domingo, 13 de octubre de 2019

GOLDEN AVATAR - A change of heart (1976)

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Michael Cassidy..........................Voz principal y guitarra
Carl Bezzemer & David Stout..........Piano
Barry Goldsman..........................Órgano y sintetizadores
Carl Lange & Steve Pinkston...........Bajo
Drew Lawrence..........................Batería, percusión
Bob Conti.................................Congas
ETC.

1ª cara:
- World beyond the sky
- Questions, questions
- Bhagavad-Gita
- Seers on the truth
- You're not that body
2ª cara:
- A change of heart
- Swetadip
- Oh Govinda
- Time for going home

Esta obra que tratamos es una de esas en la que se consigue reunir a todo un regimiento de músicos para la ocasión, que casi siempre es idea y empeño de uno de ellos,  que a base de empuje y motivación logra cumplir con su sueño, plasmar sus composiciones a lo grande. Una congregación de tal volumen, la mayoría de las veces, es artificial y como nos ha enseñado la historia, su duración es muy limitada.
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 Aquí el iluminado de turno fue Michael Cassidy, poco conocido en el panorama del momento, aunque hay que reconocer que realizó un trabajo sobresaliente, pulcro, perfeccionista y lleno de composiciones que brillan, más que nada,  por toda la labor que encierran en lo que se refiere a orquestación y arreglos, y también las constantes texturas que tejen las voces con momentos fantásticos. Brillantes y abundantes intervenciones a través de instrumentación de viento, son uno de los secretos que hace que la formula resulte exitosa.


El disco gira en torno a la temática espiritual, se podría decir que se trata de un álbum conceptual, con letras trascendentales que siempre hacen referencia a la materia , ya que Michael está totalmente imbuido de las creencias hinduistas, y es algo que nos va a acompañar en todo el viaje.

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La música resulta excelente, a pesar de estar envuelta en una vorágine de instrumentos, orquesta de cámara y arreglos de todo tipo, no resulta excesiva, aunque sí es cierto que goza de pomposidad en muchas ocasiones. Se mezclan fases o episodios solemnes, sobrios y grandilocuentes con otros íntimos, distendidos que incluso resultan muy inocentes, como si de un cuento se tratase.

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El sonido en muchas ocasiones y debido a los arreglos completos de secciones de metal parece estar dentro de los patrones del funk o el soul pisando de vez en cuando territorio de jazz, pero siempre dentro de una aureola de sinfonía con fuegos de artificio en la que proliferan violines, guitarras acústicas, flautas, etc.

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No hay que olvidar que la banda es americana y eso suele acarrear implícitamente en la mayoría de los casos de este tipo una cierta accesibilidad en la escucha, una dosis de comercialidad y corrección que en este lp no impide buena calidad de las composiciones, pero es justo decir que se echa de menos algo de energía.

La música de GOLDEN AVATAR  se puede asimilar a unos MOODY BLUES ya talluditos, o  unos RENAISSANCE en sus momento más líricos.




domingo, 6 de octubre de 2019

El nacimiento de una gran banda

"De todos los integrantes de la formación original de 1968, el único que ha sobrevivido en la actualidad es Chris Squire, en la enésima de refundación del grupo.
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En palabras del espigado bajista, 'La idea era convertirse en un grupo con un gran respaldo instrumental y una voz muy poderosa'. Esa voz no sería otra que la de Jon Anderson, quien ha sido el segundo (tras Squire) en registrar un mayor número de presencias en las incontables alineaciones de Yes,
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ya desde un álbum de debut que serviría para ir diseccionando las habilidades de una banda que trataba de distinguirse dentro de un panorama musical británico invadido por los efectos de la psicodelia al que había sucumbido, entre muchas otras formaciones, The Syn."
                                                                     (Historia del Rock Sinfónico) 









Nuevas fórmulas

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"Sandie Shaw alcanzó fama europea gracias a su victoria en el festival de música melódica Eurovisión 1967. Con la institución de este festival, los empresarios del mundo del espectáculo, comerciantes y hombres de la televisión querían oponer a la música joven una lucrativa moda de canciones al estilo de nuestros abuelos." 
                                                                (El mundo de la música pop) 



domingo, 29 de septiembre de 2019

JEAN MICHEL JARRE - Oxygene (1976)

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Jean M. Jarre..........................Órgano, sintetizadores, teclados, farfisa, mellotrón, programación rítmica.

1ª cara:
- Oxygene I
- Oxygene II
- Oxygene III
2ª cara:
- Oxygene IV
- Oxygene V
- OxygeneVI

Jean Michel, francés, hijo del que sería famoso compositor para películas de gran envergadura en Hollywood, Maurice Jarre, al principio siguió un poco los pasos de su padre. Sus primeros escarceos con la electrónica recaerían en piezas cortas para anuncios y cuñas. Experimentación por los 4 costados, nada que se le parezca a su posterior trayectoria. Tras un buen montón de rarezas consiguió dar música a un film, algo que paso bastante desapercibido pero que significó de alguna manera su debut en el ruedo. Hasta que se sentó en el cuarto de estar de su casa rodeado de aparatos electrónicos de toda clase, y la lió parda, dando lugar a un engendro maravilloso y artesanal que todavía tiene vigencia. Un revulsivo dentro del mundo de la música electrónica que supone una nueva vía, un nuevo formato lejos de la escuela alemana que sentaba cátedra ya hacia unos años.

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"Oxígeno", es como dice "un balón de oxígeno". Una forma distinta de afrontar la electrónica que al igual que la doctrina alemana, también recoge de alguna manera una forma de sentir de la sociedad. Así como los germanos estaban anclados en la oscuridad, la obsesión, la mecánica, como reflejo de un país que tiene que salir adelante, olvidar, reconstruir, asumido en las vidas de sus músicos desde niños, Jean Michel también nos muestra esos años de contacto con los emigrantes de las colonias del Magreb de su infancia y juventud traducido en ritmos y sonidos de raíz étnica que inserta (Oxigeno V y VI) dentro de sus composiciones, en los años 80 todavía será más explicito en su álbum "Revolutions"

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La música de este Lp es muy ambiental , envolvente, fresca. Consigue transmitirnos la idea de expansión, espacios abiertos, limpios, sensaciones gratificantes, con el sonido del mar como elemento que fluye a lo largo de toda la obra. Sus influencias entroncan con autores clásicos (Bach), con coetáneos como VANGELIS y con sonidos de raíz árabe. Por supuesto para lograrlo utiliza todos los instrumentos puestos a disposición en el mercado:  grabadoras, programadoras, osciladores, etc., creando los típicos bucles y pregrabaciones.

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El acercamiento a sonidos más accesibles es evidente. Las melodías son fácilmente reconocibles pero están envueltas en una masa esponjosa en constante movimiento que le otorga esa performance interesante y atractivo que te atrapa. De hecho "Oxigene IV", que es la parte más conocida, apareció como single, y le valió para salir del anonimato con una gran aceptación.  El origen latino de su persona pesa y se demuestra en los ritmos escogidos, opuestos a la frialdad y falta de alma de las piezas de grupos como TANGERINE DREAM, KLAUS SCHULZE, ASH RA TEMPLE, etc.

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La experimentación o tal vez improvisación no llega a las cotas de los Teutones. Jean Michel indaga más bien en buscar como plasmar sus inquietudes, en hacer partícipe al espectador, en comunicar, en conectar. Para ello elige estados que nos son reconocibles. En "Oxigene VI", el último episodio, nos muestra un mar de olas agitadas que van y vienen, cada vez más profundo, hasta conseguir que ese vaivén se convierta en una inspiración y expiración correspondientes a la respiración humana.

Se puede catalogar de obra conceptual, que se convertirá en inspiración para muchos otros músicos dentro de la disciplina.



domingo, 15 de septiembre de 2019

El hombre de las mil gafas

Resultado de imagen de elton john captain fantastic and the brown dirt cowboy"Su exotismo excéntrico va alcanzando cada vez dimensiones mayores y en 1976 alcanza el máximo renombre con su doble álbum 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', y abandona sus célebres gafas cósmicas para colocarse unas lentillas que hacen más juego con su poco pelo y su aspecto ya mayor.
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Una de sus mejores particularidades es que su voz se ha sabido acoplar siempre a los tiempos, y ha cantado desde baladas a temas pop con garra y rock'n'rolls fuertes. Incluso tuvo una época en la que experimentó con sintetizadores, y hay que reconocer que es además de excelente cantante un gran músico, que trató de igualar las mágicas epopeyas de Keith Emerson, vistiendo y tocando parecido con su joven banda formada por Nigel Olsson, batería; Dee Murray, bajo; Caleb Quaye, guitarra, y James Newton-Howard teclados."
                                                                (1954-1984. 30 años de Rock) 



PSICODELIA

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"Los primeros en introducir la palabreja en una canción fueron The Holy Modal Rounders, en 1964, cuando eran un grupo de folk underground de Nueva York, en una versión del famoso 'Hesitation Blues' a la que añadieron varias estrofas, entre ellas Tengo mis pies psicodélicos / en mis zapatos psicodélicos (pronunciado en el inglés original como psycho-delic, en lugar de psyche-delic como se impondrá finalmente).
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El año siguiente a esta referencia marginal la veda de los títulos se levantaría con la aparición de la banda The Psychedelic Rangers (luego The Doors) y la palabra comenzará a aparecer hasta en la sopa".
                                                                               (Malas Hierbas) 










domingo, 8 de septiembre de 2019

DEREK & THE DOMINOS - Layla and other assorted love songs (1970)


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Eric Clapton..........................Voz, guitarras
Bobby Whitlock....................Órgano y piano, guitarra acústica y voz.
Carl Radle.............................Bajo, percusión
Jim Gordon...........................Batería, percusión y piano
Duane Allman.......................Guitarra eléctrica y slide (invitado)

1ª cara:
- I looked away
- Bell bottom blues
- Keep on growing
- Nobody knows you when you're down and out
2ª cara:
- I'm yours
- Anyday
- Key to the highway
3ª cara:
- Tell the thruth
- Why does love got to be so sad?
- Have you ever loved a woman
4ª cara:
- Little wing
- It's too late
- Layla
- Thorn tree in the garden

Seguimos de cerca nuevamente los pasos de uno de mis guitarristas favoritos del rock, y es que todo lo que tocaba Clapton lo convertía en oro. Tras acabar su fugaz estancia en BLIND FAITH se enrolaría con una serie de músicos de solido bagaje bluesero para modelar un nuevo proyecto de rock and blues. Puro feeling y una inyección contundente de blues, rock y me atrevería a decir de rythm'n' blues.

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Doble álbum cargado de versiones de bluesmen venerados por el prodigio Clapton por un lado y por otro piezas escritas por él mayormente, con la colaboración de todos los demás, en especial de Whitlock. Un segundo trabajo se quedó en puertas sin llegar a grabarse en estudio, solo un directo, magistral por cierto. Y es que las tensiones internas de la banda que no terminaba de encontrar la armonía y la guerra de egos que manaba de su núcleo, hicieron que saltase por los aires. Las formaciones por las que Eric Clapton ha transitado fueron tan espectaculares como corta su existencia, rodeado siempre de músicos de gran calidad, pero las ansias por ir más allá del genio eran tales que enseguida se sentía estancado. Aquí tendrá el placer de tener en la colaboración a otro de los grandes de la guitarra, Duane Allman, que aparcará por una temporada a sus brothers.

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El resultado es un buen puñado de canciones, todas ellas de nivel alto en la disciplina del blues y el ritm'n' blues. Melodías con un torrente de sentimientos que hacen que nos impliquemos en muchas ocasiones, momento mágicos en los que Clapton acaricia la guitarra para luego tornarse más salvaje, electrificada, sobre todo cuando Allman entra en acción, construyendo pasajes que sobreviven a la memoria y nos retrotraen riffs que de pronto reconocemos, ocultos en algún rincón perdido de nuestra cabeza.

Algunas composiciones están muy impregnadas del rock sureño, disciplina que practicaba el bueno de Duane Allman, y más todavía cuando se pone con la guitarra "slide". Las marañas guitarreras que se tejen entre Clapton y Allman terminan resultando difíciles de seguir en una serie de diálogos fabulosos, ofreciendo instantes de alto octanaje, todo bien engrasado, unas veces por el órgano y otras por el piano de Bobby que hace una labor eficaz sin lucimiento personal, que no es sencillo de valorar y apreciar.

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La ordenación de los temas hace que se intercalen los escritos por ellos con las adaptaciones de otros, que suelen ser las que incorporan lo más cercano al rythm'n'blues en la mayoría de los casos con unos tempos muy marcados y alineados a los patrones más puristas. Esos tracks se extienden en duración y si no estás muy habituado al Rythm'n' blues como yo, terminan haciéndose tediosos.

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Y cuando parece que todo se acaba, surge como un relámpago "Layla", que parecía ya olvidada, tema estrella por meritos propios, incluye uno de los riffs de guitarra más famosos del rock de todos los tiempos, intuitivo y reconocible a la primera. Composición que se distingue por tener 2 partes muy notoriamente definidas, la primera que no ceja en repetir una y otra vez el susodicho riff con una guitarra encendida, hasta llegar a un punto de cambio de aires donde la guitarra se vuelve lánguida y es el piano el que toma las riendas, construyendo el fragmento más sensible de Layla.

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La despedida, un broche, balada delicada y sencilla de Whitlock donde Clapton le pasa el testigo. Será Bobby quién punteará suavemente una acústica que nos acompaña a la puerta de salida con una sensibilidad y sentimiento exquisitos.

Lección de guitarra que no debemos perdernos.


martes, 30 de julio de 2019

El inimitable líder en The Doors

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"Tras duras conversaciones, al fin Elektra les ofrece la posibilidad de grabar su primer Lp en verano de 1967 con sus temas más clásicos: 'Light myfire' (que se convirtió también en el primer gran hit de José Feliciano) y 'The End', un tortuoso poema de Jim Morrison, cuyas actuaciones en escena le convierten en todo un sex-symbol para los homosexuales americanos, a quienes les exhibe su miembro viril, simulando masturbarse y profiriendo obscenidades. 
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Pero todo ello no tiene otra causa que la frustración de Morrison, el alcohol y las drogas. La obsesión de Jim por el apocalipsis y la muerte se manifiesta a un ritmo demasiado acelerado."
                                                                         (1954-1984. 30 años de Rock)


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