TRACE - Birds (1975)

Rick van der Linden........Mellotrón, sintetizadores, piano, hammond, clave, pianola, etc.

Jaap Van Eik.................Bajo, guitarra, voz

Ian Mosley....................Batería, percusiones,

1ª cara:

- King Bird

- Birds (Short edit)

- Tabu (Second version)

2ª cara:

- Bourreé

- Snuff

- Janny(In a mist)

- Opus 1065

- Penny

- Trixie-Dixie

Power trío originario de la vieja Holanda y perteneciente a esa raza de bandas en las que se incluyen THE NICE, ELP, TRIUMVIRAT....etc, es decir absoluto dominio de los teclados con abundancia de sonidos correspondientes a diversos instrumentos de la familia. Composiciones muy elaboradas y cambiantes en los que el lucimiento personal del teclista es patente y la mayoría de las veces exagerado, llegando en algunos casos a un límite que se interna en el egocentrismo, la verborrea y la pura borrachera a manos del aparato.

El caso que nos concierne no llega a tales extremos pero si es cierto que en ciertas fases de las composiciones, se le va la mano y la aceleración produce un efecto que roza lo excesivo, aunque normalmente en cuanto se observa una frase demasiado cargante tienden a darle de lado o terminar el discurso.

Se formó tarde ya en los 70, engendrado por los hermanos Van der Linden, que aunque eran familia en realidad su origen era de bandas holandesas distintas. Rick fue el auténtico fundador de la empresa, se trataba de un Ex-EKSEPTION, su hermano Pierre, se le uniría, un Ex-FOCUS, aunque no tuvo continuidad en este 2º álbum y fue sustituido por Jaap Van Eik, un Ex-SOLUTION que se ocupó principalmente del bajo. La batería sería asumida por un joven Ian Mosley, que más tarde se le conocería como el hombre de las baquetas al frente de MARILLION, un grupo que renovó los votos del progresivo en los 80 y que terminaría siendo una gran influencia para muchos otros. Por último mencionar también la colaboración de un mago del violín, Darryl Ways, que terminaría por crear su propia banda y cuyas intervenciones dentro de algunos temas son interesantes y se agradecen.

Por tanto no estamos tratando con desconocidos ni con novatos. En cierta manera es un Supergrupo, dado el plantel que lo integra, y eso se observa en la música compuesta. La elaboración es concienzuda y está sumida en la melodía clásica de grandes intérpretes del barroco, un aspecto que denota una fuerte atracción por las sinfonías recargadas de BACH. Rick es un enamorado de la época, e incluye en el disco interpretaciones con clave y pianola en el conjunto de los largos desarrollos a que habitúan a ofrecernos estas formaciones en triada. De hecho "Opus 1065" es una adaptación de un clásico y su expresión y puesta en escena es reproducida con una fidelidad casi exacta. Estamos ante una obra de rock sinfónico sin ningún género de dudas, el peso de los trabajos de Rick Van der Linden en EKSEPTION es copioso. 

Un trabajo ágil, diverso, que nos mantiene alerta con variaciones constantes dentro de suites complejas, saturadas pero sin llegar a cansar, donde Rick se lleva la mayor parte del protagonismo dejando espacio al violín de Darryl, la guitarra de Van Eik se escucha con más presencia en la 2ª cara con un sonido muy paralelo al de Jan Akkerman en FOCUS. Una sólida formación que no llegó a alcanzar las mieles del género, pero que no tenían nada que envidiar a los que terminaron siendo emblemáticos.

Yes vs Jethro Tull

 

"Jethro Tull, fue una de las formaciones con la que YES coincidiría en una gira de conciertos en los Estados Unidos: Vi a Ian Anderson, era muy bueno. Lo veía todas las noches. Me dí cuenta de que el objetivo es adoptar una postura en el escenario. Se tiende a hacer lo mismo todas las noches. Como una rutina. Es como el teatro. Yo sabia al escenario y hacía lo que sabía, aporreaba la batería, meneaba las maracas o le daba a una pandereta plantado en el escenario. Estaba en medio de toda esa música y no dependía de mí proyectarla. Pero cuando vi a Ian Anderson fue genial. Era un maestro. Tenía a todo el mundo por detrás y era fácil de entender. Creo que Yes, como grupo, lo entendió y cuando salimos al escenario cada un desempeñaba su papel."

                                                                        (Historia del Rock Sinfónico) 

Uno entre 50

 

 

"King Crimson no es un grupo como los otros, sino una especie de taller de creación colectiva, donde cada cual puede ir si tiene necesidad de aprender, más allá de sus hábitos. Si Fripp viene a proponerte tocar con la banda, es algo que no se puede rehusar. "Palabras de Bill Bruford que definen a uno de los grupos más extraños del rock de la década de los 70"

                                                              (1954-1984. 30 años de Rock) 

JADE WARRIOR - Last autumn's dream (1972)

Tony Duhig......................Guitarra eléctrica

John Field........................Flautas, congas, percusiones

Glyn Havard....................Bajo, guitarra acústica y voz principal

Allan Price.......................Batería

David Duhig.....................Guitarra principal invitado en 2 temas

1ª cara:

- A winter's tale

- Snake

- Dark river

- Joanne

- Obedience

- Morning hymn

2ª cara:

- May queen

- the demon trucker

- Lady of the lake

- Borne on to the solar wind

Una de las pocas bandas dentro del progresivo cautivada absolutamente por la música tradicional japonesa, hasta el punto de ponerse de nombre una referencia nipona inconfundible y arraigada como es la del guerrero "Jade" . Las portadas de los Lp's muestran también esa influencia con dibujos y pinturas inspirados en su arte. No solo tienen cabida las influencias orientales, incluyendo instrumentos clásicos del país del sol naciente, también hay sitio para ritmos y percusiones de origen africano y países caribeños ("Dark river"/"Obedience"....), por supuesto el pop británico coetáneo se deja notar a través del mito BEATLES, descubriendo instantes que nos alertan en cortes como "A winter's tale", con un estribillo que se repite en la última parte, cuya estructura recuerda poderosamente al estribillo inserto en bucle en "Hey Jude" de los escarabajos. Hay lugar para los sonidos orquestales en "Borne on to the solar wind", inspiración e improvisación en jams libres ("Snake" y "Dark river") e incluso cierta dureza en las cuerdas de la guitarra en "Snake".

 "May queen" es representativo de la línea que se convertirá en tónica en posteriores álbumes, una pieza de carácter ambiental que revive la música oriental de los ancestros en la que dominan los aspectos relajantes y la quietud, inherentes a la filosofía de la sociedad tradicional japonesa.

El elemento contradictorio a todo esto, que rompe y desgarra de alguna manera esa delicadeza musical es la guitarra de Tony Duhig, poniendo la nota ácida y agresiva en la mayoría de sus intervenciones desgarrando los temas. Se muestra ruda, dura y primitiva creando un efecto contrapuesto que resulta extraño y a la vez mágico.

La voz se acomoda a las circunstancias y se acopla perfectamente a la espiritualidad que rezuma la música, una música intimista, reflexiva, ecléctica y bucólica donde la flauta travesera juega un papel fundamental para producir esa esencia mística que se respira.

Cuidado que vienen los Stones!

 

"La aparición de los Stones y su leyenda de rebeldes labrada en pocos meses les convirtió en los enemigos públicos número uno. La frase ¿Dejarías a tu hija casarse con un Rolling Stone? se hizo famosa.

 

De pronto, los Beatles eran los limpios y ellos los sucios. Cuando eran detenidos por orinar en público, se les tildaba de gamberros y nadie prestaba atención al hecho de que en ese lugar no les hubieran querido dar la llave de los lavabos. Fueron multados con tres libras y quince guineas por cabeza. La respuesta de Mick fue que Iba a apelar al Supremo. Esto, en 1965 y en la puritana Inglaterra, tan tradicional y de pronto espectadora atónita de todo lo que sucedía con la nueva música. "

                                                                      (Historia del Rock) 

Y así empezó todo....

"En ese momento tomo una decisión repentina, y en un frenesí demente vuelvo a arrojar una y otra vez la guitarra contra el techo. Lo que antes era una simple fractura, ahora es un astillado estropicio. Sostengo la guitarra ante el gentío con gesto triunfal. No la he machacado: la he esculpido para ellos. Despreocupado, arrojo la guitarra hecha añicos al suelo, agarro una Rickenbacker nueva de doce cuerdas y prosigo el espectáculo.

Aquel martes por la noche di con algo más potente que las palabras, algo más emotivo que mis tentativas de chico blanco por tocar blues. Y como respuesta recibí la unánime aclamación del público. Algo así como una semana más tarde, en el mismo local, me quedé sin guitarras y derribé la pila de amplificadores Marshall.

 

Poco amigo de quedar en segundo plano, Keith Moon se sumó a la fiesta pateando su batería. Roger empezó a raspar el micrófono contra los platillos quebrados de Keith. Algunas personas contemplaron la destrucción como un ardid publicitario, pero yo sabía que el mundo estaba cambiando y estábamos mandando un mensaje. La vieja manera, convencional, de hacer música ya nunca iba a ser la misma."

                                                                    (Memorias. Pete Townshend) 

GOLDEN AVATAR - A change of heart (1976)

Michael Cassidy..........................Voz principal y guitarra

Carl Bezzemer & David Stout..........Piano

Barry Goldsman..........................Órgano y sintetizadores

Carl Lange & Steve Pinkston...........Bajo

Drew Lawrence..........................Batería, percusión

Bob Conti.................................Congas

ETC.

1ª cara:

- World beyond the sky

- Questions, questions

- Bhagavad-Gita

- Seers on the truth

- You're not that body

2ª cara:

- A change of heart

- Swetadip

- Oh Govinda

- Time for going home

Esta obra que tratamos es una de esas en la que se consigue reunir a todo un regimiento de músicos para la ocasión, que casi siempre es idea y empeño de uno de ellos,  que a base de empuje y motivación logra cumplir con su sueño, plasmar sus composiciones a lo grande. Una congregación de tal volumen, la mayoría de las veces, es artificial y como nos ha enseñado la historia, su duración es muy limitada.

 Aquí el iluminado de turno fue Michael Cassidy, poco conocido en el panorama del momento, aunque hay que reconocer que realizó un trabajo sobresaliente, pulcro, perfeccionista y lleno de composiciones que brillan, más que nada,  por toda la labor que encierran en lo que se refiere a orquestación y arreglos, y también las constantes texturas que tejen las voces con momentos fantásticos. Brillantes y abundantes intervenciones a través de instrumentación de viento, son uno de los secretos que hace que la formula resulte exitosa.

El disco gira en torno a la temática espiritual, se podría decir que se trata de un álbum conceptual, con letras trascendentales que siempre hacen referencia a la materia , ya que Michael está totalmente imbuido de las creencias hinduistas, y es algo que nos va a acompañar en todo el viaje.

La música resulta excelente, a pesar de estar envuelta en una vorágine de instrumentos, orquesta de cámara y arreglos de todo tipo, no resulta excesiva, aunque sí es cierto que goza de pomposidad en muchas ocasiones. Se mezclan fases o episodios solemnes, sobrios y grandilocuentes con otros íntimos, distendidos que incluso resultan muy inocentes, como si de un cuento se tratase.

El sonido en muchas ocasiones y debido a los arreglos completos de secciones de metal parece estar dentro de los patrones del funk o el soul pisando de vez en cuando territorio de jazz, pero siempre dentro de una aureola de sinfonía con fuegos de artificio en la que proliferan violines, guitarras acústicas, flautas, etc.

No hay que olvidar que la banda es americana y eso suele acarrear implícitamente en la mayoría de los casos de este tipo una cierta accesibilidad en la escucha, una dosis de comercialidad y corrección que en este lp no impide buena calidad de las composiciones, pero es justo decir que se echa de menos algo de energía.

La música de GOLDEN AVATAR  se puede asimilar a unos MOODY BLUES ya talluditos, o  unos RENAISSANCE en sus momento más líricos.

El nacimiento de una gran banda

"De todos los integrantes de la formación original de 1968, el único que ha sobrevivido en la actualidad es Chris Squire, en la enésima de refundación del grupo.

En palabras del espigado bajista, 'La idea era convertirse en un grupo con un gran respaldo instrumental y una voz muy poderosa'. Esa voz no sería otra que la de Jon Anderson, quien ha sido el segundo (tras Squire) en registrar un mayor número de presencias en las incontables alineaciones de Yes,

ya desde un álbum de debut que serviría para ir diseccionando las habilidades de una banda que trataba de distinguirse dentro de un panorama musical británico invadido por los efectos de la psicodelia al que había sucumbido, entre muchas otras formaciones, The Syn."

                                                                     (Historia del Rock Sinfónico)