BARRABÁS – ¡Soltad a Barrabás! (1974)

 

J. Luis Tejada………….…….Voz principal

Enrique Morales…………….Guitarra eléctrica y acústica y coros

Miguel Morales……………..Bajo, guitarra acústica y coros

Tito Duarte…………...……..Saxofón, flauta y percusiones

Joao Vidal………………..….Teclados

J. María Moll…………....…..Batería

The Waters…………………..Coros

1ª Cara:

- Hi-Jack
- Mad love
- Funky Baby
- Lady love

2ª Cara:

- Susie Wong

- Humanity

- Tell me the thing

- Fly Away

- Concert

Si nos dicen que una banda triunfa en EEUU en los años 70, llegando a las primeras posiciones de las listas de música negra con un sonido denominado como “afrobeat” o “música mestiza” , manejando estilo funky y precediendo a la música disco que triunfará en la segunda parte de la década, lo último que nos vendría a la imaginación es que fueran españoles…….pues si señores, eran españoles. Es el grupo que ostenta el galardón de ser el combo español más vendido en EEUU, Canadá y Alemania.

Fue tal la cuota de éxito que obtuvieron en tierras yankees, que para que no descubrieran que se trataba de personas de raza blanca, no aparecían nunca en las portadas y contraportadas del álbum o de sus singles. Y es que estaban convencidos de que una música así tenía que ser realizada por personal de raza negra. Je, y lo que son las cosas!, aquí en nuestro país, al escucharlos cantando en inglés, pensábamos todo lo contrario, que se trataba de alguno de tantos grupos de origen estadounidense, pre-fiebre del sábado noche. Si es que ya lo dice el refrán: “Nadie es profeta en su tierra”

Era su 3º disco y debido al acierto conseguido ya con su segundo, se marcharon a grabar a los Angeles, nada menos que a los estudios joliwudienses de Metro Goldwyn Mayer, saldría su obra un año después en 1974 y el efecto fue inmediato llegando al n.º 1 en ventas, pero la versión internacional del título sería “Release Barrabas”. Es posible que muchos de vosotros abráis los ojos con incredulidad pensando que como pudo ser posible aquello, siendo que España por norma general nunca obtuvo repercusión mediática en lo musical, salvo pequeñas excepciones………. yo también me lo pregunto. Pero no hay nada como reunir a un conjunto de personas con mucho talento para que se obren milagros.

La persona clave en todo esto fue Fernando Arbex, ex-Brincos y ex-Alacrán, que cuando decidió terminar su trabajo de músico, paso a la sombra como un profesional de la producción realmente dotado. Un tipo atento siempre a las vanguardias, ya en ALACRÁN, como músico había practicado con bases latinas popularizadas por SANTANA, además de como productor dentro del grupo. Por desgracia no hubo apoyos de ningún tipo de las discográficas españolas y sin actuaciones en directo desistieron con un único LP en su carrera.

Arbex no se rindió y siguió buscando la manera de poder llevar a cabo su proyecto. Comenzó a buscar músicos afines a sus ideas reclutando a Tito Duarte (Cubano), los hermanos Morales (filipinos) y Joao Vidal (portugués) un combinado exótico, que unidos a J.L. Tejada y J. María Moll terminarían cuajando en los fantásticos BARRABÁS, a quienes se consideran los precursores del sonido disco en Europa, vendiendo como decía en sus contraportadas, música caliente. Fernando colaboraría en la composición, pero con la producción como objetivo principal.

El padre de Tito Duarte era el director internacional del sello RCA, eso facilitaría el contacto de la formación con la discográfica de manera inmediata. El camino está allanado y se ponen a trabajar sin dilación grabando un primer disco homónimo que ya muestra la senda a seguir donde las criticas serán favorables. Con su segundo, “Power” estallan y la popularidad empieza a crecer con un álbum muy completo. Sus vidas se ven salpicadas de nuevas sensaciones, el punto culminante de sus carreras fue cuando se les ofreció ser teloneros de sus satánicas Majestades y lo rechazaron porque era preciso mudarse a los EEUU. Se votó y se decidió seguir cerca de las familias. A partir de entonces la decisión fue un lastre y se crearon tensiones, como consecuencia a finales de la década se separaron, aunque poco después en 1981 se reunieron para grabar un nuevo álbum, Piel de Barrabás, de cierta calidad, no obstante el paisaje musical estaba cambiando y la repercusión fue mucho menor, apostando por otro tipo de formaciones, solo en Europa mantuvo un buen nivel de ventas.

Para cuando grabaron este ¡Soltad a Barrabás! Las cosas no podían irles mejor y todavía estaban lejos las discrepancias y malos rollos. La música que se incluye realmente esta llena de talento compositivo y en cuanto a la producción, Fernando realizó un magnífico trabajo que queda patente desde el primer momento de la escucha. Se inicia con Hi-Jack, que serviría como presentación del LP a través de su venta en single, posiblemente el tema más accesible para captar adeptos, que desde un primer momento nos muestra un conjunto de percusiones , algo que no desaparecerá ya, un bajo juguetón que tendrá un papel preponderante a la hora de marcar el tempo y el ritmo y coros, muchos y variados tanto de ellos como de el trío femenino que participa. La música se impregna de sensualidad, calidez y ritmo, cantando en un inglés mejorable y con unos estribillos a base de coros. En las zonas centrales entran los instrumentos a realizar solos, variados en su ejecución y muy bien elegidos, sin excesos y más bien cortos en el tiempo dejando un regusto que sabe a poco, un acierto para mantener el interés en la escucha.

Con el segundo corte Mad love, en el inicio por un momento el bajo nos engaña y parece que vaya a sonar “Papa was a rolling stone” de TEMPTATIONS, pero no, su base es muy negra, se produce un dialogo de declaración y réplica entre voz y coros femeninos, la guitarra suena muy funky y nos regala en la parte central un fantástico solo. Funky baby, como indica el título, nos ofrece de entrada una guitarra funky con un fraseo que ejecuta repetidamente, los coros masculinos y femeninos se suceden en los estribillos y nos trasladan hasta el final, en un tema muy corto incluyendo armónica en la melodía. En el siguiente y último de la primera cara, la batería se presenta marcando el pulso a golpe de platillo y después con la entrada del teclado y la guitarra acústica se genera una dinámica que crea el armazón principal de la canción. Lady love, contiene un sinuoso teclado maravilloso y melancólico. Es la primera aparición de flauta en los arreglos, hay cierto aire de ambientación brasileña en su espíritu, luego hacia el final se entra en otra sección en la que el bajo acelera el tempo terminando la pieza.

Al otro lado del plástico nos espera Susie Wong, el primero de los cortes que arranca con unos coros femeninos muy al estilo, guitarra funky con protagonismo encargada del solo instrumental, una composición muy obsesiva que gira en torno a una frase de la guitarra. Un tema engañoso es Humanity, que comienza con una voz cálida y muy suave pero se torna más agitada. Es la pieza más dura del disco de hecho. Muy vanguardista incluye saxo en su melodía con un toque de Jazz, las percusiones resuenan potentes bajo el órgano y la guitarra se muestra fuerte, aunque no da tiempo a más. Tell me the thing es un tema muy ligero y cálido con gran introducción de travesera. Fly away lleva un gran trabajo instrumental en el que el tempo va de la mano del bajo y el órgano omnipresente flota durante toda la composición, la guitarra nos regala un magnífico solo en la parte central y otro al final, muy cortos, dentro de una estructura algo más compleja que de costumbre. Y ya para cerrar este excelente disco nos ofrece como coda Concert, para mí una de las mejores. El órgano se muestra presente nuevamente a lo largo de toda la pieza, una veces ambiental en muro sonoro y otras haciendo un fraseo a modo de guiño repetidamente, luego la flauta nos concede un interesante solo en la parte central y final dejándonos con ganas de más.

Barrabás es una banda que independientemente del gusto del oyente es atractiva e interesante porque algo que tiene Calidad y talento no puede pasar desapercibido para ningún amante de la música y yo soy de los que reniega de la música disco. Así que si alguna vez lo tenéis a mano, pensadlo y no lo dejéis pasar, no os defraudará.

MODULOS – Módulos (1979)

 

Pepe Robles………………….…….….Voz principal, guitarra, bongos, oboe

Tomás Bohorquez……………………...Hammond, piano eléctrico, moog, mellotrón

Jose Luís Campuzano “Sherpa”……….Bajo

Chupi de la Fuente……………..……...Batería

1ª Cara:

- Hello

- Cuando el tren se detuvo en la estación

- 2000 años tristes

- Pájaro amigo

2ª Cara:

- Otoño en cualquier lugar

- Beatles

- Cristo

La formación nace en 1969, uno de sus fundadores Pepe Robles, pendiente de los que sucedía allende nuestras fronteras, decide alejarse de las corrientes musicales más presentes en España por entonces y ensambla el proyecto MODULOS.

Lo tomarían muy en serio, sus ensayos se alargaban hasta las 8 horas cada día, según aseguran sus miembros. Las influencias de Robles son guitarristas de vanguardia de primera categoría como Robert Fripp y Steve Howe, como ejemplo. En los primeros trabajos se esforzaban más por obtener reconocimiento que por crear realmente lo que más hubieran preferido. De esa forma temas de corto minutaje hacen que tengan un solido enganche en la sociedad española, que era a todo lo que podían aspirar. El gusto de la banda iba por derroteros de conjuntos como BEATLES, YOUNG RASCALS y los psicodélicos VANILLA FUDGE.

En 1973 Robles sufre un tremendo accidente de coche en el cual podía haber llegado a morir. Eso supone que causaría baja por mucho tiempo, pero el grupo seguirá adelante, llegando a grabarse un álbum sin su presencia, un disco que supondría un punto de inflexión en la carrera de Módulos. Tras él algunos de los miembros abandonan el barco por diferencias de criterio respecto al camino musical a seguir y también se rompe con Hispavox, el sello discográfico.

El futuro que tenían por delante con el desmembramiento planeaba complicado. Quedaron solos Robles y Bohorquez, el núcleo duro, y la forma de sobrevivir fue con la edición de recopilatorios, salvando los muebles lo suficiente para que en 1978, tras rehacerse con nuevos miembros al bajo y a la batería comenzasen a grabar este homónimo con nueva temática en las letras, y con una mayor experimentación al contar con más libertad compositiva que antes.

Pasaría sin pena ni gloria, con una repercusión mediática deficiente, las letras utópicas y plagadas de elementos mágicos y naturaleza tendrían que dejar paso a la cotidianidad, la realidad terrenal y el descaro que emergía con las nuevas corrientes del rock.

Centrándonos en el álbum hay que decir que muestran piezas más largas de lo solían hacer a revueltas con otras más efímeras, el sonido progresivo a lo largo de todo el disco es de tintes sencillos, no contiene pesos pesados, todo se construye sobre guitarras cristalinas, acústicas y de arpegios limpios y rasgeos inteligibles, cuidando mucho los coros de voces incluyendo unos arreglos sutiles y efectivos, mostrando todavía una tibieza que tal vez arrastran de su pasado más pop.

Buscando siempre la melodía y lirismo en la voz, muy característica y fácil de reconocer, se suceden texturas ricas en tonalidades con un deje de melancolía que impregna toda la obra, como si de alguna manera nos quisieran transmitir la sensación de un final definitivo, que no lo fue, pero que a efectos prácticos se puede considerar que sí.

En la primera cara el piano y la guitarra tienen protagonismo en los momentos instrumentales, sin olvidar los coros de voces. “Hello” es un corte remilgado que conforme avanza va tomando forma de estructura que se quiere alejar de convencionalismos, y “Cuando el tren se detuvo en la estación” ya enseña los dientes con una instrumentación levantada sobre estructuras más del estilo progresivo, con una coda que se repite mientras la guitarra eléctrica nos conduce al final. Sin duda la balada triste del disco sea “2000 años tristes”, como bien dice el título, donde la voz estira la vocal de la última sílaba del verso, formando una cadencia tonal preciosa y contando una historia en la que la guitarra hace suaves arpegios y el piano se lleva la mayor parte de los arreglos. Este lado acaba con “pájaro amigo” , un tema muy parecido al anterior en el que domina un fraseo de guitarra, coros y en el que nuevamente el piano hace trabajo de arreglos y melodía, aunque en esta pieza la guitarra de Robles marca un bonito solo de guitarra solista para terminar.

El lado B comienza con “Otoño en cualquier lugar” con un inicio de órgano que nos avisa de que vamos a apreciar más trabajo que en la cara A. Un comienzo fulgurante que nos trae a la memoria similitudes con “Premiata Forneria Marconi” en su famoso Photos of ghosts. La estructura nuevamente se aproxima mucho más a los estándares de un corte progresivo, alejándose de la fórmula comercial. Una pieza que va enriqueciendo la labor conforme avanza en el tiempo, produciendo contraste de cambio de ritmo, endurecido en la guitarra rítmica, con afloración de juegos de sonidos extraños y final algo abrupto. “Beatles” es un homenaje a los cuatro de Liverpool, con unos bonitos arreglos que recuerdan a la ELO y la letra que versa sobre ellos, un referente para la banda como lo fue para tantos en aquellos años. Acaba el disco con otro corte más complejo y encaminado hacia bases progresivas, “Cristo” que posiblemente sea el mejor y más completo desde el punto de vista compositivo. Un gran trabajo de Hammond y guitarra donde más enérgicos y contundentes se muestran.

Un disco donde se echa de menos una mayor producción y unos temas que en varios casos se muestran escasos y desearíamos unos desarrollos más extensos. Una obra que sabe a poco pero que deja patente el maravilloso sonido de la guitarra de Robles, una delicia. Tal vez si hubieran continuado en la misma senda habríamos contado con alguna joya más refinada, pero el tiempo no era el correcto. Había que terminar.

STORIES - About us (1973)

 

Bryan Madey................Batería, percusiones

Steve Love....................Guitarras, sitar y voz

Michael Brown.............Piano, Harpsichord y Percusión

Ian Lloyd.......................Bajo y voz principal

1ª cara:

- Darling

- Don't ever let me down

- Love is in motion

- Hey france

- Please, please

2ª cara:

- Changes have begun

- Circles

- Believe me

- Words

- Top of the city

- Down time blooze

- What comes after

- Brother Louie

La vida de estos Neoyorkinos fue tan fugaz como lo eran sus composiciones, cortas pero intensas. En tan solo 3 años que duró la sociedad, consiguieron auparse al primer puesto del mercado americano con una versión propiedad de los londinenses HOT CHOCOLATE, se trataba de"Brother Louie", una pieza que le llegó al público, consiguiendo de esta manera obtener un pellizco de fama algo etéreo. La empresa estaba fundada por Ian Lloyd y Michael Brown, después llegarían Steve Love y Brian Madey reclutados por sus promotores, con la idea de crear un grupo que realizara una música dentro de la esfera BEATLE.

Lanzarían un primer álbum homónimo en 1972 que no obtuvo gran repercusión, pero un año más tarde volvieron a la carga con este "About us", que tampoco tendría una buena acogida, pero es importante recalcar que en su primera edición no incluye el éxito "Brother Louie". Este vendría con posterioridad, haciendo que su popularidad creciera geométricamente, lo que llevó a replantearse una nueva edición del disco, pero esta vez incluyendo el corte al final. El número de ventas aumentó vertiginosamente. Sin embargo Brown, viendo que lo que demandaba la gente no era lo que ansiaba comunicar al público, ya que su intención iba por otros derroteros, hizo que se quedase muy afectado y ciertamente deprimido, tomando la decisión de abandonar la aventura. Tras su pérdida la formación se quedó bastante tocada, lo que condujo a un final precipitado tras la salida de su tercer y último trabajo "Travelling Underground" en 1974. Ian Lloyd el único fundador que quedaba también siguió el camino de su compañero para dedicarse a trabajar en solitario. Es decir, un trienio de vida para STORIES.

Tal vez la concepción creativa fuese contracorriente en el instante en que se les ocurrió intentar triunfar. Dentro de la vorágine del rock, en 1973 el progresivo estaba en su punto álgido y también el blues rock y le hard estaban construyendo temas complejos, encauzados con inmensos edificios instrumentales que parecían no terminar. Su propuesta era bastante opuesta, aunque el sonido obtenido tiene un fondo que bien podría ser afín a lo que promulgaba el prog. Densas producciones concentradas en apenas 3 minutos o incluso menos, pero con una capacidad instrumental densa. Ingeniería y arreglos muy elaborados hacían que las canciones gozasen de versatilidad aun cuando estaban generadas a partir de una melodía sencilla con estribillos claros, contagiosos y atractivos, ocultando pequeñas perlas dentro de los compases. Las canciones son compactas y enérgicas dejándonos sin apenas tiempo a asimilarlas en las primeras escuchas. Una vez repasado el disco 4 ó 5 veces empezamos a discernir detalles, arreglos, sutilezas que se nos pasan por alto en un principio, y la gran cantidad de instrumentos que se entrecruzan en determinados temas, con ritmos bruscos y explosivos traducidos en secas secciones que catapulta a la batería a altas revoluciones. Las enseñanzas de Phil Spector y su famoso "muro" fueron llevadas a la práctica con gran rendimiento.

El artificio de STORIES se sostiene cimentado sobre una potente batería y el piano de Brown, fundamental en la gestación y dirección de las composiciones. Cuando el barullo instrumental crece , éste lucha por salir a la superficie a base de zarpazos y picados intentando sostener la melodía para que no se pierda. Por supuesto la guitarra de Love, también hará sus pinitos pero no lleva la voz cantante, sino que sigue y refuerza tanto la línea melódica como el ritmo agresivo del piano que en muchas ocasiones rompe al iniciarse la pieza.

Acumulación de sonido en la que aún tendrán cabida los arreglos preparados con mimo abarrotados de una inmensa orquestación que son los encargados de dulcificar en cierta manera para contrarrestar la dureza de esos temas cortos de riffs rápidos. La crudeza disminuye proporcionando unas atmósferas muy sinfónicas a la música, dentro del hard rock, que se puede calificar de melódico, con tintes de blues y boogie, atreviéndose incluso en una breve pieza instrumental con un piano honky tonk. No podemos olvidarnos de otro factor muy importante, la voz de Ian, que la primera vez que la escuché, pensé que estaba ante una fémina. Y es que es fácil confundirla por ese timbre que posee mezcla de dulce-dureza, cuyo mayor valor es la emotividad que es capaz de transmitir, muy importante en el tipo de estructuras en las que tiene que trabajar.

Música muy directa, hecha sin dispendios, sin grandes alardes, pero capaz de llegarnos hondo en muy poco tiempo, tanto a la cabeza como al corazón, sabiendo conmovernos, tocarnos la fibra y hacernos mover los pies, todo ello a la vez que no es fácil. Una gran ayuda en días en que uno necesita levantar el ánimo ó cargar las pilas, porque desde luego desprende buen humor y buen rollo. Una píldora que no fallará, tomarla tres veces al día cada 8 horas.

LIMOUSINE - Limousine (1972)

 

Carl Storie................Voz

Mark Cawley............Bajo y coros

David Bennett..........Guitarra

John Cascella............Teclados y coros

David Barnes............Batería

1ª cara:

- A song for Monique

- Sometimes

- Bitin' grace

- Such a lady, such a lover

2ª cara:

- Barriers

- Sidewalk siren

- Raise your voice

- Lighthouse

Este quinteto nació en Muncie, Indiana, una pequeña ciudad al sur de Chicago. Su búsqueda en la red ha sido complicada, sobretodo por denominarse como el macro-vehículo que ahora está de moda en las despedidas de soltero/a. Pero ahondando más en la investigación de esta escurridiza banda, me he ido a topar con algo sorprendente que no podía imaginar y que ha resultado ser la causa de la poca información repartida en internet.

Parece ser que estos chicos lanzaron este primer álbum, y poco después se vieron obligados a cambiar de nombre, hubo algunos errores en las tramitaciones de los derechos implícitos, y habiendo una formación en Europa que ostentaba ese nombre ya, no hubo alternativa, teniendo que dejar de llamarse Limousine. Las consecuencias fueron negativas para todo el mundo, y en concreto para ellos más. Dejarían su casa discográfica fichando por Brown Bag Records, su nuevo sello y decidirían adoptar como denominación, el cristiano nombre de FAITH. Todos los discos editados como Limousine existentes en las estanterías de las tiendas fueron devueltos automáticamente prohibiendo su venta. Pero está claro que algunos que ya habían sido adquiridos por fans, escaparon a la quema......como el que tengo entre mi colección, obtenido de segunda mano, claro está.

Seguí informándome sobre ellos ya como FAITH, surgieron en 1973 un año después, y su desaparición como tal será en 1979 en plena revolución musical. Mira por donde resulta que su primer álbum, de título homónimo, te pones a escucharlo y descubres que se trata de un refrito de los temas pertenecientes a la era LIMOUSINE. Algunos cortes simplemente cambiaron el título original, otros quedaron igual, otros fueron suprimidos y después introdujeron alguno grabado ya para la nueva época. Pensándolo bien, era de esperar algo así. Un álbum que había sido enterrado para todo el mundo suponía un desperdicio muy valioso. Había que darle salida a aquellos magníficos temas de su primer disco.

Pero como tengo el original de Limousine, y no el de Faith, al hablar de su valor musical me referiré estrictamente al primero. Como ocurre con el debut de muchas bandas, su sonido se puede calificar de heterogéneo, donde se adentran en muchas disciplinas, acercándose a diferentes estilos, sin dejar clara la dirección a tomar musicalmente hablando. Es un cóctel de diferentes ingredientes que conforme lo vamos probando, mejor sabor nos va dejando.

De inicio nos reciben con una suave y cortísima melodía dedicada a Monique, tan solo unas picks limpios en las cuerdas de la acústica, pero eso sí, deliciosamente cortos en su concepción. Una entrada que nos deja rápidamente un buen sabor de boca. Después saltan a una pieza, Sometimes, repleta de vientos en los arreglos, todo un temazo con feeling concebido en base a una mezcla de soul y blues con estupendos coros de voces en un estilo a los BLOOD SWEAT & TEARS. Protagonismo para la guitarra de Bennett y el bajo de Cawley, que no será la última vez. Incluye también un espacio para que el saxo deje un solo. La voz de Storie muy metida en el papel deja una huella de color negro acorde al paisaje.

De ese ambiente nos trasladan a otro nuevo escenario (Bitin' grace), con un dominante piano majestuoso arropado por la voz en un tema de tintes claramente sureños. Cuando arranca la guitarra slide nos traslada rápidamente a grandes extensiones al sur del país, allí donde NEIL YOUNG, moldeará el sonido natal de su tierra. Sonido americano que LIMOUSINE aborda en un entramado de guitarras acústicas respaldadas por un brillante piano con amplios apartados de acompañamiento y picados de melodía, incluyendo la armónica, un elemento clave dentro de esta concepción sureña.

La primera cara terminará con un tema de rítmica vistosa y elaborada, Such a lady, such a lover . El bajo y la batería siempre pretenden sorprender al oyente con compases innovadores. El órgano suena fuerte y con sentimiento, muy activo. Se produce nuevamente un cierto acercamiento soul , pero esta vez mezclado con ráfagas de progresivo, aunque nunca van a soltarse la melena haciendo desarrollos instrumentales de cierta extensión. No, son temas muy concretos en los que la fase de jam se queda en muy poco recorrido. Los ritmos distintos e inusuales son la esencia de esta pieza, lo que la hace ágil, vistosa y muy movida.

Al darle la vuelta al vinilo nos topamos con Barriers, un temazo que bien podría pertenecer a KANSAS, o quizá a unos jóvenes JOURNEY. Bajo una capa de rock americano bien reconocible se muestra un potente órgano entrecortado, un imenso bajo junto a su amiga la batería muy activos y agitadores, nuevamente buscando ritmos frescos. Composición nerviosa y diversa que dejará lucirse a la guitarra desbocada de Bennett, pero como ya he dicho sin dar un paso más allá, sin redundancias, ni alegrías de cara a la galería. En su justa medida. Tal vez el corte más completo, una muestra de pomp-rock americano.

Los otros Limousine

Una leve incursión en el sonido jazz viene de la mano de Sidewalk siren. Aparca el órgano y saca relucir para ambientarse más el piano eléctrico. El bajo vuelve a deleitarnos con una rítmica rica en matices, y hace su entrada un sintetizador que hasta estas alturas del disco no se conocía. Exploración sin llegar a profundizar, con acordes inusuales a cargo de la guitarra dentro de una calma tensa que acaba rompiendo en pequeños estallidos para retornar de nuevo a una tensión aplacada. Un ejercicio para poner a prueba la capacidad de improvisación de la guitarra.

Raise your voice comienza con una sección rítmica especial que acompaña hasta final y que es producto estrella en la composición. Hacen nuevamente incursiones de sintetizadores, la voz es arropada por coros y la guitarra se transforma en algo más aguerrida de lo habitual, dándole un cierto aire hard a la pieza cuya estructura se presta más a que así sea. Es un track de poca duración en la que los desarrollos instrumentales escasean.

La coda podría decirse que cierra el círculo. Lighthouse, muy similar al inicio que mencionaba con la guitarra acústica y sus picks, ofrece un corte comprendido por guitarras acústicas, una rítmica y la otra en solitario, a las que se suman una contenida guitarra eléctrica con pedal y un sintetizador de fondo muy sencillo , que apenas trabaja 2 ó 3 notas en una fórmula repetitiva y creciente en volumen hasta llegar a un punto álgido donde la voz calla. Un trabajo finalizado con los picks de apertura de disco.

Un buen disco que puedes descubrir en su versión Limousine o Faith según cómo te aparezca en la red. Canciones dispares en su creación, pero donde se echa de menos un poco de profundidad a la hora de sacar más partido a las composiciones, es decir, algún arranque más arriesgado de los músicos involucrándose cómplices en instrumentales sólidos. Tengo la sensación de que eran capaces de hacerlo, contaban con el potencial para ello, pero su música se quedó estabulada dentro de unos márgenes a mi parecer estrechos. Su continuidad en Faith es desconocida para mí. Pero tengo la intuición de que no superó este notable debut.

ROXY MUSIC - Viva! (1976)

 

Bryan Ferry......................Voz

Phil Manzanera...............Guitarra

Paul Thompson...............Batería

Andy Mackay...................Saxo, oboe

John Wetton...................Bajo

Eddie Jobson...................Teclados, sintetizadores, violín eléctrico

1ª cara:

- Out of the blue

- Pyjamarama

- The bogus man

- Chance meeting

- Both ends burning

2ª cara:

- If there is something

- In every dream home a heartache

- Do the strand

Si en la última reseña escribí sobre los trabajos en solitario de su guitarrista, justo es hablar en este ocasión de la banda a la que perteneció y con quien conocería por primera vez la miel del éxito. Aunque en paralelo hizo sus pinitos, Manzanera en ningún momento abandonó la disciplina de ROXY y contribuyó desde el primero al último de los álbumes que sacaría la banda, disuelta en 1982.

Recuerdo que le compré este disco a Miguel allá por 1989, un colega que tenía una pequeña, muy pequeña tienda en Residencial Paraíso, una especie de urbanización de altos bloques en el centro de Zaragoza. Duró poco la historia, vendía demasiado barato, era una buena persona y en los negocios no se pueden tener muchos escrúpulos si quieres salir adelante. Pero sirvió para abrirme la puerta a un mundo desconocido de grupos, ya que en aquella época, sin internet, la información sobre la música de los 60 y 70, era ROLLINGS, BEATLES....y poco más.

Este disco contiene el testimonio en vivo de la banda, el único que se publicó, al menos durante su vigencia como grupo, luego aparecieron posteriormente otros más completos. Es una recopilación de temas extraídos de distintas actuaciones en conciertos de giras celebradas entre 1973 y 75 coincidiendo con sus inicios y sus 2 primeros álbumes, tal vez su mejor época. También contiene algún corte que nunca fue incluido en Long play, pero sí apareció como single, como es el caso de Pyjamarama, que como se puede apreciar, es una de las piezas más agradecidas por el público, con enfervorizados aplausos. El sonido de la grabación es algo deficitario, pero tengo que decir que ROXY MUSIC, personalmente, es de esos grupos que me gustan más en vivo que en estudio. No es el único caso, me ocurre con otros, y no sé exactamente por qué, pero parecen dar más de sí en concierto que con la producción que hay detrás del disco. No se sí os pasa a vosotros algo parecido.

Se formaron en 1971, en Londres, en un ambiente abarrotado de bandas de blues rock y progresivo, que era lo que más abundaba en la esfera underground en ese momento. Pero contaban con Brian Eno, un tipo singular que iba a tener una trascendencia vital en su seno, a la hora de conformar la personalidad del proyecto. Su visión de los teclados y los ambientes creados con ellos iba un poco más allá, comulgando con la naciente electrónica que surgía en Alemania, inclinándose por la innovación y la experimentación. Sus ansias de exploración hicieron que apenas dos años después de comenzar, dejase la formación para iniciar una carrera meteórica en solitario dentro de la experimentación con sintetizadores, creando gran cantidad de trabajos inéditos y colaborando con otros músicos siempre dentro de la vanguardia musical.

La salida de Eno fue cubierta con gran acierto por Eddie Jobson, un joven que además de aportar gran profesionalidad a las teclas incorporaría al sonido de la banda, el violín eléctrico, un elemento poco corriente entonces, que ya había utilizado con brillantez en CURVED AIR , conocido combo de progresivo al que perteneció durante una temporada. Hay que reconocer que la partida de Brian Eno supuso una gran pérdida, y aunque supieron encajar el golpe con un nuevo trabajo brillante, el concepto musical se resintió, perdiendo gran parte del aspecto experimental que fluía en pos de un sonido más abierto hacia el poprock. Es entonces cuando queda definitivamente consolidado el liderazgo de Brian Ferry, que alguna vez luchaba por imponerse sobre el de Eno.

Ferry, Mackay y Eno habían estudiado juntos Bellas Artes en prominentes escuelas británicas durante los años 60, de ahí proviene la fuerza de las portadas de los Lp's, y de sus presentaciones en vivo. Centrados en el concepto común de la mujer como modelo, siempre cargado de sensualidad y fatalidad, quedará reflejado en el diseño de todas las carpetas, y Ferry escribirá una serie de letras dirigidas siempre a mostrar esos aspectos, envueltos en sueños de bellezas inalcanzables, mujeres integrantes de revistas de moda, fascinantes y de aire pérfido.

En 1976 se abre un largo paréntesis de 3 años, hasta que vuelven a reunirse de nuevo para grabar un nuevo álbum de estudio. Todos sus miembros aprovecharían ese lapsus para publicar sus obras en solitario. Musicalmente ya han perdido gran parte de su personal sonido y se encuentran enfocados en crear canciones más comerciales pero con glamur y cierto prestigio instrumental, triunfando todavía con algunos de sus temas, hasta llegar a 1982 donde pondrán fin a la aventura, pero con buen gusto. Tal vez no se les ha reconocido todo lo que se debería. Su influencia ha sido extensa, muy reconocida en el mundo del punk rock, y en estilos que fueron apareciendo a finales de década, como fue el tecno pop, new romantics, el synth pop o la new wave......

La voz de Ferry fue determinante, entre irónica, frágil e inestable o transgresora, causó sensación desde un primer momento, con ciertos tintes próximos al mago Bowie. Atraerá a los soldados destinados a derrocar el establishment con el punk por bandera. Sin embargo se podían descubrir otros matices en su voz, como la sensualidad, la elegancia, el efectismo, la teatralidad, una nueva forma de tratar los textos que removió algunos cimientos del rock, sobretodo dentro del progresivo que era la esfera donde más se habían involucrado desde el principio, aunque también fueron seguidos por público de otros círculos como el glam o el disco.

Profesaron un rock progresivo que se salía de las líneas generales. Una voz diferente, unos teclados vanguardistas, saxo, oboe, violín eléctrico junto a la fiel guitarra de Manzanera que había nacido de las raíces del blues, pero que camaleónica era versátil y adaptable a las nuevas situaciones que iban surgiendo, capaz de estallar cuando es necesario. Como ya dije, una guitarra nunca bien ponderada, tal vez por su participación junto a dos estrellas, Ferry y Eno, que siempre eclipsaron el trabajo de los demás. El bajo en esta ocasión es mayoritariamente tocado por John Wetton, un ilustre que deja su inestimable huella de la que podemos deleitarnos en esta grabación en directo.

Los temas extensos en general gozan de largas fases instrumentales , con cadencias rotundas, descendentes y compases de 4 tiempos inherentes al rock. El saxo le confiere un aire anárquico y desenfadado con líneas que nublan la melodía de las composiciones a base de cadenas tensas en una función parecida a la que realizaba en muchas ocasiones Jackson con los VDGG. A eso hay que añadir que Ferry saca la vena gamberra, y la anarquía se reboza de exageración vocal, haciendo que la música resulte impredecible en su definición. Tomará buena cuenta de ello David Byrne en sus escarceos con TALKING HEADS, que asumirá el papel de Ferry, así como otros grupos punk y new wave, estableciendo un cariz que crea escuela, donde la voz obtiene un papel provocador y reivindicativo, pasando a un segundo plano su interés melódico.

Ritmos y sonidos de teclado innovadores, con una performance que resalta frescura, remozan toda esa intensidad de saxo y voz comentada, volcados hacia la experimentación en un primer momento en la era ENO, se salen de los marcos establecidos en el progresivo acercándose a otras disciplinas y jugando en los bordes. Su originalidad ejerce una tremenda influencia, cuentan con la saturación de atmósferas cargadas amenazadoras, con un sonido oscuro que recoge y refleja las tristes historias de Ferry.

En síntesis su puesta en escena se puede definir como una amalgama de experimentación, sonidos modernos enfrentados con otros clásicos, integrada la aportación de violín y oboe, eso sí electrificado (clasicismo modernizado) y con feedback, resultando un combinado que aporta nuevas vías de exploración y catálisis: Un puente entre lo antiguo y lo moderno en el rock.

APRIL WINE - On record (1972)

 

Myles Goodwin......................Guitarra y voz

David Henman.......................Guitarra y coros

Ritchie Henman.....................Batería

Jim Clench..............................Bajo y voces

 

1ª cara:

- Farkus

- You could have been a lady

- Believe in me

- Work all day

- Drop your guns

2ª cara:

- Bad side of the moon

- Refuge

- Flow river flow

- Carry on

- Didn't you

 

Canadienses de origen, y liderados por los hermanos Henman, realizaron un rock clásico de guitarras fundamentalmente duro, enraizado en el blues, pero con muchos matices que lo hacen interesante. Han permanecido en todas las décadas estoicamente y han tratado de adaptarse a los tiempos que vivían con mejor o peor suerte, pero ahí siguen, al pie del cañón. Tuvieron la fortuna y exclusividad de entrar en el ponderado 'salón de la fama del Rock'  y contaron con la inestimable  ayuda de Terry Brown como ingeniero, que luego más tarde se convertirían en el inseparable productor de sus compatriotas, RUSH.

 

Inician  la carrera musical en el año 71 debutando con relativo éxito y al año siguiente vuelven a publicar un nuevo disco "On record" donde consiguen colocar uno de sus temas en las primeras listas de éxitos. Cuando comienza la audición, en un principio, los confundes con unos MOODY BLUES de juegos de guitarras acústicas y coros de voces sacados directamente de sus primeros álbumes. Se trata de una introducción que se vuelve a repetir al final, a modo de coda, y entremedias los temas están unidos por una serie de acordes de cariz algo tenebroso que no se corresponden con la música que van trabando, los cuales nos producen una cierta sorpresa porque no sabemos a qué viene aquello.

 

Entonces nos encontramos con un grupo que realiza rock clásico de base tradicional endurecido, que compone temas sencillos construidos sobre riffs adictivos y potentes de sus guitarras. Aún así hay que decir que el disco en concreto es bastante heterogéneo ya que entre guitarrazo y guitarrazo nos presentan intercalados cortes con pasajes de piano muy interesantes, y sobretodo el arropo de arreglos basados en orquesta de cuerda. Composiciones bien cimentadas de melodías cuidadas que les hace adquirir una seña de virtud y versatilidad , demostrando que son algo más que una banda de rock duro entre un montón.

 

Riffs rockeros de talante positivo y desenfadado coinciden con la participación de otras guitarras creadoras de nuevas líneas dentro de las melodías. Gran trabajo de la sección rítmica muy activa en la parte correspondiente al  bajo,  el piano junto a otros teclados se encargará de tejer una textura que confiere a los temas ese aire más progresivo y aperturista, de tal forma que los temas van ganando en intensidad e instrumentación conforme llega el nudo y desenlace de la obra.

Tenemos intervenciones de flauta, cortes de factura más comercial, alguna pieza extraña que se sale de la tónica del cuarteto, armonías vocales muy interesantes, una balada soportada por guitarras acústicas y gran orquestación en el estribillo, algo parecido al boogie rock,  al rock and roll.....en resumen un trabajo variado cuyo armazón está sujeto por las guitarras hard.