CRESSIDA - Cressida (1970)

 

Angus Cullen................Voz

John Heyworth............Guitarra eléctrica y acústica, voz

Iain Clark......................Batería

Kevin McCarthy............Bajo

Peter Jennings.............Órgano, mellotrón, piano

1ª cara:

- To play your little game

- Winter is coming again

- Time for bed

- Cressida

- Home and where I long to be

- Depression

2ª cara:

- One of a group

- Lights in my mind

- The only earthman in town

- Spring' 69

- Down down

- Tomorrow is a whole new day

Esta es una de esas bandas a las que se les reconoce bastante bien su origen, su personalidad, sus raíces en el rock sinfónico primigenio, con un estilo de proto-prog, que comulga perfectamente con el realizado por otras formaciones coetáneas como CARAVAN, que además se convertiría en uno de los baluartes de un movimiento que surgió a finales de los 60 y principios de la década de los 70, acuñado con el nombre de Sonido Canterbury, y que a nadie que esté interesado por estas músicas se le escapa ya. Pero hubo más jóvenes que enarbolaron la experiencia, llevándola unos u otros hacia diferentes facetas musicales. SOFT MACHINE, MATCHING MOLE, NATIONAL HEALTH, etc, encauzados por sendas más experimentales e imprevisibles, auténticos monstruos del virtuosismo. Luego, combos como SPRING, CARAVAN, FANTASY y los mismos CRESSIDA se inclinaron por otros derroteros en pos de un sonido más melódico y menos exigente en cuanto a innovación, pero también muy elaborado, dejando la fantasía en mayor medida al Hammond utilizado por su teclista.

Nuestros amigos de CRESSIDA se constituyen oficialmente en marzo de 1968, en plena época hippie, y es que algo de ella se desprende en su forma de interpretar la nueva ola que proviene de la zona de Canterbury. Inicialmente se les denominó CHARGE, incluyendo en su repertorio covers de THE DOORS, DRIFTERS y SPIRIT junto a otras composiciones originales. Tras una serie de conciertos y sesiones conseguirán un contrato de grabación con el sello Vertigo, volcados en conocer bandas innovadoras y afines a sonidos experimentales a las se les intuya un potencial por explotar. En ese instante es cuando deciden cambiar su nombre a CRESSIDA, tras sustraerlo de una obra de William Shakespeare, coincidiendo con el abandono de su teclista original que decide no continuar al frente.

Los primeros conciertos con su nuevo alias fueron en Alemania, tierra afín a las nuevas fórmulas de rock, acompañando a gente que empezaba a hacerse un hueco en el espectáculo como COLOSSEUM, EAST OF EDEN, durante el otoño de 1969. Pero donde más se prodigó fue en los circuitos universitarios, así como en los clubes de Londres, escenarios de aforo más bien limitado, donde emergían, y bullían las nuevas experiencias. Dentro ya de su casa discográfica Vertigo atravesaron un mal momento cuando a principios de 1970 se ve obligado a marchar su primer guitarra John Heyworth, dejando algo tocado al grupo, después de firmar el debut discográfico con gran profesionalidad, debido a asuntos personales. Si a esto le sumamos que Vertigo no va a continuar respaldando al proyecto incomprensiblemente, sin razón clara, la situación se hace precaria, un profundo bache que no van a poder sortear, de manera que a pesar de su buen hacer, todo se va al carajo y se produce la disolución irreversible. Su segundo álbum de estudio se lanzaría ya en septiembre de 1970 tras la desaparición. Inesperadamente 40 años después de esta despedida se ha publicado un álbum conteniendo material de su primer trabajo y algunos cortes no incluidos, singles, etc. y parece que promete ser interesante.

Su homónimo disco inicial es una obra que respira ilusión y una cierta inocencia musical en la que triunfa sin duda alguna la aparición de un órgano Hammond omnipresente y absorbente encargado de dominar la escena de las composiciones con mayor protagonismo, se embarca en un torrente de notas aceleradas en ascensos y descensos sin un esquema claro, producto de la improvisación y cierto aire experimental de jazz. Esto supone todo un regalo para los sentidos. En otras fases el órgano dará paso al mellotrón, otro instrumento que estaban descubriendo y del que van a sacar partido.

Le acompaña fielmente una base rítmica enérgica de ritmos vivos, frescos y vertiginosos, con rápidos giros sin aliento muchas veces, cambiando constantemente el tempo. La guitarra eléctrica es suave pero aguerrida con un trasfondo psicodélico que arrastran del hippismo sin haberse despojado definitivamente de sus vestiduras. En cuanto a la acústica, está muy activa y la encontramos en muchas ocasiones interpretándose con suavidad y punteos que suponen delicados instantes. No es para menos la voz, que aporta también calidez y melodiosidad al entorno con una entonación clásica del Canterbury, haciendo que funcione frecuentemente como un instrumento más, en lugar de hacer de conductor de la trama o nexo de unión.

El primitivismo de rock sinfónico existente se demuestra en una producción sencilla, sin apenas arreglos dignos de mención, sin efectos, muy purista en su concepción de sonido limpio, todo un producto natural directo al cerebro. También refuerza este concepto su sonido carente de variedad, todos sus temas se mueven en un fondo creativo muy similar, partiendo del órgano y dejando que se desarrollen con cierta experimentación la performance de los tracks, sin esquema claramente establecido, sin fases claramente determinadas, no hay estratos que nos embarquen en otras dimensiones. Es el triunfo de la improvisación por encima de un trabajo madurado. Melodías desenfadadas, nada pretenciosas donde la percusión y la guitarra se ocupan de establecer diferencias para hacer la travesía menos monótona, tratando de compensar el excesivo peso de las teclas.

Caterva de buenos músicos a los que les falta un grado de maduración, compensado con el buen conocimiento de que tienen de sus respectivos instrumentos y la frescura que imprimen los inicios de la creatividad. Piezas compuestas en compases clásicos de 4/4 donde las piezas, más que piezas parecen extractos, sin un principio y un fin claros, donde se echa de menos algún elemento que aporte un desequilibrio, ideas no llevadas a toda su plenitud. A veces el órgano se queda solo componiendo un monólogo sobre el silencio que hay bajo su presencia. El disco termina con un tema en el que el mellotrón y las voces generan posiblemente el único episodio épico de todo el viaje.

SUNDAY - Sunday (1971)

 

Jimmy Forest.............Teclados, voz

Davy Patterson..........Bajo, voz

John Barclay..............Guitarra, voz

Peter Gavin...............Batería (Invitado)

 

1ª cara:

- Love is life

- I couldn't face you

- Blue song

- Man in a boat

2ª cara:

- Ain't it a pity

- Tree of life

- Sad man reaching Utopia

- Fussin and fighting

 

Atención a esta obra, un trabajo magnífico único, digno de encontrarse en la vitrina de los grandes entre los grandes, sin apenas difusión y donde el desconocimiento de la banda es prácticamente total, apenas tenemos la información de los nombres de los componentes, un trío de ases con la compañía de Peter Gavin del que si se sabe más, puesto que estuvo en otra formación de poca proyección, JODY GRIND, estupendos también, pero al fin y al cabo muy anónimos para la mayoría del público que no esté familiarizado con el rock progresivo en capas inferiores.

 

Jody Grind

Como digo, es increíble que este álbum pasara tan desapercibido, pero así son los éxitos y las miserias del rock en ciertos momentos de su corta historia. Se grabaría en Londres, pero sus miembros provenían de tierras más arriba, de Escocia, e incomprensiblemente su breve edición y difusión tuvo que realizarse en tierras germanas, algo que me gustaría llegar a entender algún día. Terminado el disco, el grupo desaparecía, algo muy lamentable viendo la calidad que atesoraba.

Estos chicos de nombre "festivo" hacían una música que se caracterizaba por el dominio de los teclados, pero más en concreto del órgano, muy personal en la manera de ejecutarlo, muy incisivo y lisérgico en algunos momentos, con picados muy remarcados, correrías, cabriolas y barridos frecuentes, sin embargo en otras ocasiones hacen de pantalla de fondo, generando capas de atmósferas envolventes con cielos cargados gravitando. Su sonido es muy progresivo, alimentado por el coctel especial de piano y órgano que crean entramados fantásticos dignos de bandas como PROCOL HARUM, CARAVAN o incluso DOORS, con esa vena de psicodelia que desprende algunas veces y la forma de atacar el órgano.

 

CARAVAN

Otro elemento que le confiere mucho atractivo son los "grooves" que consiguen en algunos de los temas (Love is life, Ain`t it a pity, entre otros) ofreciendo un sonido cargado de energía y potencia en la triada batería - bajo - piano. Siendo preferentemente progresivos, sus raíces, la esencia que se esconde proviene del blues y rhythm 'n' blues, y queda manifiesta su pasión en Blue song, todo un clásico blues, pero además las guitarras trabajan en ese sentido, creando unas disertaciones y unos ataques tristes de sabor añejo que llegan a dibujar lamentaciones, ayudado por la voz que se acopla a la situación. Creando un todo que se encuentra en la órbita de bandas como THE KEEF HARTLEY BAND  con ese toque vetusto, sureño, regado por la vibración del órgano hammond.

 

LOS MARAVILLOSOS PROCOL HARUM

Sonido que se muestra fresco, inspirado y de una brillantez patente, capaz de trasladarnos por diferentes escenarios: Sobriedad, solemnidad, romanticismo, épica todo ello tratado siempre con la mejor selección en las melodías bien vertebradas por el órgano de Forest y avivadas por la magnífica sección rítmica. Buen gusto se mire por donde se mire. Una joya que se va desvelando mejor aun si cabe con cada escucha.

CATAPILLA - Catapilla (1971)

 

Anna Meek..................Voz

Dave Taylor..................Bajo

Graham Wilson............Guitarra

Robert Calvert.............Saxofón

Malcom Frith...............Batería

Thiery Reinhart............Clarinete y flauta

Hugh Eaglestone..........Saxofón

 

1ª cara:

- Naked dead

- Tumbleweed

- Promises

2ª cara:

- Embryonic fusion

 

Este es el primer Lp de una banda inglesa que se desenvolvió desde el primer momento en las sombras y por tanto su entrada en las listas fue prácticamente anecdótica. A pesar de tratarse de un combo original y con personalidad, tras un segundo vinilo más suavizado, etéreo y espacial que el inicial darían por terminada su existencia, ya que las cifras no cuadraban con los resultados.

Era inusual que fueran 7 miembros los que constituyeran todo el bloque y más aún teniendo en cuenta que 3 de ellos se encargaban de la sección de viento, al incluir 2 saxos y un clarinete y la no inclusión oficial de un teclista. La creación musical corría por igual a cargo de todos ellos, donde los metales no solo suponían una parte fundamental del invento, sino que adquirían el protagonismo de las melodías en gran parte de la obra.

Desarrollaban un rock progresivo primigenio con una producción tosca en la que venía a suavizar y refrescar mucho todo el ambiente, la puesta en escena de los saxos. Todavía llevaban en las venas algo de la psicodelia americana, quedando reflejado en la voz y expresión de Anna y la guitarra distorsionada y wah wah bañada en ácido. De los arreglos se encargará el departamento de metales, y también a la hora de sustituir a los teclados en la producción de texturas de fondo que dirigen la melodía.

 

No confundir a Robert Calvert al frente del saxo, que tras la desbandada terminaría recalando unos años después en la agrupación de Daevid Allen, GONG, con el Robert Calvert que perteneció a la nueva apuesta de HAWKWIND en la segunda mitad de los 70. 

Este homónimo disco desde el primer momento deja claro cuáles son sus pasos a seguir.  El dúo rítmico bajo-batería construye una base sólida donde la sección de viento y la guitarra circulan realizando todo tipo de piruetas. Las composiciones más extensas están hilvanadas por desarrollos de jazz experimental instrumental donde el libre albedrío da fruto en forma de inspiración e improvisación. Cuando esto sucede su sonido se acerca en gran medida a temas de una banda de culto BLACK WIDOW, injustamente olvidada, pero también tiene analogía con la filosofía de KING CRIMSON.

 

Mención especial para la voz de Anna Meek, que la primera vez que se escucha sorprende a propios y extraños. Esencialmente habría que definirla sobretodo como extravagante, alterada, inestable, espontánea, que se comporta de manera imprevisible, obteniendo registros imposibles, en ocasiones usándola como si de un instrumento más se tratara u ofreciendo pasajes guturales, pero poseída por un espíritu libre, que recuerda a voces de la psicodelia de los 60 por su expresividad.

La segunda cara del plástico se completa con una larga suite de algo más de 24 minutos que en algunos momentos se hace algo pesada de seguir ya que cuenta con algunos fragmentos de exploración algo asfixiantes. Dividida en varias etapas en los que el cambio que dan de una a otra resulta en algún caso algo forzado. La melodía es propiedad una vez más de la triada de viento, pasando el testigo en algún momento a la guitarra de Wilson atacando con crudeza unos solos extensos que llegan a endurecerse y que están cargados también de experimentación sobre una base rítmica frenética.  Anna se despacha a gusto en su tónica, excentricidades y  libres ejercicios de cuerdas vocales, como si la música no fuera con ella.

Un disco de duración extensa que recoge atmósferas hippies y caóticas , de sonido crudo, que podría considerarse dentro del saco del proto-progresivo.

Indispensables en la discoteca Krautrock

 "Tago Mago del grupo Can, tiene un peso en el kraut, sin exagerar o exagerando poco, lo que el What's going on  (1971) de Marvin Gaye al soul, y todo el rock experimental le debe unas gracias, pese a que en comparación con él gran parte de las bandas experimentales merecen el primer puesto en las listas de éxitos. 

Aquí desfila la formación clásica de Can, con la virtuosa batería entre lo jazz y lo robot de Jaki Liebzeit, el bajo de Holger Czukay, quien había estudiado música con el mismísimo Stockhausen, y el vocalista japonés Damo Suzuki, que vagabundeaba por Europa hasta que el grupo lo vio tocando en la calle de forma harto peculiar y le invitó a sumarse para suplir la vacante dejada por Malcolm Mooney. Tan peculiar que en su primer concierto echó al público del local. En "Peking O" tenemos un gran ejemplo de cómo hace de las suyas, entendiendo por "hacer de las suyas" darse a improvisaciones vocales freeform en ningún idioma" 

 

Surge el Krautrock como respuesta en Alemania. Año 1969

"En lo musical, la industria alemana desde la segunda guerra mundial se había estancado en estrellas prefabricadas, impolutas y carentes de pretensiones, nada que ver con el guirigay que venía del otro lado del océano.

 

Pero, con la influencia de los nuevos sonidos que cruzaban medio mundo y el espíritu de las  revueltas del año anterior, los jóvenes músicos, en muchos casos ligados a la extrema izquierda, iban a plasmar este descontento y este espíritu, atento a lo más radical de las novedades del mundo anglosajón y al mismo tiempo anclados en una fuerte tradición de música de vanguardia que bebía de los grandes de la música culta contemporánea, en la cual abundan los apellidos germanos, como los de Schönberg y Stockhausen."

                                                                                     (Malas hierbas) 

AARDVARK - Aardvark (1970)

Dave  Skillin...................Voz

Steve Milliner.................Teclados

Stan Aldous....................Bajo

Frank Clark.....................Batería

1ª cara:

- Copper sunset

- Very nice of you to call

- Many things to do

- Greencap

- I can't stop

2ª cara:

- Outing

- One upon a hill

- Put that in your pipe

El hecho de que estos chicos no tengan guitarra entre sus filas no significa que su sonido estuviera dentro de la línea de grupos como ELP, TRIUMVIRAT ó QUATERMASS, donde los teclados son absolutamente protagonistas de la escena, con parrafadas extensas de Hammond echando humo con un trasfondo clásico y sinfónico. AARDVARK son diferentes y enfocan su música hacia estancias de improvisación y búsqueda de territorios inciertos. No obstante en su formación inicial, antes de llamarse así, Paul Kossof y Simon Kirke pertenecían a la banda, pero no convencidos con el germen y la filosofía de la música que pretendía albergar, salieron enseguida marchándose para incorporarse a FREE cuyo orientación era más hacia el rock clásico y el blues.

La configuración de su único LP está más próxima a bandas progresivas y psicodélicas con reminiscencias de IRON BUTTERFLY, unos primigenios PINK FLOYD del álbum "The piper..." con algún elementos de MOODY BLUES que encontramos en sus primeros discos.

AARDVARK son un compendio de ideas libres, sin límites, creadores de sonidos variados , improvisaciones, y sobre todo exploración pero siempre dentro de una base de rock, con dos caras diferenciadas, una primera ecléctica donde deja más margen a estructuras clásicas, melodías sencillas, básicas, donde es notable la influencia del modelo británico de finales de los 60, junto a una veta de rock and roll, hard rock en pequeñas dosis y algún que otro pasaje instrumental progresivo que resulta delicioso, y todo ello rodeado de un aura psicodélica generada a través del teclado, que incluso es capaz de simular los riffs de guitarra hard y distorsionada.

En la segunda cara, cambia bastante el panorama, los temas se alargan en el tiempo apareciendo largos instrumentales atribuidos a la improvisación con exploración constante a través del órgano que ruge vibrante lanzando mareas gravitantes que acentúan la atmósfera lisérgica y extravagante, dando como resultado un producto psicodélico delirante compuesto de pasajes desconcertantes y desatados, donde el ácido brota dibujando imágenes difusas y desbocadas, sensaciones extrañas y oníricas impregnadas de un oscurantismo circundante similar al de otros como OUT OF FOCUS, DAMNATION OF ADAM BLESSING o los mismísimos HAWKWIND.

Banda a descubrir por todos los aficionados al Hammond y la psicodelia.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 7,9

TOUCH - Touch (1968)

Jon Bordorano...............Batería

Bruce Hauser.................Bajo

Don Gallucci.................Órgano, piano

Jeff Hawks................... Voz

Joey Newman...............Guitarra

1ª cara:

- We feel fine

- Friendly birds

- Miss Teach

- The spiritual death of Howard Greer

2ª cara:

- Down at circe's place

- Alesha and others

- Seventy five

A finales de los 60 en EEUU las bandas con el espíritu progresivo que muestra TOUCH no eran fáciles de encontrar. Se puede decir que son pioneros de este estilo en su país. Únicamente iban dar lugar a este Lp, aunque eso no sería freno para que su música se valorase sobretodo al otro lado del Atlántico teniendo muy buena acogida en las Islas entre las huestes partidarias de la psicodelia y la vanguardia.

Es una pieza curiosa con un inicio explosivo provisto de psicodelia y blues a partes iguales que nos traen rápidamente a la memoria a los PINK FLOYD más jóvenes con Syd a la cabeza. El Hammond suena potente y vibrante junto a una guitarra muy aguda y ácida recogidos en una estructura complicada de seguir muy cambiante, caótica y discordante. El encadenamiento de sonidos sin orden aparente empieza a hacerse moneda de cambio. Se puede decir que los temas están generados tras sesiones de improvisación y sustancias psicotrópicas abundantes que dan lugar a pasajes anárquicos, cambios constantes y una energía que funciona por impulsos.

Las canciones son puras, crudas, sin armonías ni arreglos, con altibajos. Tan pronto pasan de fases oscuras como nos encontramos en fases exultantes; muchas veces con acordes tensos, no siguen una línea definida y parecen el fruto de la inspiración de la experimentación del momento y del entusiasmo de unos jóvenes con las ideas en ebullición.

Creo que una de las cosas más interesantes a destacar es el loable trabajo del piano con unas interpretaciones a manos de Gallucci que dejan patente la calidad musical de este miembro.

Un disco que no deja de sorprender conforme avanza, puesto que vamos de sorpresa en sorpresa sin saber muy bien por donde va a encaminarse en el que la mezcla de estilos es posible. Eso supone que en ningún momento se va a relajar el oído.

Un álbum auténtico, delirante, genuino, sin conservantes ni colorantes.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 7,8

FIRE - The magic shoemaker (1970)

Dave Lambert...........Teclados, guitarra, voz y narrador

Dick Dufall.................Bajo y voz

Paul Brett..................Guitarra

Dave Cousins.............Banjo (invitado)

Bob voice...................Batería y voz

1ª cara:

- Children of imagination

- Tell you a story

- Magic shoes

- Reason for everything

- Only a dream

2ª cara:

- Flies like a bird

- Like to help you if you can

- I can see the sky

- Shoemaker

- Happy man am I

- Children of imagination

Banda psicodélica tardía que se incluye dentro del "proto-prog" o progresivo primigenio cuyo periplo fue muy corto dejando sólo este excelente álbum cargado de guitarras impregnadas de ácido que recalan en característicos efectos psicodélicos a los que aludían las formaciones incluidas en ese estilo. Era una propiedad que arrastraban desde sus inicios en la industria musical.

Se trata de un simpático trabajo conceptual que crea una ambientación en la que nuestra imaginación nos lleva a pensar en un supuesto narrador rodeado de niños que comienza a leer un cuento, "The magic shoemaker". Escucharemos un fragmento al inicio y de fondo palabras e interjecciones de los niños para luego desembocar en la canción del disco cuyo título tiene que ver con el fragmento. Cada corte esta precedido de estos fragmentos pertenecientes a la narración.

Temas donde la guitarra es la protagonista y directora de cada una de las composiciones. Ella genera la melodía principal y el bajo que se presta con fuerza se encarga de medir el ritmo y cadencias por las que internarse mostrándose en ocasiones muy contundente.  Los teclados mínimos, no destacarán , realizando una labor más oscura a través de arreglos y pequeñas intervenciones de apoyo.  Dentro del álbum nos tropezaremos con creaciones delicadas y duras conviviendo en armonía. En la segunda cara encontramos canciones que bien podrían estar firmadas por THE WHO, construidas con ese aire fresco y guitarras enrabietadas de los británicos que recuerdan a éxitos como "pictures of Lily" "pinzall wizard" o "Armenia in the sky" pertenecientes a sus evoluciones a finales de los 60.

La voz que realiza su trabajo correctamente , es una voz rasgada y esforzada muy en línea con la dirección psicodélica del conjunto.

Después se disolvería la banda y Lambert se uniría a STRAWBS cuyo líder Dave Cousins colabora en este LP tocando el banjo.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 7.8