KLAATU - Hope (1977)

 

John Woloschuck..........Voz, guitarra, teclados, bajo

Dee Long......................Guitarra

Terry Draper.................Batería, voz

1ª cara:

- We're off you know

- Madman

- Around the universe in 80 days

- Long live Politzania

2ª cara:

- The loneliest of creatures

- Prelude

- So said the lighthouse keeper

- Hope

Si este trabajo hubiera sido firmado por una banda de las grandes del rock sinfónico seguramente habría escalado peldaños muy altos en el escalafón de la disciplina rockera. Es toda una construcción clásica siguiendo los cánones del patrón para realizar una obra emblemática: Álbum conceptual, grabación realizada con toda una orquesta sinfónica de cámara, y no precisamente cualquiera, se trata nada menos que de la London Symphony Orchestra, inclusión también de algunos toques progresivos que le otorgan aspectos novedosos, producción de gran calidad, y buenas voces que consiguen armonías interesantes; una serie de ingredientes que sumados son garantía de éxito en la comunidad sinfónica.

Lo malo de todo esto es que el disco salió a la calle en 1977, año criminal, el punk estalló definitivamente para barrer con todos los patrones, cánones y directivas habidas como si de una apisonadora se tratara. Si a eso le sumamos que la banda era una recién nacida como quién dice, viniendo de las frías tierras de ese enorme y no tan desconocido país que era Canadá (recordemos que las olimpiadas de 1976 fueron en Montreal), podemos entender mejor que fuese obviada por la prensa mediática. El "establishment" de la música se tambaleaba y los cimientos cedían ante la horda de punks con hambre de romper con todas las imposiciones, alimentando la anarquía y la "sin ley" como reacción a todo el abuso y despliegue desmedido de los endiosados grupos de Rock.

El álbum en cuestión, algo apocalíptico, versa sobre la supervivencia del único ser de una arrogante raza de seres que advierte a los viajeros de peligros en los últimos días de su vida. Se trata de su obra más progresiva, ya que debutarían con otro cuyo sonido estaba más orientado a un pop-rock con un cariz, que durante mucho tiempo hizo pensar al público y a los medios que estaban ante una creación anónima de los ¡mismísimos BEATLES!. Tras una larga temporada en esta tesitura todo quedó desmentido y el triplete se dio a conocer. El nombre lo tomaron de un personaje de la película "Ultimatum a la tierra", que acompañaba al icónico robot destructor.

El sonido de KLAATU se podría definir como una combinación de otras formaciones muy conocidas y encumbradas en el universo del rock sinfónico y progresivo, RENAISSANCE, THE ENID, PROCOL HARUM, por la dimensión de la producción orquestal y las armonías, a revueltas con otras como GROBSCHNITT o NEKTAR de la parcela más progresiva.

La ejecución es brillante, interpretada con sincronizada perfección, la coordinación de la instrumentación rock con la orquesta parece ser llevada a cabo por una banda madura y no por nóveles. Compleja labor que destaca por la originalidad de la composición, con especial relevancia de la sección de viento en ciertas piezas. Como es lógico en este arte, encierra momentos épicos erigidos sobre la vasta multitud orquestal, instantes de altos vuelos que nos transportan a estadios superiores, pasajes líricos que describen bellos paisajes a pesar del carácter pesimista del mensaje.

No obstante no se puede negar que el tema "We're off you know" con el que arranca, no tenga ese aire pop beatle que durante un largo periodo hizo creer que se trataba de ellos, y es que la guitarra es ejecutada de un modo que nadie diría que no es George Harrison en persona. Corte simpático, fresco, con ritmo y con armonías vocales recordando a los Beatles de "Sergeant....". Sin embargo después se sumergen en contrastes con matices progresivos "Madman", mezcla de suave melodía bañada en órgano que choca con una guitarra dura, relevándose uno y otro hasta el final en un extraño tema. "Around the universe in 80 days", nuevamente con profundos contrastes, cambios de ritmo y producción elaborada vuelve a poseer esa atmósfera extraña, quedando patente la compenetración grupo-orquesta. En la segunda cara , la sinfonía crece y se desata ofreciendo fases de verdadero trabajo de cámara, edificio sinfónico-progresivo sólido levantado con un gran despliegue al que tuvieron que optar muy lejos de su país. Hope, que da nombre al esfuerzo pone fin haciendo regresar nuevamente el fantasma de los "Fab four".

Curiosa banda con mucha clase y con una capacidad que sorprende, más de lo podamos imaginar en principio. A tener en cuenta.

BEGGAR'S OPERA - Pathfinder (1972)

 

Martín Griffiths.............Voz principal

Ricky Gardiner...............Guitarra y voz

Alan Park.......................Teclados

Ray Wilson.....................Batería

Gordon Sellar.................Bajo, guitarra acústica y voz

1ª cara:

- Hobo

- MacArthur Park

- The witch

2ª cara:

- Pathfinder

- From shark to Haggis

- Stretcher

- Madame Doubtfire

Dentro de la larga fila de formaciones progresivas de origen británico en los años 70 que pasaron algo inadvertidas, hubo muchas otras bandas como esta que menciono hoy, injustamente poco reconocida y con larga experiencia, puesto que hoy en día todavía siguen sobreviviendo a pesar de la miseria de la industria discográfica. Procedente de las "highlands" escocesas, podían haberse codeado perfectamente con las grandes, debido a su alta calidad en las composiciones, como al saber hacer de los músicos que lo integran. Pero muchas veces la razón no es lo que acaba triunfando, y sin motivos aparentes suceden cosas que se escapan a nuestro entendimiento.

El significado de su nombre proviene de la "opera del vagabundo" (prólogo y 3 actos), obra que se estrenó en 1728 correspondiente al poeta John Gray. Surgirían en la conocida ciudad de Glasgow, en el año 1969. Sufrirían muchos altibajos en lo que a miembros dentro de la banda se refiere. De hecho este será el último álbum en el que colaborarán M. Griffiths y Ray Wilson, pero será una constante en el tiempo hasta el día de hoy. Su sonido se puede considerar progresivo pero con alusiones a la música clásica, sobretodo en sus inicios, que lo sitúan muchas veces dentro del sinfónico, haciendo tributo a Mozart y Bach. Exuberantes teclados y guitarras poderosas sobre largas jams en las que hay variedad de movimientos y cambios de ritmo, endureciendo el sonido de las guitarras en la obra a la que aludo, volviéndose hard donde antes había tenido más referencias psicodélicas. Todo que publicaron de aquí en adelante no alcanzaría el gran nivel obtenido en los primeros 3 álbumes. Y no solo eso, con la aparición del techno pop y punk rock a finales de década morirían fusilados. A mediados de los 90 volverían a la carga intentando recuperar los niveles de calidad, y continúan en activo con gran acierto pero sin cuota de mercado.

Los temas incluidos en Pathfinder son extensos, con una media de entre 5 y 6 minutos, o el maravilloso "MacArthur park" que llega a superar los 8 minutos y aún así se nos hace corto. Trepidante y a la vez nostálgico, compuesto en diversas secciones que incluyen cadencias ascendentes y descendentes. Tremendo, toda una delicia esta pieza escrita por Jimmy Web e interpretada por el actor Richard Harris, por la que ya solo merece tener este trabajo, de la que ellos van a sacar partido a su manera, incluyendo como teclado estrella el clave, algo que repetirán en otras ocasiones.

Las melodías nos atrapan con facilidad acentuadas por los coros de voces que emplean como un recurso melódico. Las guitarras en general más duras que en discos anteriores son muy variadas, usando en ocasiones el pedal, o con una performance y timbre que bien nos recuerda a la de Tony Duhig (JADE WARRIOR) en sus momentos más eléctricos en "Stretcher". Lo cierto es que la potencia le confiere cuerpo a las composiciones, que ya de por si se rodean de una gruesa textura de teclados, fluyen lineales creando un muro de fondo y por otro lado realizan cabalgatas que alimentan la columna vertebral con solos picados y rápidos generando un progresivo con grandes similitudes al de Vicent Crane (ATOMIC ROOSTER), pero sin llegar a ese grado de crudeza. Mientras, el piano apoya en todo momento en la conducción envolviendo las cascadas de teclados que retuercen las líneas del principales.

La base rítmica se encuentra en primer plano con una batería descomunal destacando especialmente el bombo que es trabajado en muchas ocasiones sin piedad y produciendo un sonido que resulta épico, con ritmos que llegan a ser marciales (the witch) a la vez que vertiginosos. Hobo, muestra su lado más accesible iniciando la escucha con un estribillo que engancha, Pathfinder podría ser un corte de progresivo italiano o germano, From shark to Haggis se inicia con una atmósfera entre blues y jazz derivando hacia la mitad en un sucedáneo del folk escocés para dejarnos claras sus raíces. Para ello se introduce un violín que toma la iniciativa en una frase que repite incesantemente, nos viste con falda a cuadros, e irradia un "buen rollo" que nos invita a saltar y mover los pies, dando gritos y onomatopeyas propias de la música tradicional de ese país.

El final del disco nos descubre el lado más salvaje del grupo. Gótica y oscura resulta Madame Doubtfire, episodio lleno de teatralidad, juegos de voces , macabras risas y un desarrollo instrumental que comienza épico y acaba poco a poco convirtiéndose en un pandemónium delirante en el que todos participan con aberraciones sonoras de sus instrumentos descendiendo a los infiernos, para rematarse como despedida con una campana sonando inquietante.

Un disco sin desperdicio. Los que ya lo conozcan lo saborearán en silencio y para los que sea su primera vez, descubrirán una gran banda.

AVE ROCK - Ave rock (1974)

 

Luis Borda....................Guitarra y voz

Osvaldo Caló................Teclados

Federico Sainz..............Guitarra y Voz

Oscar Glavic.................Bajo y voz

Daddy Antogna............Batería

1ª cara:

- Dejenme salir

- Viva Bélgica

- Gritos

2ª cara:

- Ausencia

- El absurdo y la melodía

En la década de los 70, cuando el progresivo estaba en su momento álgido, cuando en las radio-formulas de todo el mundo convivían con los éxitos más comerciales, la abundancia de bandas era enorme, como no ha llegado a serlo ya nunca, existiendo en cualquier rincón del planeta, pero eso sí, siempre en un plano "underground". En algunos países con más promiscuidad que en otros, si no metemos en el saco a Europa, claro. En América del Sur , de habla hispana casi en su totalidad, por supuesto que también los hubo. Este disco que presento hoy es un buen ejemplo, concretamente realizado por un grupo argentino, uno de los más conocidos, junto a CRUCIS, ALMENDRA ó PESCADO RABIOSO dentro y fuera de sus fronteras.

En 1974 Argentina vivía una paz frágil, con un gobierno democrático situado entre episodios golpistas. Había acabado un periodo de 8 años de dictadura al mando del Teniente General Onganía un año antes, en 1973. No mucho más tarde, en 1976 nuevamente el gobierno Peronista fue derrocado por un nuevo mazazo del ejército a través del Comandante en Jefe del ejército, Jorge Rafael Videla. Como es de suponer todos estos episodios tumultuosos harían complicado que muchas bandas de rock llegasen a existir libremente comulgando con el régimen y otras tendrían que pasar el filtro de la censura.

Los chicos de Ave Rock, dentro de ese breve periodo de "libertad" darían lugar a 2 lp's , siendo este homónimo, su carta de presentación, donde dejarán patente un sonido cercano al estilo de los grupos del viejo continente, desligándose de las raíces, matices y características correspondientes a la tradición musical de su país. Serían elegidos grupo revelación en 1974, galardón que dice mucho de su profesionalidad y calidad, ya que estaba constituido por excelentes instrumentistas procedentes de otras bandas ya consolidadas.

Su manera de hacer progresivo, realmente dista mucho de lo que hacían otras bandas por esos lares, con una performance independiente dentro del progresivo y sinfónico que me atrevería a afirmar más cercano del rock Alemán y derivados, englobados dentro del término general del Krautrock, que de la parte Anglosajona, Francia u Holanda. Las guitarras de sonido ronco y de corte psicodélico se movían dentro de una estructura cambiante construida con secciones que giran drásticamente con mucha asiduidad sin dar tiempo a muchos momentos para tomar aire. Variedad en los teclados, con un órgano tendente a la búsqueda de oscuridades en una onda similar a la de Hugh Banton de la VAN DER GRAAF....con destellos afilados. La contundente base rítmica en su estilo es la que nos impulsa a pensar en ellos como una parcela dentro de la faceta sinfónico progresiva del Krautrock teutón.

Esa manera de edificar la música da lugar a un hilo argumental de difícil seguimiento, la complejidad es alta con una brusquedad inusual en los saltos de los compases, produciendo segmentos ligados sin continuidad, por lo que es difícil encontrar la línea melódica que une todo el enjambre que huye de la armonía.

Las semejanzas con otras bandas de este calibre les podrían acercar a BANCO, BIRTH CONTROL, JANE , y también en guiños a formaciones poco conocidas como AINIGMA, NEUSCHWANSTEIN ó IKARUS en lo que se refiere a la complejidad a la hora de componer. Los temas son extensos, ya que todo el disco es ocupado solo por 5 cortes, siendo el más extenso de 15 minutos, la joya del vinilo. Se consideran casi instrumental, aunque la voz tiene sus momentos especiales, aunque no llega a estar a la altura de las circunstancias. Más bien se deja llevar incapaz de alcanzar su lugar, perdiendo el tren, además de que no posee fuerza, ni flexibilidad en los registros, los coros pondrán un poco de tierra de por medio.

Producción bien pertrechada, tal vez con algo de deficiencia en la grabación, sonando opaca en ocasiones de forma que los instrumentos se diluyen y se forma una cacofonía que los hace poco distinguibles, nada cristalinos. El resultado es un álbum en líneas generales oscuro y épico, de pasajes extensos al órgano con ritmos que se tercian en algún momento caóticos destacando por encima de todo la pieza "El absurdo y la melodía", el más extenso, suite instrumental magistral y majestuosa.

TRY - Just a try (1980)

 

Michael Lapp.....................Teclados, guitarra acústica y eléctrica, mandolina

Amadeus Reineck...............Guitarra, sitar y mandolina

 

Colaboraciones:

Caroline McCombs..............Voz

Dieter Bauer.......................Bajo

 

1ª cara:

- Introduction (just a try)

- Wreck on the wire

- Roswithas' baby

- Immovableness

2ª cara:

- B. Baggins

- Last feather

- Anna's dream

- Monte Christo

- With a little help from Zacharias

- Move

- Just another try

 

Mala, muy mala suerte la de estos chicos, en un principio intentaron crear un grupo de folk-rock que no dio lugar a nada, pasando totalmente desapercibidos terminaron con la misma pasividad con la que habían surgido. Entonces decidieron probar suerte, pero introduciendo elementos más pesados del Krautrock, puesto que son alemanes. La idea es fortalecer las creaciones acústicas con sonidos generados por la electrónica inspirándose en toda la corriente que se había creado en los 70 y continuaba muy estable de cara a los 80.

 

La influencia de la escuela de Berlín es más que notable, como iremos descubriendo conforme escuchemos el disco. También se introducirá la guitarra eléctrica que tiene sus instantes de protagonismo, usada a modo de teclado en sus formas muy similares a las utilizadas por Edgar Froese. La percusión no existe, y cuando aparece es pregrabada, y el bajo hace su aparición en ciertos momentos, pero tampoco es un instrumento clave. La palma se la llevan las cuerdas, que a través de las guitarras acústicas, el sitar y las mandolinas construyen el sólido esqueleto de la mayoría de las composiciones, aunque también hay que hacer una mención especial al piano de Lapp, aportando un delicioso material.

 

El disco es una maravilla de principio a fin. No tiene desecho, llevándonos de un paisaje fantástico a otro no menos increíble. La mezcla entre sonidos electrónicos y clásicos es una comunión perfecta. Los teclados crean atmósferas lineales y envolventes que hacen de  biombo entre tema y tema. En otros casos terminan de una forma cortante y parece entrar el siguiente un poco con calzador, como si fueran fragmentos que cada miembro ha ido urdiendo y después los insertan tal como vienen.

 

Amadeus Reineck

Es un trabajo completamente instrumental, solo hay una inclusión de coros a cargo de Caroline McCombs, destaca la pureza y autenticidad del sonido de las guitarras acústicas, que en algunas ocasiones no van acompañadas de nada más, pero de verdad que no lo necesitan. Sus acordes son armoniosos, pura poesía integrada en notas, cadencias melancólicas y optimistas en completa complicidad e igualmente cuando conectan con el piano y los teclados. Minucioso y concienzudo, sin dejar nada atado. Según los pasajes que escucho me recuerdan en su estructura a otros como EMTIDI, ASHRA, TANGERINE DREAM o M. OLDFIELD.

 

Música que se puede considerar introspectiva, cargada de lirismo, cuyas atmósferas son de carácter onírico, incluso contemplativo. Melodías acertadas y evocadoras  nos trasladan en su inicio desde la costa, hasta la ruidosa ciudad y luego a la campiña, donde parecen querernos decir que es donde desean quedarse. Una obra de gran factura en la que no se echa de menos nada. Un aluvión de sensaciones dirigido a sacudir nuestros sentidos, cuyo poder balsámico es enorme.

 

Michael Lapp

Pero una vez más nuestros amigos tras crear esta joya van a pasar inadvertidos dejando un tesoro oculto, en una época en que todo esto estaba de capa caída. Triunfa el techno, el pop, la nueva ola, y para unos recién nacidos, sin un bagaje potente detrás, la repercusión que podían causar era nula. Las radio fórmulas y la Televisión estaban centradas en los nuevos estilos, que estaban surgiendo de las cenizas producidas por la derrota de bandas más próximas a TRY. Solo un disco así habría obtenido su fruto si proviniese de grupos muy consolidados como MICK OLDFIELD o VANGELIS con cierto reconocimiento comercial.

 

Como reza su portada "Just a try", (sólo un intento). No hubo más, pero fue impactante.

ALPHATAURUS- Alphataurus (1973)

 

Pietro Pellegrini......................Piano, órgano, moog, vibráfono, espineta

Michele Bavaro......................Voz

Guido Wasserman..................Guitarra

Giorgio Santandrea................Batería, percusiones

Alfonso Oliva..........................Bajo

 

1ª cara:

- Le Chamadere (Peccato d'orgoglio)

- Dopo L'uragano

- Croma

2ª cara:

- La mente vola

- Ombra muta

 

Por fin ha caído en mis manos una esperada joya del progresivo que tanto se desarrolló en Italia durante los 70's, un álbum que tuvo gran aceptación entre los fanáticos del estilo en su país, pero que debido a su fugaz trayectoria como banda (se disolvió cuando estaban en plena grabación de un segundo LP)  y a la poca distribución de copias y por tanto de ventas, el olvido ganó rápidamente la partida en un momento en que  la música progresiva producía agrupaciones por cualquier rincón de Europa, principalmente. Esas premisas han conducido a que el único Lp en estudio de estos Milaneses, haya alcanzado altas cotas de reconocimiento por parte de los coleccionistas, y hoy en día es un disco bien valorado que cualquier buen aficionado sabrá apreciar, puesto que no estamos ante una obra mediocre, sino de una calidad que no deja dudas.

 

Una portada descomunal desplegable en tríptico nos hace intuir, que casi seguro se trata de un trabajo enfocado a crear un bloque conceptual donde los temas giren en torno a un asunto. Cantado en italiano con una voz diáfana y abierta y una vocalización excelente, muestra una pericia y un virtuosismo en su despegue que resulta inusual, ofreciendo unos desarrollos instrumentales y una experimentación fuera de lo común en unos novatos. Las influencias en su música son diversas, su guitarra muestra en muchas ocasiones la magia de Robert Fripp en sus primeros volúmenes con KING CRIMSON, así como partes instrumentales que recuerdan a estructuras crimsonianas de carácter cíclico en las que se producía una explosión, se activaba el turbo y rompía en un énfasis rotundo y colosal de todos los músicos (Fracture, Starless).

 

 También denotan atracción por el buen hacer y la vertiginosidad de Keith Emerson a las teclas, el krautrock fue una disciplina que también les dejaría marca, sus coetáneos y compatriotas PFM y BANCO fueron maestros de los que también tomarían nota, e incluso VAN DER GRAAF GENERATOR, se puede decir que fue un referente en su carácter oscuro y su voz desgarrada, plasmada en pasajes donde Michele Bavaro se esfuerza en frases delirantes, de expresión desesperada ajustadas al pulso de las melodías.

Trabajan atmósferas extrañas de ritmos ávidos que chocan con otros episodios del pop-rock italiano más clásico, que forma parte de sus raíces. La música nos descubre grandes contrastes, entra en torbellinos instrumentales que se deshacen como humo, para comenzar desarrollos antagónicos y gran cantidad de veces presenta su cara oscura y atonal. Párrafos de órgano y teclados desprenden grandiosidad, gravedad  y magnificencia (Croma) regalándonos una melodía maravillosa y solemne que nos transporta a otro apartado que nos hace soñar como imágenes en pantalla grande.

 

Al otro lado del vinilo nos está esperando el plato fuerte de la jornada. Su tema más emblemático de largo recorrido, la mente vola, es una pieza prodigiosa, maestra, obra cumbre, muy melódico, con un comienzo que nos llama poderosamente, un reclamo que cautiva por su despliegue al más puro estilo sinfónico. Gran compenetración con una batería magnífica, donde podemos encontrar ecos floydianos, flashes de VDGG y maneras de sus colegas, BANCO. Los arreglos son brillantes y generalmente muy acertados por el piano, la producción a la altura, siempre con infiltraciones del sonido de cuerdas de la guitarra clásica. Ombra muta presenta la cara más excéntrica, internándose en universos de exploración, aportando los aspectos menos melódicos y profundizando en un progresivo más complejo, en un largo corte que pasa por diversas fases.

 

Disco muy maduro para tratarse del destete del grupo, lástima que no llegasen a lanzar ese segundo LP que tenían ya enfilado. Sería en 1992 cuando se rescatarían todas aquellas composiciones que durmieron el sueño de los justos. Pero eso sí, ya en CD.

STARCASTLE- Starcastle (1976)

Herb Schildt.........................Sintetizadores, órgano, piano

Terry Luttrell........................Voz

Matthew Stewart.................Guitarra y coros

Stephen Tassler....................Batería, percusión y coros

Stephen Hagler.....................Guitarra, coros

Gary Strater..........................Bajo, coros y pedales moog

 

1ª cara:

- Lady of the lake

- Elliptical seasons

- Forces

2ª cara:

- Stargate

- Sunfield

- To the fire wind

- Nova

 

A lo largo de la historia en todos los ámbitos de la vida, unas personas han plagiado a otras o se han sentido influenciadas tremendamente, eso ha quedado patente en muchas ocasiones. En el rock, no podía ser menos, también ha sucedido, y si acotamos un poco más y nos referimos al progresivo en concreto, se han dado casos, unos más descarados que otros. Hoy hablo de uno de los más flagrantes que se han dado. Cuando escuché por primera vez este disco, sin conocer a sus autores, me quedé atónito; no podía creer que aquello no perteneciera a la banda progresiva por antonomasia, es decir YES.

 

Cuesta creer como esta nueva banda que surge en un momento en que se están dando los últimos coletazos, por parte de las grandes bandas de progresivo, ante la inminente fractura que se va a producir con la explosión punk, ofrece un estilo ya manido y no solo eso sino que además fotocopia sin vergüenza a los reyes del prog. Con esta panorámica lo normal es que la aventura no termine bien, pero no fue todo lo mal que podía pensarse. Tanto en su país, EEUU (se forman en Illinois)  y en Canadá, tubo muy buena acogida, sin embargo en Europa las cifras de ventas fueron bajas, la revolución punk y el agotamiento del progresivo en el viejo continente hicieron mucho daño.

 

La manera de tratar la guitarra principal, con la agudeza y los malabarismos propios de Steve Howe, el trabajo rítmico del bajo, fundamental e inquieto, clave en las composiciones a la manera de Chris Squire, los teclados imbuidos del espíritu de Rick Wakeman y la voz contagiada del timbre y de los recursos del bueno de Jon Anderson. Es increíble como Terry es capaz de simular a Anderson hasta el punto de que la personalidad del británico flota en el ambiente cuando escuchamos su voz, entonando y estirando las notas como solo él haría. Tenemos un espejo ante nosotros en los que vemos reflejados a todos ellos, pudiendo llegar a afirmar que el vinilo fuera obra de su propiedad.

Sin duda a lo que más importancia se le concede es a las armonías vocales que construyen a lo largo de todo el repertorio, muy prolíficas, apareciendo en cada uno de sus temas, bien desarrolladas y cuidadas con mimo al igual que las melodías, acertadas e interesantes, de gran dinamismo, de forma que la música fluye fresca creando paisajes fascinantes, y con arreglos trabajados con pulcritud y perfeccionismo.

 

En cuanto al aspecto estrictamente instrumental, a pesar del robo de identidad, cumpliendo con los cánones del progresivo, los temas están bien construidos, vitales, enérgicos y dotados de contrastes que le confieren diversidad. Los desarrollos de las canciones rayan a gran altura, sonando a los YES de los mejores tiempos (Close to the edge/ Topographic oceans), pero en el año 76 como debut, cuando los ingleses estaban en la cúspide y habían dado lo mejor de sí mismos.

 

Después, ya con su segundo LP, la magia decayó  y todo ese desparrame de imaginación y creatividad quedaría minado, la música pierde calidad y su sonido se vuelve menos original, tornándose más apático y acercándose a territorios del AOR. Mucho ruido y pocas nueces, las melodías giran hacia el gris y no consiguen obtener el gran resultado de su primer trabajo.

BLOQUE- Bloque (1978)

 

Juan Carlos Gutierrez............Órgano, mellotrón, sintetizadores y voz principal

Luis M. Pastor.......................Bajo

Juanjo Respuela....................Guitarra acústica y eléctrica, harmónica y voces

Francisco L. Baños.................Batería y percusión

Sixto F. Ruiz.......................... Guitarra acústica, eléctrica y voces

 

1ª cara:

- Undécimo poder

- Abelardo y Eloísa

- Salvación por la música

- Joven levántate

2ª cara:

- Consultando el tarot

- Fiesta de la mar

- La libre creación

-Nostalgia

- La noche del alquimista

- Conociendo a Abraxas

 

Formación española que nacería en los primeros 70 en Torrelavega, provincia de Santander, concretamente en 1973, con un historial de participaciones por distintos festivales y pequeños conciertos, para darse a conocer al público, durante una largo transcurso de tiempo, hasta que por fin a finales de 1977 tienen la posibilidad de grabar su primer disco como "Bloque", apareciendo en el mercado ya en 1978. Un inicio tardío para el progresivo y sinfónico como estilo, no tanto en España, puesto que debido a las circunstancias nuestro país llevaba algo de retraso en esto y en la mayoría de todo lo que supusiera innovación, pero sí de cara al resto del mundo occidental.

 

El punk se había adueñado del panorama rompiendo con todo lo establecido, volviendo a los orígenes del rock, buscando composiciones básicas para denunciar el orden en varios frentes, cultural, político, económico, etc. La onda expansiva alcanzó a  España por supuesto, y lo hizo en un momento propicio, perfecto para abrir las alas de la libertad que hasta hacía nada había estado plegadas. Es cuando empezaron a aparecer formaciones musicales de toda índole en una corriente que se diversificó por todo el país, pero tuvo su punto fuerte en la capital Madrid, creando un movimiento denominado "movida madrileña", una explosión de libertad patente que quedó reflejada en el universo de la cultura: Cine, música, literatura, pintura, etc. se vieron invadidas de ese anhelo por plasmar las ideas, sentimientos y deseos que fluían en la juventud, por fin la posibilidad de expresarse sin miedo era una realidad.

 

En el aspecto musical también se crearon bandas partidarias del rock progresivo y sinfónico, como BLOQUE, y que aunque el estilo estaba en su momento más bajo, por ello no iban a dejar de hacer lo que más les gustaba. Pero lo cierto es que su duración fue breve debido a que tanto aquí, como en el resto de Europa, la onda estaba en otra frecuencia y al progresivo se le estaba dando la espalda por parte de la crítica, y por tanto también del público, que estaban dispuestos a volcarse en los nuevos aires que llegaban de las islas británicas, un auténtico terremoto que suponía tabla rasa.

 Tras curtidos años por los escenarios graban su homónimo debut, un álbum producido correctamente, aunque su grabación tuvo alguna deficiencia que otra. Su sonido se ancla claramente en el rock sinfónico y progresivo más clásico del continente europeo, YES, PINK FLOYD, instituciones en la doctrina, posiblemente sean las influencias más claras en el grupo hispano. Pienso que fue uno de los pocos, que supo asimilar realmente los entresijos de esta disciplina del rock, dentro de nuestras fronteras, desde la óptica más común en Europa. Piezas de cierta extensión que muestran fases muy diferenciadas dentro de una misma, estirando con elegancia dinámica los tempos, utilizando procedimientos muy similares como ciclos de estructuras compuestas de 5 o 6 acordes, ambientes exuberantes a base de teclados, letras metafóricas bañadas en un halo de ansiedad y expresionismo que inclinan hacia la melancolía, presencia de solemnidad, marcialidad, de  intención experimental y apuesta por melodías elaboradas con aporte y diversidad en la instrumentación. 

Con unas guitarras inclinadas hacia el blues, muestran una característica muy singular nada fácil de encontrar en aquellos tiempos y que consistía en el uso de 2 guitarras realizando solos combinados a la vez, un recurso que se dio a conocer en combos de la categoría de ALLMAN BROTHERS BAND o BLUE OYSTER CULT, una innovación que obtuvo resultados satisfactorios.

 

La parte fuerte del bloque se encuentra en JC. Gutiérrez, el teclista, no solo se ocupaba de todos los instrumentos correspondientes, también era parte compositora y ponía la voz principal. El órgano y los sintetizadores son elementos protagonistas en los temas, aunque más para generar atmósferas envolventes cargadas de tensión y cierto oscurantismo mayormente, construyendo una dimensión y un espacio en el que las guitarras levantan sus solos con predilección por los descensos a través del mástil. Mencionar que tanto el bajo de Luis Pastor como la batería de Francisco L. Baños gozan de singularidad con configuraciones y ritmos que un buen oyente sabe apreciar.

 

El álbum muestra un primer lado con cortes en los que las letras se muestran con intensidad, y una segunda cara que presenta instrumentales más numerosos que se anexionan a modo de obra conceptual. Tal vez el punto débil que observo sea la manera de encajar la letra en las canciones, advirtiendo en algunos momentos una dificultad para ensartar  líneas, dando la impresión de hacerlo forzadamente, es decir, como se dice en estas situaciones: "metidas con calzador" .

Un Lp más que decente, que debe ser analizado con paciencia, algo necesario para descubrir poco a poco good vibrations!

RICHARD WRIGHT- Wet dream (1978)

 

Richard Wright..................Teclados, piano, hammond

Larry Steele.......................Bajo

Snowy White.....................Guitarras

Reg Isadore.......................Batería y percusión

Mell Collins........................Saxo, flauta y trompa

 

1ª cara:

- Mediterranean C

- Against the odds

- Cat cruise

- Summer elegy

- Waves

2ª cara:

- Holiday

- Mad yannis dance

- Drop in from the top

-Pink's song

- Funky deux

 

Compuesto al completo e igualmente arreglado y producido por él mismo, se convertirá en su puesta en escena en solitario, tras años al frente de PINK FLOYD, decide publicar material por su cuenta, para ello contó con músicos a destacar, Snowy White miembro ex-THIN LIZZY, y un mercenario de los 70, Mel Collins, a la sección de viento, destacado por su actividad al saxo.

 

Aprovechó la coyuntura para sacar su trabajo al público. Estaba pasando por momentos difíciles, puesto que tras terminar Animals con los Floyd, Roger Waters, que ya había empezado hacía un tiempo una cruzada contra sus compañeros para demostrar que él era el miembro con más peso de la banda, terminó por expulsar a Wright en la conformación del siguiente álbum The Wall, por discordancias con sus aportaciones, los demás a regañadientes acataron las órdenes. Al final continuaría en el disco pero contratado a sueldo como músico colaborador, y no aparecería su nombre en los créditos perteneciendo al grupo, parecía imposible que aquello pudiera ocurrir.  Tras llegar a ese extremo tomo la decisión de que lo mejor para relajar la atmósfera era volcarse en su proyecto individual y dar forma a Wet dream, algo similar a lo que sucedió en el seno de los Floyd.

 

Fue en unos estudios de Francia donde daría forma a la criatura y con un diseño de portada de Hipgnosis que nos transmite su intención de relajarse y escapar del infierno que se había generado. Aun así su cordón umbilical sigue unido a la banda de toda la vida e incluye un corte titulado Pink's song.

 

Un disco que nos transmite paz y tranquilidad, de carácter marcadamente introspectivo y que queda enfatizado con la colaboración del saxo. Composiciones instrumentales en buen número, nacen del piano de Wright que usará mayoritariamente en primer plano dejando los sintetizadores para generar atmósferas que dotan de volumen a las canciones. Se puede decir que portan un alto componente melancólico, algo que se entiende teniendo en cuenta su estado de ánimo en aquellos días. Pianos pausados, solemnes y emotivos, generando una música de corte sencillo, con una melodía principal acentuada, pero con una carga de sentimiento tremenda, los desarrollos más complejos corren a cargo del saxo o la guitarra como solistas. Nos puede recordar a algunas baladas de tipo romántico de ALAN P. PROJECT.

Otros temas parecen piezas descartadas que no llegasen a ser incluidas en un álbum de los Floyd (Summer elegy), por poner un ejemplo, con una estructura muy al estilo, guitarra Gilmour y teclados arropando y haciendo ambiente. Acordes que se deslizan entre los diferentes temas, tempos largos y lentos, inconfundibles, marca de la casa de Wright.

 

Un álbum que en general se comporta bastante flojo y ciertos momentos aburrido, tal vez debido a que esperamos otra cosa más cercana a lo que nos tenía acostumbrados.