domingo, 27 de enero de 2019

Janis Joplin: La niña que se hizo demasiado pronto mujer

"La voz de Janis Joplin se convierte en el grito más desgarrado y emocionante que puede oírse en la Costa Oeste. Ella se viste a lo hindú y se carga de pulseras y collares, pero entra nuevamente en la trampa fatídica de las drogas. Durante un tiempo es novia de Country Joe McDonald, pero pronto le abandona por otro amante al que ella prefería: la heroína. Su primer Lp "Cheap Thrills" no es nada del otro mundo pero CBS le ofrece todo su apoyo. Las críticas fueron unánimes, el grupo era malo, pero su cantante era "la mejor voz blues de nuestro tiempo". Y los fans no veían en Janis sólo a una cantante, ella era sexy y agresiva, se identificaba con una apariencia descuidada y estaba casi siempre borracha o flotando.

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Resultado de imagen de janis joplinJanis era el prototipo de la mujer liberada de los años sesenta en Estados Unidos. Aunque todo era una ficción y en la realidad la Joplin era una chica esclavizada por las drogas y el amor. A finales de 1968 deja a los Big Brother, con quienes había tocado en el festival de Monterrey, y debuta con su nueva banda, Kozmic Blues Band, que le ha buscado Albert Grossman al ver que la chica está altamente impresionada por el sonido de los discos de la Stax..........."

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The Electric Prunes

"El año que viene a ellos también se les ocurriría una locura de primer grado: 
en su siguiente trabajo, Mass in F minor (1968) se inflaron  de ínfulas de innovación y, émulos de la pompa eclesiástica, nos regalaron  ni más ni menos que una misa.
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Eso sí, psicodélica. Pero en latín, a la manera de Bach o Haydn y dividida según el estructo patrón de Kyrie Eleison, Gloria, Benedictus, Agnus Dei y demás. Una ida de olla, en resumen, como pocas se han visto, que quizá influyera en las paridas pseudogregorianas de otros artistas, como The Music Emporium o Touch. Su "Kyrie Eleison" conseguirá una modesta intervención en el film de culto Easy Rider, de Denis Hopper".

domingo, 20 de enero de 2019

PAULOV'S DOG - At the sound of the bell (1976)

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David Surkamp...........................Voz principal y guitarra acústica y veleno
David Hamilton..........................Teclados
Rick Stockton.............................Bajo
Mike Safron...............................Batería
Steve Scorfina............................Guitarra principal
Doug Rayburn............................Mellotrón, bajo, percusión
Thomas Nickeson......................Guitarra acústica y armonías

1ª cara:
- She came shining
- Standing here with you (Megan's song)
- Mersey
- Valkirie
2ª cara:
- Try to hang on
 - Golden nuggets
- She breaks like a morning sky
- Early morning on
- Did you see me him cry

Creo que para definir a este grupo habría que hablar de "singularidad", y es que en varios sentidos se muestra como un algo "raro", diferente. Para empezar es muy irregular que un conjunto en esa época esté compuesto nada menos que por 7 miembros, cuando como mucho había 5 o a lo sumo en algunos llegaba hasta 6. Eso nos sugiere una idea de lo que vamos a encontrarnos en el camino, tras esa portada de sabor añejo, de nuevo algo extraño, que parece ser del gusto de la banda, puesto que su debut en 1974 será también a través de una carpeta en blanco y negro, y de temática perruna con claras connotaciones al nombre que representa al sexteto.

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Y es que el diseño de la funda entronca perfectamente con el contenido que se acomoda entre los surcos, impregnado de un aire vetusto combinado con otras atmósferas más modernistas. Es por tanto un álbum difícil de clasificar y difícil de definir.

Para empezar lo que sorprende y me resulta inimaginable, como a la mayoría que lo haya escuchado, es la voz de su "frontman" David Surkamp. Si no lo ves no lo crees, por más que pones el vinilo a rodar, cuesta aceptar que quién canta sea un hombre, cuando resulta que su voz agresiva es similar a la de una Janis Joplin contenida, con aspectos o características en su trémulo y agudo tono que nos recuerda a las mujeres que cantarán tras la 2ª guerra mundial. Donas que llevan en el alma el dolor y la pasión de los tiempos acaecidos.

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No solo van a coincidir muchos músicos dentro de este ingenio, sino que las colaboraciones de otros personajes de la escena son abundantes, destacando la de miembros bien conocidos como Bill Bruford o Andy Mckay. El resultado son una serie de composiciones que albergan bastante creatividad, melodías confeccionadas al detalle, de exquisito gusto, adornadas con unos arreglos elaborados minuciosamente con un peso realmente influyente dentro de la música hasta el punto de ser imprescindibles, trabajados a través de una extensa diversidad de instrumentos, donde sobresales las maravillosas orquestaciones para cuerda y los desarrollos ribeteados de piano que nos regala unos pasajes deliciosos.
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La performance de un disco así,  puede compararse a unos primigenios MOTT THE HOOPLE , en lo que se refiere a arreglos pertrechados con esfuerzo e instrumental análogo. Y en cuanto a la búsqueda del preciosismo de las melodías y armonías estaría casi a la altura de unos SUPERTRAMP, aunque sin llegar al sinfonismo propio de estos. Una combinación de rock clásico, romanticismo en segundo plano ("Standing here with you") y creaciones en las que se adivinan rastros que se corresponden con las nuevas tendencias que estaban apareciendo en el panorama del pop y rock en aquellos instantes ("She breaks like a morning sky").


La inmensa cantidad de diferentes instrumentos nos puede llevar a pensar que el sonido de los temas sea saturado, demasiado atiborrado, o algo parecido. Nada de eso, los intérpretes demuestran profesionalidad obteniendo una coordinación y una magia especial que hace que todo suene en su justa medida, vivo, fresco, brillante, armonioso, pleno de calidad y diversidad.

Banda interesante de conocer, y eso que las críticas positivas que se hacen de este álbum son superadas por las de su primer LP.


domingo, 13 de enero de 2019

The New Yardbirds llegan con el Hindenburg

Resultado de imagen de new yardbirds"la Atlantic tenía prisa pro desbancar a CBS y sus inventos de cara a la galería. Así que un par de anuncios  en el periódico inglés Melody Maker trajeron hasta los por entonces  New Yardbirds, a John Boham batería y John Paul Jones bajista. El 18 de octubre de 1968 debutan en Inglaterra en le club Marquee, ya bajo el nombre de Led Zeppelin, una idea del loco batería de los Who, Keith Moon, gran amigo de Page."
     (1954-1984: 30 años de Rock) 







El melotrón, otra dimensión

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"Si nos fijamos con detenimiento en cada uno de los siete temas que configuran Nursery Crime la parte instrumental comandada por Banks tiene una importancia capital, máxime cuando se provisionaría del melotrón, que aporta esas atmósferas neblinosas y bizarras que se dibujan en el espacio mágico que redunda en el tercer LP de la banda, en concreto para las oberturas de "The return of the Giant Hogweed" y "The fountain of Salmacis". Seducidos por la idea de reproducir sonidos similares de los que se habían prendado al escuchar The Court of Crimson King (1969), el melotrón se acoplaría a partir de Nursery Crime a ese espectro melódico instrumental prototípico de Genesis"
                                                        (Historia del Rock Sinfónico) 



martes, 8 de enero de 2019

FRUMPY - All will be changed (1970)

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Inga Rumpf..........................Voz
Jean Jacques Kravetz.............Teclados
Karl Heintz Schott.................Bajo
Carsten Bohn Bandstand..........Batería

1ª cara:
- Life without pain
- Rosalie, part 1
- Otium
- Rosalie, part 2
- Indian rope man
2ª cara:
 - Morning
- Floating, part 1
- Baroque
- Floating, part 2

Se trata del debut de estos germanos que terminarían publicando 3 álbumes para después dividirse de tal forma que una de las mitades iniciará una nueva etapa más duradera en ATLANTIC, un grupo que practica una música muy heterogénea con gran cantidad de tendencias.
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FRUMPY, al menos en este Lp se sostiene por completo en el órgano de Kravetz, que desde el principio invade el espacio sonoro arrollando, se lo come todo, manejando las composiciones con un firmeza absoluta. Se puede decir que es una tiranía, una pelea del músico con su instrumento, una batalla magnífica, una borrachera brutal del hammond que extiende un lienzo que gravita pesadamente, donde se dibujan diversos ritmos, cabriolas y saturaciones que convierten los temas en prisiones controladas por un órgano encajonado que no permite motines. Para hacer frente a este poderío, la percusión y el bajo se potencian notablemente, lo que nos va a recordar a grupos como ATOMIC ROOSTER, THE NICE, THE CRAZY WORLD OF ARTHUR BROWN ó VANILLA FUDGE con componentes muy comunes en bandas alemanas oscuras dentro de la corriente Krautrock. La sombra de KEITH EMERSON es muy alargada y su espíritu se puede adivinar en algunos de los desarrollos del órgano.
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Con raíces de blues y gusto por la música negra, como el soul de JAMES BROWN, presentan unos ritmos vivos y contagiosos cuando los tracks se prestan a ello, sumándose la voz de Inga, potente, enérgica,  con propiedades que nos hacen pensar que se trata de una voz negra. Sin embargo por otro lado la estructura musical invita a la exploración, a la experimentación y también mucho a la improvisación, ofreciendo incluso indicios de psicodelia en casos puntuales. Este abanico de vertientes hace que sea un trabajo muy abierto y lleno de una diversidad que choca con la preponderancia de los teclados. Se escuchan ambientes extraños, oscuros, confusos y retorcidos, no hay una línea clara que defina la posición de la banda, haciendo un poco lo que les apetece en el momento.
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Mención especial para el primer corte del disco que parece no tener nada que ver con el resto. Una melodía que no encaja, con una producción de menor nivel y con un sonido calado por un pop similar al de grupos relacionados con la "British invasión" , sonido más ligero y despreocupado. Es como si lo hubieran metido si o si con calzador.

En resumen, música inquietante que se torna descarnada y experimental, sobretodo en el lado B del vinilo. Un plato crudo que a más de uno se le indigestará si no está acostumbrado.

lunes, 17 de diciembre de 2018

La odisea de Pink Floyd

Resultado de imagen de delicate sound of thunder"Puestos a elegir una música que les acompañara en el viaje interespacial a bordo de la Soyuz en 1988, los siete cosmonautas rusos de la nave se decantaron por A delicate Sound of Thunder. Ejemplos de otros astronautas que se proveyeron de parte del repertorio musical de Pink Floyd ha habido en el curso de la carrera por conquistar y/ explorar el cosmos, en un signo más que evidente de la asociación que se produce al escuchar esos sonidos inherentes a la formación británica por el espacio ingrávido. Sin abandonar este prisma -galáctico- , en sentido metafórico antes de surcar esos espacios de gravedad O, como en 2001:una odisea del espacio (1968), a bordo de la nave Discovery, los Pink Floyd se valieron de herramientas rudimentarias con las que moldear una música que suena, a los oídos de las nuevas generaciones, pura arqueología que nos retrotrae a la era en que los dinosaurios del rock dominaban la tierra."
                                                                  (Historia del Rock Sinfónico) 



La primera vez para Brian Epstein II

Resultado de imagen de disco aleman 1961 de los Beatles"Brian Epstein había visto actuar por vez primera a los Beatles. Había penetrado en The Cavern hacia el mediodía del 9 de noviembre de 1961, pues ya en varias ocasiones había n llegado a su tienda de  discos clientes que pedían el disco alemán de los Beatles. Estos, en efecto, habían producido su primer disco en Hamburgo, donde se les llamaba Beat boys. Como Brian Epstein no tenía el disco solicitado y en Londres nadie era capaz de conseguírselo, decidió importarlo de Alemania. Pero, antes de hacerlo, sentía deseos de informarse sobre quienes eran los autores del disco. Así fue a The Cavern. Y con este paso cambió mucho para él y para el conjunto"
                                                         (El mundo de la música pop) 


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domingo, 9 de diciembre de 2018

NAZARETH - Nazareth (1971)

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Dan McCafferty...............Lider y voz
Darrel Sweet..................Batería
Peter Agnew...................Bajo
Manuel Charlton..............Guitarras

1ª cara:
- Witchdoctor woman
- Dear John
- Empty arms, empty heart
- I had a dream
- Red light lady
2ª cara:
 - Fat man
- Country girl
- Morning dew
- King is dead

Escoceses de pura cepa con más de 40 años a sus espaldas, han conseguido ganarse el respeto del público a base de devoción por un trabajo duro y humilde sobretodo durante sus primeros discos. Con este primer Lp no despertarán el interés de casi nadie, y no será hasta su 3º volumen cuando se produzca una eclosión dentro del panorama rock con mayúsculas, siendo reconocidos como pioneros del hard.
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Ya desde el principio queda claro que la senda a seguir por la que apuestan es el hard rock, aunque como iremos viendo este primer proyecto es de un eclecticismo más que manifiesto, tal vez por ser el primero y tener guardadas en la recámara ideas de todo tipo con ganas de plasmarlas en plástico. Se alejan del hard clásico de LED ZEPPELIN, DEEP PURPLE ó BLACK SABBATH encontrándose más a gusto con las directrices que marcaban un estilo propio dictadas por bandas como URIAH HEEP, VANILLA FUDGE ó SPOOKY TOOTH.
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Partiendo de una guitarra potente y robusta , junto al bajo, con evidentes influencias del blues, construyen un muro sonoro duro, omnipresente en todos aquellos temas que se prestan, la voz muy común entonces en los grupos de rock pesado, con los típicos gritos y vibraciones de cuerdas vocales, es soportada por McCafferty, el auténtico líder y compositor del lote . Pero aunque estamos ante un cuarteto posicionado en ese sonido, lo cierto es que sus composiciones son muy variadas y eso se demuestra en los detalles, las colaboraciones, los arreglos muy cuidados y la producción escrupulosa con la que quieren estrenarse. No es un arranque apabullante y colmado de vatios ni mucho menos.
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Conforme avanzan las canciones la determinante posición de grupo hard va cediendo, temas que no se construyen sobre una guitarra agresiva, sino que entran en juego teclados, órgano, piano, como los arreglos brillantes y fulgurantes en "Dear John" ó la suave "I had a dream" de tal forma que se abren claros en el plomizo cielo gris. Será en la 2ª cara donde se despejen las dudas sobre su heterogeneidad a través de vías como la concesión al country con "Country girl" forjado sobre guitarras slide y un armazón de voces "made in" CROSBY, STILL & NASH; la prospección y la exploración insertas en "Morning dew", el único corte dibujado por el bajista y no por McCafferty, y por último un track que de no saberlo nos costaría pensar que ha sido creado por NAZARETH con una sinfonía melancólica repleta de orquestación para cuerda que nos demuestra que estos chicos tienen sentimiento.




domingo, 2 de diciembre de 2018

El incombustible frontman, Phil

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"Pensé que We can't dance podría ser el último disco que hiciéramos con Phil, así que cuando escribí la letra de -Fading lights-, otra de mis canciones terminales, tuve la idea de acabar la canción la la palabra recuerda. Y resulta conmovedor en ese contexto, porque supuso el fin de una gran parte de nuestra carrera"
                                                (Genesis. El libro de las revelaciones) 







La primera vez en palabras de Brian Epstein

"El ambiente estaba enrarecido, húmedo y todo estaba en una penumbra. De inmediato me arrepentí de haber entrado allí. El ruido era insoportable y de los altavoces resonaban ante todo canciones norteamericanas. Pero entonces aparecieron The Beatles.
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Era la primera vez que los veía. Su apariencia no era muy cuidada y parecían algo sucios. Mientras tocaban, iban fumando, comiendo, hablaban entre sí y hacían como si se pelearan. Por añadidura, actuaban de espaldas al público,  a algunos de los espectadores les gritaban algo y continuamente se reían de sus propios chistes. Pero era evidente que allí reinaba una enorme excitación. Poseían una potente fuerza de atracción. Quede fascinado."

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                                                                        (El mundo de la música pop)

domingo, 25 de noviembre de 2018

KAYAK - See see the sun (1976)

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Ton Scherpenzeel.........Teclados, piano y clarinete
Pim Koopman..................Batería, percusiones y voz
Cees van Leeuwen...........Bajo y harmónica
Johan Slager.....................Guitarras y voz
Max Werner.....................Mellotrón, percusión y voz

1ª cara:
- Reason for it all
- Lyrics
- Mouldy wood
- Lovely luna
2ª cara:
 - Hope for a life
- Ballet of the cripple
- Forever is a lonely thought
- Mammoth
- See see the sun

Forjado en los países bajos y concretamente en Holanda bajo la rica escena progresiva desatada allí, estos novatos debutarán con este álbum con mucho acierto y buenas perspectivas. Liderados por un magnifico músico y compositor de estudios clásicos, Scherpenzeel, le acompañaran en la andadura otros compañeros del conservatorio. Eso significa que desde el comienzo las composiciones van a ser trabajadas con esmero, cuidando los detalles, buscando la perfección con algo de pretenciosidad e intentando construir desarrollos y texturas interesantes para el oído de un aficionado al sinfónico y progresivo.
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"See see the sun" es un producto en el que se busca el equilibrio entre progresivo y sinfónico, consiguiendo hacerlo muy igualado. Necesitan obtener un sonido melódico y las texturas vocales que ofrecen a lo largo de toda la película contribuyen a ello de una manera esencial, entremezcladas con los paisajes sonoros elaborados en busca de expansión instrumental que den la fuerza y el cuerpo para arropar los juegos de voz. El uso del mellotrón es un recurso muy utilizado al que se le saca partido.

Es increíble el poder de seducción de bandas como YES y enorme la escuela creada que ha cristalizado en muchos grupos de vida paralela y de décadas posteriores, KAYAK desde el arranque de las primeras notas y acordes dejan patente la enorme, aplastante diría yo, similitud con el sonido del YES de "Close to the edge" con una guitarra calcada a la de Steve Howe y no digamos nada el bajo, que parece estar en manos del mismísimo Squire, que obtiene un protagonismo análogo con ese sonido característico contundente y cortante que en ocasiones parece realizar más trabajo que la guitarra de Slager.

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Ton Scherpenzeel peso pesado en el núcleo del quinteto sin embargo anda por otros derroteros y parece decantarse por el gusto de los teclados, las atmosferas y los ambientes creados en GENESIS, una labor fantástica conformada por Tony Banks que cautiva a Tom y le lleva a la necesidad de cultivar ese tipo de conglomerados.

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Sin embargo el impronunciable Scherpenzeel, más adelante cuando las cosas se ponen feas, abandonará la formación por un largo periodo de tiempo, hará sus pinitos en solitario y aprovechando la ocasión se sumará a las huestes de sus amigos de CAMEL, que también sufren profundas transformaciones, intentando encontrar de nuevo el rumbo correcto.  


Otro punto fuerte del disco son las armonías vocales que se desarrollan con mucha asiduidad, apareciendo en casi todos los cortes, algo primordial a lo que se le da importancia donde se preservan los detalles dotando a los temas de ligereza y melodiosidad en contraposición a la complejidad instrumental que no llega a niveles farragosos ni a cargas pesadas. 




lunes, 19 de noviembre de 2018

El último de los grandes

"Una noche, durante la cena, acordamos con Douglas que si daba con algún nombre para el álbum que nos gustara, haríamos una donación para la obra de caridad que él eligiera. Meditó un tiempo y sugirió The Division Bell. Lo que nos irritó de verdad era que se trataba de una frase que ya estaba en las letras del disco: realmente deberíamos haberlas leído con más atención. 
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Resultado de imagen de the division bell          Armados por fin con un título definitivo, Storm Thorgerson se presentó con una gran variedad de ideas sobre el diseño; al final acordamos el concepto de un para de cabezas que al juntarse formaban una sola en una especia de ilusión visual. Storm es famoso pro insistir en hacer las cosas de la manera más auténtica posible, en vez de utilizar trucos, por lo que las cabezas (que finalmente se construyeron, después de varios intentos, 
tanto en piedra como en metal) se instalaron en un campo apropiado en algún lugar cerca de Ely."
                             
                                                              (Dentro de Pink Floyd)  
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Idolos de la juventud en los 50

"Todo fenómeno necesita una imagen, y Elvis fue la del rock and roll: guapo, diferente, con una voz única, blanco, muy americano y buen hijo. La combinación perfecta. No tenía rival. Antes que el mismo Elvis, el más famoso fue Fats Domino, que ya tenía 17 discos de oro en su haber. Pero, como indica su nombre, Fats era obeso, poco agraciado y negro.


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Chuck Berry y Little Richard, los grandes pilares, también eran negros. Jerry Lee LewisCarl Perkins o Gene Vincent sí eran blancos, pero sin la garra de Elvis salvo el primero, aunque no tuviera su voz. Hay que insistir en que el racismo era intenso en los años cincuenta, y lo siguió siendo hasta que en los años sesenta comenzó la verdadera lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos.

                                                     (Historia del Rock. Sierra i Fabra) 

lunes, 12 de noviembre de 2018

TANGERINE DREAM - Pergamon (1980)

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Edgar Froese.......................Guitarra, sintetizadores, mellotrón, VCS 3
Chris Franke........................Mogg, sintetizadores, VCS 3, teclados, percusión
Johannes Schmoelling.........Sintetizadores, teclados, piano

1ª cara:
- Quichotte part 1
2ª cara:
 - Quichotte part 2

Grupo mítico donde los haya y precursor absoluto de la electrónica progresiva junto a  otros coetáneos alemanes a finales de los años 60.  Comenzarán una corriente muy vanguardista dentro del rock, con una discografía tan extensa que se pierde en el horizonte, y que servirá para muchas bandas de referencia y  punto de partida a lo largo de las décadas venideras.

Aunque "Pergamon" es un álbum que se publica en 1986, lo cierto es que incluye un concierto realizado en la antigua República Democrática Alemana (DDR) en el año 1980 que fue publicado allí con el título de "Quichotte". Los trabajos en vivo de T.D. no son hasta entonces un compendio de sus mejores obras pertenecientes a lp's de estudio, sino que en la mayoría de los casos son auténticamente originales y muestran creaciones nunca oídas hasta ese momento, discos como "Ricochet", "Logos", "Poland" son obras en directo inéditas que lo avalan.
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"Pergamon" no es exactamente inédita porque parte de melodías ya existentes que derivan hacia desarrollos improvisados y experimentación, lo que lo convierte en prácticamente nuevas creaciones. Se trata de uno de los primeros trabajos en los que participa su nuevo integrante J. Schmoelling que acaba de ingresar en la banda ese mismo año, que tiene la difícil tarea de sustituir a Peter Baumann, todo un baluarte, y superar el bache de sus 2 últimas publicaciones,  con la participación de Steve Joliffe y Klaus Krieger, injustamente tratadas por la crítica musical de aquel país.

En mi opinión este trío que se forma, comenzará desde su inicio la época de mayor creatividad e innovación hasta hoy día, puesto que todavía siguen en activo con otra formación, que ya nada tiene que ver con la de entonces. Sin embargo muchos seguidores acérrimos desde su primer lp piensan que T.D. murió tras su álbum "Phraedra" (1974) o tras la partida de Peter Baumann (1977).

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Schmoelling viene a traer aire fresco al proyecto, es vibración, movimiento, latido, removiendo los cimientos que estaban muy asentados, construidos sobre sonidos fríos, introvertidos, sombríos, cerebrales, música lineal en exceso que abunda en el desasosiego visceral contagiado por el pesimismo de la posguerra. Schmoelling aterriza para romper ese status que parece la seña de identidad del rock alemán, su personalidad influirá de forma directa al seno de las composiciones quitando peso, densidad, generando atmósferas aperturistas, positivismo, ganando ritmo, variedad y colores vivos en contraposición a los tonos grises que imperaban.

"Pergamon" todavía arrastra ese bagaje que lo precede, Schmoelling es un recién llegado y aún está aprendiendo a conocer el grupo, no se observa con claridad la evolución hacia estructuras más flexibles muy patentes en "Exit" (1981), un vinilo que da el salto, un giro importante de la concepción de T.D. que abordará ritmos y melodías más concretas y fáciles de recordar acercándose incluso a las listas de éxitos con un tema semi-comercial.

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Froese es el fundador, creador y constructor de las melodías principales, quien organiza la distribución. Franke es el hombre inquieto que busca y explora sonidos, intentando que el bloque principal se alimente de elementos originales y secuencias nuevas. Schmoelling pone la rítmica, la viveza, la agitación a través de sus teclados y los sonidos pregrabados.

En la primera parte de "Quichotte" la ambientación es todavía muy oscura, el tenebrismo planea dominando los lances electrónicos, pero el trabajo es soberbio, diversificado y rico en matices, progresivo y en constante movimiento, tratando de dejar atrás las tinieblas. Sin embargo cuando le damos la vuelta al disco, en la segunda parte se produce un cambio reseñable. El ritmo desde el principio se hace vivo y el sonido gana en calidez, provocado en mayor medida por la guitarra de Froese, que entra en acción por vez primera. Desaparecen las brumas y la música fluye más limpia y palpitante, los sintetizadores trabajando en una misma dirección, en una misma línea musical dan cuerpo y potencia dando lugar a una melodía contundente que ya no abandonará hasta el final. Sonido más armónico, alegre, vital,  integrado con unas secuencias pregrabadas aceleradas y ricas en ritmo que imprimen al conjunto dinamismo y sensaciones positivas.

"Pergamon", entre otros, representa para TANGERINE DREAM, el fin de una época y la transición hacia una nueva visión de su música.



lunes, 5 de noviembre de 2018

Virtuosismo ecléctico

"Al igual que un porcentaje razonable de músicos adscritos al rock progresivo, ELP parecía atraído por un cierto sentido esotérico que encontraría en corrientes pictóricas elementos para la inspiración. El cuadro "El enigma sin fin" encandilaría a los miembros de ELP.
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A su autor, Salvador Dalí se le pidió que realizara el dibujo de la portada del siguiente long play de la banda que llevaría por título Trilogy (1972). Los emolumentos del artista ampurdanés no estuvieron al alcance del bolsillo de Rhino Records (en primera alianza tras el corto periodo de Island Records), pero aprovecharían la ocasión para confiar en la bondad del título de la obra daliniana -en su traducción literal al inglés, "The endless enigma"-y así abrir la lista de nueve temas que configuran Trilogy.
                                                                     (Historia del Rock Sinfónico) 



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