptitud con las teclas era importante, y si seguía adelante podía realizar una brillante carrera, y así fue. Después de abandonar la banda que le vio nacer, continuó su carrera en solitario encargándose de todo el trabajo de los instrumentos, inclinándose por la música ambiental y electrónica llevada a cabo con sus teclados. En mi opinión es uno de los músicos que mejor ha sabido trasladar a las partituras su vida interior, sus pensamientos, sus preferencias y algo muy valorado, sus raíces. Se trata de una persona muy unida a su tierra, amante de su país, su clima,  sus valores, algo que va a plasmar de alguna manera en sus composiciones, obras preferentemente volcadas hacia la electrónica pero siempre con un toque cercano, humano y con detalles de elementos de la vida que él conoce o ha conocido, nunca olvida su raigambre dejándolo patente en innumerables ocasiones. Incluso cuando aborda trabajos inspirados en otras culturas, intenta impregnar su música de forma que las tradiciones, las costumbres de aquellos lugares queden reconocidas, una forma de mostrar su respeto ante otros universos.

 


Los primeros años y trabajos bajo su apodo son realizados sobre esa perspectiva, una mezcla de sonido popular y electrónico, pero llega el día en que deja su querida tierra mediterránea y se embarca para desplazarse al centro neurálgico del rock en Europa por aquel entonces, Londres. Allí conocerá a gran cantidad de gente de todo tipo, pero en más propensión del mundo de la industria musical, eso supondrá influencias y aprendizajes para el bonachón de Vangelis. De hecho comienza una nueva etapa, ya que su siguiente long play "Heaven and hell" aunque sigue manteniendo ese aire campero, se vuelve más técnico y en consecuencia más frío, una tendencia que sigue acrecentándose con "Albedo 0.39" donde su disposición a nuevos teclados y sintetizadores y su interés por las nuevas tecnologías al alcance es ya un hecho. La electrónica está entrando en su cabeza y en su corazón.

 


Y llegamos a "Spiral", el álbum clave de esta crónica que supondrá la obra más electrónica del autor griego sin lugar a dudas, y que ya nunca repetirá con esa actitud, porque el buen músico se caracteriza por su heterogeneidad, es decir, no suele repetirse en la composición y su estilo, o al menos eso ha intentado siempre, aunque cada vez lo tiene más difícil, logrando un extenso abanico multicolor a lo largo de su trayectoria. Abraza definitivamente las nuevas posibilidades de elementos como los secuenciadores, osciladores, sintetizadores digitales y más cachivaches, con ellos va a labrar un disco que se acerca a la ciencia-ficción, con un uso intensivo de electrónica. Me atrevo a decir que su concepción estuvo influenciada por el trabajo de JEAN MICHEL JARRE en su ópera prima, y en particular con el uso de los secuenciadores, pero eso es de mi cosecha, opinión personal. Hasta el diseño de la portada está realizada por Vangelis, que no puede ser más explícita en su idea cubriendo una obra conceptual inspirada en el filósofo Tao, explorando la naturaleza del universo en movimiento espiral.

 


Despega los pies del suelo nada más iniciarse con el homónimo tema Spiral, construido sobre un arpegio de 3 notas que se repite secuenciado durante gran parte de la duración de la pieza con tonos épicos que le dotan de trascendencia con cadencias ascendentes y descendentes haciendo efecto de espiral. La interacción de gran cantidad de teclados secuenciador y osciladores que presenta, sorprende al no ser usual ese sonido tan compacto y artificial  en sus discos. El tema tiene peso, cuerpo, ritmo y un desarrollo futurista que lo convierte en una pieza apreciable de principio a fin. El ambiente calmado y recogedor regresa de la mano de Ballad, pone de nuevo los pies en el suelo incorporando voces (las suyas) tratadas por filtros con reverberación incluida, a modo de canto de ballena, algo que no había sucedido hasta ahora, sin letra, simplemente una sucesión onomatopéyica sin traducción posible. Vuelven las características atmósferas cristalinas, delicadas, tenues, algodonosas, marca de la casa, que parece que se deshacen como torbellinos de humo combinadas con interludios épicos, apabullantes regidos por una armónica sintetizada. Nuevamente nos sobresaltamos con el inicio de Dervish-D, no nos tiene acostumbrados este señor a la violencia en el arranque, o al menos no tan pronto. Melodía de tintes orientales parecen escucharse en profundo, cimentado sobre una base compositiva rock y un secuenciador que nos acompaña prolongadamente. En una concepción muy similar a Spiral, me recuerda en cierto sentido a "Choronzon" del Lp Exit de TANGERINE DREAM, con un sonido más inteligible alejado de la experimentación, que le confiere rotundidad y compactación.

 


La cara B está ocupada por dos temas solamente de cierta duración, el primero To the unknown man es un corte que recuerda mucho a su Lp antecesor Albedo 0.39, donde podría encajar, una pieza sensible de atmósferas a las que nos tiene acostumbrados, alfombradas por teclados suaves y lineales que parecen desvanecerse, pero con una secuencia en primera línea grave y pulsante. Nuevamente hace acto de presencia la esencia épica, trascendentalista, acrecentada cuando entran las baterías de marcha militar en juego conduciéndonos al nirvana, repitiendo la melodía hasta que se produce un giro de fase donde la batería arranca y los tambores callan, con un estupendo final. El álbum se cierra con 3 + 3 donde recurre de nuevo al secuenciador en un loop vertiginoso que le adjudica un ánimo mecánico. Los teclados ambientales fluyen en diversas capas arropando la melodía y en una segunda mitad se hace muy sintetizada con especial protagonismo del yamaha que acompaña en toda la obra, con ecos y reverberaciones como efectos destacados y aparecen también secciones de metales y timbales que proporcionan una sensación épica categórica.

 Sublime trabajo que raya a un nivel que en mi opinión no volverá a obtener más que en contadas ocasiones, con un carácter electrónico que no se repetirá ya hasta el punto al que llegó aquí.

 



domingo, 21 de marzo de 2021

HEADS IN THE SKY - Heads in the sky (1981)

 


Russ Walker...............Voz principal, teclados, guitarra, flauta y grabaciones

Larry Stanley..............Piano

Gerry Fielding............Batería

Ken Miskov................Bajo

 

1ª cara:

- Heads in the sky

- Survive

- Three isle my land

- Atomic energy sweet

2ª cara:

- On my way to freedom

- Atlantis lies

- Golden morning

- Heads in Rio

 

Oriunda de Ontario, Canadá, llega esta banda muy poco o nada conocida, con solo dos vinilos en su historia. Poco antes del trabajo a comentar habían dado su primer paso debutando a través de un formato EP, sin levantar pasiones. Este último y homónimo álbum fue lanzado sólo en su país de origen, Alemania, Japón y Holanda por razones desconocidas, lo que hacía más complicado si cabe, conseguir un cierta prensa y difusión, algo que no les vendría mal en aquel momento. En pleno auge de la nueva ola y del tecno-pop la propuesta de HEADS IN THE SKY seguramente no tenía el seguimiento deseado, apareciendo en escena más bien de puntillas, no obtuvo reconocimiento.



Russ Walker, alma mater, protagonista absoluto y artífice de toda la enjundia de las composiciones, siendo también quien se ocupara de la producción, no consintió continuar en la brecha con el grupo y se dio por terminado tras este disco de cabezas flotantes que asemejan algún tipo de nave. Y es que su sonido se ha considerado incluido dentro de materia electrónica, inserta en una funda cuyo aspecto quiere reflejar el futuro que está llegando al mundo, fruto de la informática y las computadoras. Pero no estoy tan seguro de que sea así. Una vez escuchado al completo, el inicio es prometedor y despegamos en una de las cabezas con destino desconocido, los secuenciadores y osciladores hacen presencia junto a teclados varios, transcurridos unos minutos todo se diluye y aparece lo que será la tónica general, un rock sinfónico sofisticado que me recuerda enormemente a  los ALAN PARSON'S PROJECT  de álbumes de su era dorada "I robot", "Pyramid" o incluso "Eye in the sky".

 


Las composiciones, todas ellas sencillas, tienen una producción impoluta, suenan correctas, perfectas y también cuentan con esa vena pseudo-romántica de los ALAN PARSONS,  están arropadas por buenos teclados y guitarras, muchas de ellas acústicas con un sonido transparente y cristalino y en otras con eléctricas que pueden llegar a endurecerse en algún caso. El caso es que la sensación que se transmite es de perfección y sonido limpio. Temas que entran fácilmente , son bonitos y agradan, pero les falta algo más de chispa y brillantez, terminan por resultar repetitivos, algo que choca con esa condición electrónica que se les presupone y que debería ahondar más bien en experimentación, búsqueda de horizontes u originalidad, conceptos que no consigo hallar entre sus surcos.

Interesantes sin más, pero no terminarán de calar. Tal vez sea la explicación a su poco éxito. Su último corte Heads in Rio pone fin al viaje con ritmo de salsa brasileña remozado de teclados electrónicos, pero no hemos logrado salir más allá de la atmósfera terrestre.





domingo, 1 de marzo de 2020

KLAUS SCHULZE - Moondawn (1976)

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Klaus Schulze.....................Órgano, sintetizadores, teclados, secuenciadores, moog
Harold Grosskopf..............Batería

1ª cara:
- Floating
2ª cara:
- Mindphaser

Uno de los bastiones del rock y krautrock electrónico de los 70 esparciendo influencias a músicos venideros junto a otras bandas de la misma estirpe como TANGERINE DREAM, KRAFTWERK, AMON DÜÜL, etc. Perteneciente a la escuela de Berlín como sus compañeros T. DREAM tuvo la gran oportunidad de ingresar en sus filas firmando el debut "Electronic meditations", después de grandes devaneos por  incontables formaciones de todo tipo .
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Tras el debut de los "mandarina" salió sin dilación para convertirse en co-fundador de otro grande de la corriente experimental y electrónica del país teutón, ASH RA TEMPLE , junto a otro de los grandes dentro de la esfera alemana, Manuel Göttsching. Su constante inquietud supondría un periodo de corta duración también en la banda al no coincidir con las ideas a seguir que tenía proyectadas. Definitivamente formaría su propio grupo a imagen y semejanza.

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Su música tiene un gran paralelismo con estilo de sus antiguos amigos T.D. La filosofía de su sonido a la hora de utilizar los medios es muy semejante y palpable pero no se puede decir que sean idénticos. La electrónica que desvela "Moondawn" está concentrada en dos únicas suites, ocupando una cara del vinilo cada una de ellas. Ambos extensos temas se construyen acumulando capas de teclados y sintetizadores a modo de cebolla en una dinámica muy lineal sin apenas melodía ni altibajos, algo que se nos antoja un poco largo. Llega una fase que supone un punto álgido de la composición, un máximo de confluencia de sonidos y melodías minimalistas a partir del cual todo empieza a descender indicativo de que el tema no da más de sí, las capas se van quedando por el camino hasta alcanzar un hilo terminal similar al de inicio, cerrando un círculo. La vida y latido de la obra se queda a cargo de los secuenciadores con bucle repetitivo que se insertan en buena parte y en los que la tonalidad varía mínimamente.

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Es un proceso que podemos atribuir tanto a "Floating" como a "Mindphaser" que atraviesan parcelas que recuerdan irremediablemente a lo que se hacía en TANGERINE DREAM.

Una peculiaridad que lo diferencia es el uso de batería o percusión manual, olvidándose de pregrabaciones o baterías electrónicas. Ese es un rasgo que siempre me ha gustado, creo que dota a las composiciones de una cierta calidez, o alma, que lo hace más cercano, evitando parcialmente la frialdad de los sintetizadores, secuenciadores y demás cachivaches.  En este caso la batería corre a cargo de Harold Grosskopf al que hay que reconocerle un gran trabajo, importante y nada fácil



domingo, 19 de enero de 2020

BO HANSSON - A magician's hat (1973)

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Bo Hansson.......................Órgano, guitarra, bajo, sintetizadores
Sten Bergman...................Flauta
Gunnar Bergsten..............Saxo y flauta
Rune Carlsson...................Batería, congas y percusiones
Pelle Ekman......................Batería
Göran Freese....................Saxo
Owe Gustavsson.............. Bajo
Kenny Hakansson.............Guitarra
Bill Öhrstrom....................Congas
Bobo Stensson..................Piano eléctrico

1ª cara:
- The city
- Divided reality
- Elidor
- Before the rain
- Fylke
-Playing downhill into the downs
2ª cara:
- Findhorn's song
- Awakening
- Wandering song
- The sun(parallel or  90º)
- Excursion with complications

Compositor sueco bastante desconocido dentro del panorama del rock sinfónico e instrumental en general, que cuenta con el galardon de haber sido el primero en hacer un disco conceptual basado en la novela de "El señor de los anillos", allá por el año 1972, lo que le valió un cierto reconocimiento a nivel  mundial que con el paso del tiempo fue difuminándose para quedar nuevamente en un anonimato relativo. Cuenta con un puñado de discos, todos ellos con un nivel de calidad compositiva más que notable, pero la enfermedad no entiende de éxitos o fracasos y el genial nórdico fue victima de una rápida degeneración, que lo dejó incapacitado terminando sus días todavía joven.

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Afortunadamente nos dejó trabajos mágnificos como éste, una obra que vió la luz antes que su éxito mundial, pero que saldría en formato inglés un año después, pleno de colaboraciones e instrumentación variada encierra una fusión cultural expresada bajo una atmósfera mágica de espíritu minimalista.

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Sucesión de temas instrumentales breves en su mayoría, apenas alcanzan los 2 minutos con finales abruptos, se encadenan sin silencios intermedios de manera que adopta un formato similar a la banda sonora de una película. El contraste entre las distintas fases asociadas es una característica general del álbum pasando de pasajes bucólicos y pastorales sin dilación a escenas más oscuras. La ambientación instrumental habría que definirla como sútil, música muy rica en matices y pequeños detalles que vamos percibiendo con el paso de las escuchas. Gran diversidad de sonidos que se van incorporando dependiendo del fragmento en que nos encontramos, donde abunda la sección de viento, elementos de cuerda y un universo de percusiones, escuchando una batería de trabajo estupendo, y por encima los teclados tiene la última palabra.

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Se podría decir que practica un soft rock con regusto psicodélico y con instrusiones dentro del jazz y el sinfónico, construyendo estructuras en algunos momentos muy estáticas típicas de la música electrónica de la época. 

Su sonido podríamos compararlo al de grupos como DEODATO, MOODY BLUES o incluso JADE WARRIOR con algunos elementos  de experimentación comunes en formaciones pertenecientes al Krautrock.


domingo, 29 de septiembre de 2019

JEAN MICHEL JARRE - Oxygene (1976)

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Jean M. Jarre..........................Órgano, sintetizadores, teclados, farfisa, mellotrón, programación rítmica.

1ª cara:
- Oxygene I
- Oxygene II
- Oxygene III
2ª cara:
- Oxygene IV
- Oxygene V
- OxygeneVI

Jean Michel, francés, hijo del que sería famoso compositor para películas de gran envergadura en Hollywood, Maurice Jarre, al principio siguió un poco los pasos de su padre. Sus primeros escarceos con la electrónica recaerían en piezas cortas para anuncios y cuñas. Experimentación por los 4 costados, nada que se le parezca a su posterior trayectoria. Tras un buen montón de rarezas consiguió dar música a un film, algo que paso bastante desapercibido pero que significó de alguna manera su debut en el ruedo. Hasta que se sentó en el cuarto de estar de su casa rodeado de aparatos electrónicos de toda clase, y la lió parda, dando lugar a un engendro maravilloso y artesanal que todavía tiene vigencia. Un revulsivo dentro del mundo de la música electrónica que supone una nueva vía, un nuevo formato lejos de la escuela alemana que sentaba cátedra ya hacia unos años.

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"Oxígeno", es como dice "un balón de oxígeno". Una forma distinta de afrontar la electrónica que al igual que la doctrina alemana, también recoge de alguna manera una forma de sentir de la sociedad. Así como los germanos estaban anclados en la oscuridad, la obsesión, la mecánica, como reflejo de un país que tiene que salir adelante, olvidar, reconstruir, asumido en las vidas de sus músicos desde niños, Jean Michel también nos muestra esos años de contacto con los emigrantes de las colonias del Magreb de su infancia y juventud traducido en ritmos y sonidos de raíz étnica que inserta (Oxigeno V y VI) dentro de sus composiciones, en los años 80 todavía será más explicito en su álbum "Revolutions"

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La música de este Lp es muy ambiental , envolvente, fresca. Consigue transmitirnos la idea de expansión, espacios abiertos, limpios, sensaciones gratificantes, con el sonido del mar como elemento que fluye a lo largo de toda la obra. Sus influencias entroncan con autores clásicos (Bach), con coetáneos como VANGELIS y con sonidos de raíz árabe. Por supuesto para lograrlo utiliza todos los instrumentos puestos a disposición en el mercado:  grabadoras, programadoras, osciladores, etc., creando los típicos bucles y pregrabaciones.

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El acercamiento a sonidos más accesibles es evidente. Las melodías son fácilmente reconocibles pero están envueltas en una masa esponjosa en constante movimiento que le otorga esa performance interesante y atractivo que te atrapa. De hecho "Oxigene IV", que es la parte más conocida, apareció como single, y le valió para salir del anonimato con una gran aceptación.  El origen latino de su persona pesa y se demuestra en los ritmos escogidos, opuestos a la frialdad y falta de alma de las piezas de grupos como TANGERINE DREAM, KLAUS SCHULZE, ASH RA TEMPLE, etc.

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La experimentación o tal vez improvisación no llega a las cotas de los Teutones. Jean Michel indaga más bien en buscar como plasmar sus inquietudes, en hacer partícipe al espectador, en comunicar, en conectar. Para ello elige estados que nos son reconocibles. En "Oxigene VI", el último episodio, nos muestra un mar de olas agitadas que van y vienen, cada vez más profundo, hasta conseguir que ese vaivén se convierta en una inspiración y expiración correspondientes a la respiración humana.

Se puede catalogar de obra conceptual, que se convertirá en inspiración para muchos otros músicos dentro de la disciplina.



lunes, 12 de noviembre de 2018

TANGERINE DREAM - Pergamon (1980)

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Edgar Froese.......................Guitarra, sintetizadores, mellotrón, VCS 3
Chris Franke........................Mogg, sintetizadores, VCS 3, teclados, percusión
Johannes Schmoelling.........Sintetizadores, teclados, piano

1ª cara:
- Quichotte part 1
2ª cara:
 - Quichotte part 2

Grupo mítico donde los haya y precursor absoluto de la electrónica progresiva junto a  otros coetáneos alemanes a finales de los años 60.  Comenzarán una corriente muy vanguardista dentro del rock, con una discografía tan extensa que se pierde en el horizonte, y que servirá para muchas bandas de referencia y  punto de partida a lo largo de las décadas venideras.

Aunque "Pergamon" es un álbum que se publica en 1986, lo cierto es que incluye un concierto realizado en la antigua República Democrática Alemana (DDR) en el año 1980 que fue publicado allí con el título de "Quichotte". Los trabajos en vivo de T.D. no son hasta entonces un compendio de sus mejores obras pertenecientes a lp's de estudio, sino que en la mayoría de los casos son auténticamente originales y muestran creaciones nunca oídas hasta ese momento, discos como "Ricochet", "Logos", "Poland" son obras en directo inéditas que lo avalan.
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"Pergamon" no es exactamente inédita porque parte de melodías ya existentes que derivan hacia desarrollos improvisados y experimentación, lo que lo convierte en prácticamente nuevas creaciones. Se trata de uno de los primeros trabajos en los que participa su nuevo integrante J. Schmoelling que acaba de ingresar en la banda ese mismo año, que tiene la difícil tarea de sustituir a Peter Baumann, todo un baluarte, y superar el bache de sus 2 últimas publicaciones,  con la participación de Steve Joliffe y Klaus Krieger, injustamente tratadas por la crítica musical de aquel país.

En mi opinión este trío que se forma, comenzará desde su inicio la época de mayor creatividad e innovación hasta hoy día, puesto que todavía siguen en activo con otra formación, que ya nada tiene que ver con la de entonces. Sin embargo muchos seguidores acérrimos desde su primer lp piensan que T.D. murió tras su álbum "Phraedra" (1974) o tras la partida de Peter Baumann (1977).

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Schmoelling viene a traer aire fresco al proyecto, es vibración, movimiento, latido, removiendo los cimientos que estaban muy asentados, construidos sobre sonidos fríos, introvertidos, sombríos, cerebrales, música lineal en exceso que abunda en el desasosiego visceral contagiado por el pesimismo de la posguerra. Schmoelling aterriza para romper ese status que parece la seña de identidad del rock alemán, su personalidad influirá de forma directa al seno de las composiciones quitando peso, densidad, generando atmósferas aperturistas, positivismo, ganando ritmo, variedad y colores vivos en contraposición a los tonos grises que imperaban.

"Pergamon" todavía arrastra ese bagaje que lo precede, Schmoelling es un recién llegado y aún está aprendiendo a conocer el grupo, no se observa con claridad la evolución hacia estructuras más flexibles muy patentes en "Exit" (1981), un vinilo que da el salto, un giro importante de la concepción de T.D. que abordará ritmos y melodías más concretas y fáciles de recordar acercándose incluso a las listas de éxitos con un tema semi-comercial.

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Froese es el fundador, creador y constructor de las melodías principales, quien organiza la distribución. Franke es el hombre inquieto que busca y explora sonidos, intentando que el bloque principal se alimente de elementos originales y secuencias nuevas. Schmoelling pone la rítmica, la viveza, la agitación a través de sus teclados y los sonidos pregrabados.

En la primera parte de "Quichotte" la ambientación es todavía muy oscura, el tenebrismo planea dominando los lances electrónicos, pero el trabajo es soberbio, diversificado y rico en matices, progresivo y en constante movimiento, tratando de dejar atrás las tinieblas. Sin embargo cuando le damos la vuelta al disco, en la segunda parte se produce un cambio reseñable. El ritmo desde el principio se hace vivo y el sonido gana en calidez, provocado en mayor medida por la guitarra de Froese, que entra en acción por vez primera. Desaparecen las brumas y la música fluye más limpia y palpitante, los sintetizadores trabajando en una misma dirección, en una misma línea musical dan cuerpo y potencia dando lugar a una melodía contundente que ya no abandonará hasta el final. Sonido más armónico, alegre, vital,  integrado con unas secuencias pregrabadas aceleradas y ricas en ritmo que imprimen al conjunto dinamismo y sensaciones positivas.

"Pergamon", entre otros, representa para TANGERINE DREAM, el fin de una época y la transición hacia una nueva visión de su música.



miércoles, 5 de octubre de 2016

CYBOTRON - Colossus (1978)




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Steve Braund............Secuenciador ARP, sintetizador ARP, KORG y saxofón procesado
Colin Butcher............Batería, percusiones y sintetizadores
Geoff Green...............Piano, órgano, sintetizadores, mellotrón, instrumentos de cuerda

1ª cara:
- Colossus
- Eclipse
2ª cara:
- Medusa
- Raga in Asia Minor

Del otro lado del globo nos llega otra banda australiana que practican un progresivo muy electrónico, hasta tal punto que llegaron a denominarlos los "Tangerine dream australianos",  debido a sus fuertes referencias y semejanzas causada por la corriente establecida por el trío alemán. Su carrera nada tendrá que ver con la de los Germanos,  bastante corta, con altibajos y con el fruto de apenas 4 Lp's; "Colossus" es el más destacado de ellos, donde darían lo mejor de sí mismos en un momento muy difícil y tardío, cuando este sonido está fuera de los círculos comerciales, si es que estuvo en algún momento. Su música está llena de influencias de los grandes de la electrónica de los 70, TANGERINE DREAM fundamentalmente, pero también K. SCHULTZE, ASH RA TEMPLE y otros grupos pertenecientes a la línea del Krautrock alemán.

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Se trata de un álbum absolutamente instrumental, donde muestran con contundencia desde el primer momento el arsenal de sintetizadores, secuenciadores y otros aparatos que contiene su proyecto. Melodías que se alejan del purismo electrónico primigenio más alienante e hipnótico, para ofrecernos unas descargas potentes de todo tipo de teclados a través de desarrollos cambiantes, en los que las composiciones no entran en bucles extensos y lineales,  pero sí en otros muy característicos. No obstante hay una evolución constante hacia otros paisajes, dibujándose cabriolas que se retuercen en el aire a través de los sintetizadores, confiriendo a los temas un dinamismo que los hace atractivos.
La batería que en la mayoría de los casos no está pregrabada, como ocurría en muchos grupos de la onda electrónica  lleva una labor inmensa, pero se agradece. Siempre he preferido el sonido de batería artesanal a cualquier otro hecho por máquinas.

La novedad sobre otras bandas electrónicas es la introducción de saxofón en plena vorágine o clímax instrumental recordando en algún instante a VAN DER GRAAF GENERATOR en sus momentos más delirantes en los que se desataban creando un caos que no sabíamos donde acabaría.

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Las caras del disco son diferentes una de otra, mientras la primera es bastante progresiva, la segunda presenta un cuadro mucho más electrónico y frío. Sólo 4 temas nos da una idea de la extensión de ellos, 2 por cada lado.  Es en el lado B donde encontramos material configurado principalmente con secuencias que suponen el armazón de la trama en la que se plasman elementos diversos que transmiten espacios dramáticos, incluso apocalípticos, en los que se llegan a observar desarrollos "hard" a modo de arpegios de guitarra pesada.

Música densa, con derroche absoluto de instrumentación, cargada de vatios;  energía en estado puro que hará las delicias de los fans de la electrónica de aquellos años de exploración sonora.

PUNTUACIÓN: (De 1 a 10): 8,2


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