RARE EARTH - Get ready (1969)

 

John Parrish...............Bajo, trombone y voz

Peter Rivera...............Batería, coros

Rod Richards..............Guitarra, coros

Kenny James..............Pianos, órgano, coros

Gilbert Bridges...........Saxo, pandereta, coros

1ª cara:

- Magic key

- Tobacco road

- Feelin' alright

- In bed

- Train to nowhere

2ª cara:

- Get ready

De aire algo chicano y vestidos para la ocasión bajo la "Swinging london" de rigor, se presenta el grupo en la portada como una más de la época. Cuando las carpetas diseñadas de los 70 todavía estaban por llegar, lo normal era la foto al completo de la formación sin más. Este es uno de esos discos fundamentales, pero que no es fácil de descubrir, a no ser que alguien te ponga en antecedentes o San Youtube te ilumine, pero nuestro interés va en aumento cuando te dicen que un lado es ocupado por un sola suite de 21 minutos nada menos, y que en single vendió el millón de ejemplares........eso son palabras mayores.

El quinteto en cuestión, procedente de la industrial Detroit, debutaría nada más y nada menos que con el sello Motown, discográfica orientada a impulsar la carrera de bandas negras o de color que mostrasen una calidad y una proyección lo suficientemente alta para ser reclutados, siempre bajo premisas de sonido soul, funk, blues, Rythm'n' Blues, gospel, es decir, todo aquello afín al "black power" que tantos problemas arrastraba por la segregación racial, un movimiento convulso todavía en los años 60 que se encendió más si cabe tras la muerte de su carismático líder Martin L. King en los primeros años de la década. ¿Un grupo de blancos haciendo música negra? Con intención de agradar a todos, la Motown acuñó para los muchachos de RARE EARTH una variante de la misma Motown que se denominó con el mismo nombre de la banda. Anteriormente ya habían publicado un álbum con otra compañía que pasó totalmente desapercibido, y ahora en la Motown, daban a luz Get ready con la etiqueta de primer Lp de la banda, hasta el punto de que debido a la repercusión nadie volvió a nombrar ese primer vestigio de su existencia, pasando a ser considerado oficialmente la presentación de RARE EARTH.

La verdad es que el hecho de que fueran admitidos por la Motown tiene lógica porque su música está impregnada de sentimiento y alma donde se refleja la esencia y tradición negra. El ritmo remarcado define la pauta sólidamente, la voz se eleva limpia, clara, profunda de excelente vocalización y obtiene respuesta en forma de coros que interpelan, adquiriendo una atmósfera soul que se acrecienta con la aportación de los metales. La característica que los aleja del patrón general soul del momento es la guitarra hiriente y psicodélica que rompe con la armonía, pura distorsión que me recuerda mucho en su interpretación y sonido a la del "in a gadda da vida" de los IRON BUTTERFLY, absolutamente corrosiva soltando ácido por el mástil, rasgando los temas internamente. Por supuesto el órgano trabaja en la misma dirección y los ramalazos psicodélicos están a la orden del día, un hammond giratorio con gran peso dentro de las composiciones tanto en solos como en acompañamiento. Otro elemento destacable es la batería que se inclina por una llamativa "caja", unos potentes platillos de chaston y un bombo que no ceja. Es difícil imaginarse la música al completo y su catalogación, puesto que podemos encontrar Rock, soul, jazz, blues, psicodelia, todo ello dentro del mismo envase.

Su rápida incorporación a Motown conllevó que no tuvieran apenas piezas suficientes como para poder prensar un long play. Su plantel contaba con los primeros 5 cortes incluidos en la cara 1. Pero había que llenar toda la cara 2. La solución fue adaptar un tema de apenas 3 minutos, propiedad de THE TEMPATIONS, convirtiéndolo en una superproducción de 21 minutos alucinante, no tiene desperdicio ni nos alienta al aburrimiento, vibrante de principio a fin parece que se grabó en directo, pero no es así, meticulosamente fueron introducidos gritos y aplausos en momentos específicos al milímetro dando el pego y proporcionándole un aire de naturalidad y realismo. Comienza con una introducción a base de saxo y órgano que emboca en el tema principal sonando durante unos minutos hasta apagarse para dar paso a la intervención de cada uno de los músicos que siguiendo la inercia de la melodía y el vivo ritmo nos van a deleitar con 'solos' de cada uno de sus instrumentos, por este orden: bajo - órgano - guitarra - saxo - batería, la cual cierra una actuación en sí fantástica.

Ejercicio que quedará para la posteridad catalogado casi de himno y que una vez ejecutada la suite no volverá a sonar nunca igual en cada una de sus repeticiones, algo comprensible teniendo en cuenta que se trataba de una exhibición musical por instrumento partiendo de la creatividad, inspiración y arte del músico en cada momento. Como apuesta alguna saga de estos libros que aparecen en todos los departamentos de librerías y grandes almacenes, "100 discos que debes oír antes de morir".

BECKETT - Beckett (1974)

 

Terry Wilson - Slesser......Voz principal

Keith Fisher......................Batería

Tim Hinkley......................Teclados

Ian Murray........................Bajo

Robert Barton...................Guitarra

Kenny Mountain...............Guitarra, teclados, voz

1ª cara:

- Once upon a time......the end

- Rolling thunder

- Rainclouds

- Life's shadow

- New dawn chorus

2ª cara:

- A rainbow's gold

- Don't tell me I wasn't listening

- Green grass green

- My lady

- True life story

La breve historia de estos muchachos comienza en Newcastle allá por el año 1970, pero no será hasta 4 años más tarde cuando todas sus fuerzas se reunirán en un único homónimo, que lanzan tras unas profundas transformaciones en el seno de la formación. De hecho su cantante original, Rob Turner, mucho antes muere en un accidente de coche y es reemplazado por Terry Wilson, que ya aparece en los créditos, lo que quiere decir que la grabación ya se llevó a cabo con él formando parte del grueso.

El hecho de convertirse en teloneros de UFO, supuso labrarse una reputación importante a base de actuaciones en directo. Pero tras firmar con una importante compañía financiera, Islands publishing, comenzaron a producirse muchos cambios dentro del grupo con entrada y salida de miembros, esto causó una inestabilidad y una falta de solidez que desembocó en la desaparición como banda, a pesar de contar con personas de peso como el ex-GOBLIN, Ian Murray al bajo o el mismo Terry Wilson. Pero ahí no acaba la cosa, la producción fue dirigida nada menos que por Roger Chapman de FAMILY , un personaje que es toda una institución en el mundo del rock, realizará una labor de gran calibre, que se debe reconocer como todo un acierto.

Considerados como un grupo perteneciente a la facción progresiva principalmente, se mueve por diferentes estadios, pudiendo encontrarlos en círculos de pomp, sinfónicos, pero también abordando material hard, blues, e incluso se adivinan algunas líneas de teclado haciendo algunos escarceos jazzísticos. Pero el aire general que se respira es sinfónico - progresivo, en gran medida como consecuencia de los prodigiosos arreglos, que Chapman va a ir incluyendo en los temas. Arreglos que engrandecen la música del grupo generando un cuerpo denso instrumentalmente, gracias a las orquestaciones de cuerda cuya presencia es tal, que pasan a un primer plano con contundencia en cortes como Rainclouds y Life's Shadow, dotándolas de una musicalidad de gran belleza, puro rock sinfónico del clásico, recordando poderosamente a los entramados creados por Jeff Lynne en la exitosa E.L.O.

Hay una división en el disco entre caras, la primera sumergida completamente en un rock volcado a las maravillas de la ingeniería de Chapman, los arreglos de cuerda buscando la melodía reforzada por sinfonías, ante las que sucumben las guitarras eléctricas que se contienen apareciendo poco y con efectos, tal vez para no dilapidar esa comunión musical, ese ambiente de cámara, y que en su lugar son sustituidas por las acústicas que se adaptan mucho mejor a ese paisaje, una delicia para los amantes de este tipo de sinfónico en el que se transmite una atmósfera de solemnidad y trascendencia.

Sin embargo cuando le damos la vuelta al acetato, los arreglos se relegan y su entrada en escena se hace más reducida, a cambio el sonido crece en fuerza con la guitarra eléctrica que sube su volumen y endurece la música; la sección rítmica acelera y se hace vital con una potencia no escuchada hasta el momento. Arranca con A rainbow's gold una pieza concreta y directa que bien puede servir como anzuelo, donde la guitarra es enérgica. Se empiezan e escuchar coros que se repetirán a lo largo de esta cara y la voz de Terry por primera vez la vamos a apreciar mucho más comprometida y arriesgada adaptándose a la velocidad que se impone. El sonido podría declararse hasta pomp, en la onda de STRONGBOW o RANDY PIE.

En los tracks siguientes no se vuelven a acercar tan claramente a esas sensaciones, pero es cierto que el ritmo se aviva más, descubriendose interesantes riffs de guitarra, solos, e incursiones de teclados con unas características muy jazzys, los efectos de voz se incrementan, y en las guitarras surgen en forma de delays y ecos. Las canciones se reducen en tiempo con una dirección más definida, pero siempre bien surtidas de arreglos de pianos picados y camara de cuerda, aunque no tan profuso y sustancial como en su primer lado.

Buen disco a descubrir por todos los aficionados al rock progresivo y sinfónico, que conforme lo vamos escuchando una y otra vez, vamos encontrando matices y detalles excelentes de esta banda extinguida a las primeras de cambio.

ROCKWORKSHOP - The very last time (1971)

 

Ray Russell........................Guitarra

Daryl Runswick..................Bajo

Bob Downes......................Saxo tenor, flauta

Alan Rushton....................Batería

Tony Roberts.....................Saxo tenor, flauta

Derek Wadsworth.............Trombón

Phil Wainman....................Percusiones

1ª cara:

- Living Reason

- Street war part 1

- Street war part 2

- Going home

- What's mine is mine

-Weeping wood mandalas

2ª cara:

- Forgotten how to live

- Ligth is light

- I think, it's........

- Ella banta dum bundy

- Very last time

El nombre del grupo es acertado, se puede decir que "Taller de rock" encierra con bastante exactitud el espíritu y la atmósfera, que se respira en la banda. Música diversa que se mueve en parámetros similares, pero con aspectos y matices heterogéneos que la convierten en una mezcla difícil de descifrar. Composiciones muy puras y de raíz profunda que muestran la verdadera cara del grupo, sin aditivos, sensaciones internas convertidas en ritmos, dejan entrever que son producto de la inspiración y que fluyen directas, a veces, sin un final premeditado terminan de forma abrupta, sin esperar la cadencia que recomienda el método musical. El mensaje es: 'somos un grupo de músicos que hacemos lo que nos apetece, lo que surge cuando estamos juntos, sin descartes, sin filtros.

Ray Russell es líder en el seno de la formación, guitarra que tras salir del proyecto entrará a formar parte de MOUSE con quienes publicaría un gran disco, Lady killer, del que espero poder hablar más adelante. Compositor y productor que además realizaría la banda sonora de gran cantidad de programas de TV. Antes de The very last time, ya había abandonado filas Alex Harvey, que colaboró casi anecdóticamente en el primero de los 2 únicos Lp's lanzados por el grupo, para fundar la ALEX HARVEY BAND donde alcanzará mayores cotas de reconocimiento. Con respecto al resto de miembros es importante decir que simultáneamente realizaron trabajos con JACK BRUCE o KEEF HARTLEY, por destacar algunos.

Los chicos del taller fueron considerados siempre dentro de la órbita de bandas como BLOOD, SWEAT AND TEARS y CHICAGO TRANSIT AUTHORITY. El sello discográfico de los primeros intentó ficharlos, pero el combo se negó a estar a su servicio, no querían caer en la tentación de convertir su sonido en algo más comercial, tal vez por ese afán de independencia no llegaron a triunfar como era debido y su vida terminó siendo corta.

El álbum es un cocktail de ideas diferentes encauzadas a través del soul y el jazz principalmente, con una importancia notable para los instrumentos de viento que trabajan tanto en estribillos y melodía como en los arreglos, junto a un intenso piano que colabora con acciones ligadas a metodología del blues y a veces con incisivos picados que coinciden con la onda y el ambiente de SPIRIT OF JOHN MORGAN. La línea del bajo tiene el mando, el poder de generar el ritmo al que se van a sumar el resto, todo un motor diesel que bombea sin prisa pero sin pausa, marcando un tiempo acrecentado por la batería. La voz, se muestra desgarrada, negra es su performance, está compuesta por un dúo que trabaja alternando, una masculina y la otra femenina, en un diálogo constante de replica y contestación que lo hace ágil y atractivo. La guitarra de Ray es una caja de sorpresas, mostrando todo tipo de registros, trabajando distintas disciplinas, funky en forgotten how to live, jazz en I think it's.... , hard en Ella banta dum bundy, blues y psicodelia en Street war......todo un repertorio que nos da una idea bastante fiel de la gran capacidad del guitarrista.

Los metales suplantan en cierta forma a los teclados (el órgano se llega a dejar escuchar en un corte ocasionalmente), a la hora de hacer cobertura en las melodías de las jams, composiciones muy libres, con gran aportación de inspiración e improvisación atacando todo tipo de disciplinas, blues, rock, jazz, soul, pinceladas de progresivo (light is light) siempre desde una óptica free en la que los instrumentos se acoplan, se mimetizan sobre la estela descrita por el líder del momento, sabiendo cómo se empieza pero casi nunca como se acaba, los temas surgen, se extienden, se reconstruyen, giran, en una evolución casi constante en la que se respira la libertad y la creatividad a la que no se pone límite.

El último corte es el que da título al álbum, es el más elaborado sin duda, con más melodía que cualquiera de los demás, concretiza la música con una estructura clara. La que más producción comprende, con efectos que no hallaríamos más atrás. Es una pieza trabajada de principio a fin que deja patente la labor en estudio más preparada de todas. Su atmósfera es accesible desde el inicio, soul entremezclado con un progresivo más marcado que en otras ocasiones.

Pone punto final a la grabación lo que parece un bebe de pocos meses que llora, podríamos entenderlo como la consolidación de la "criatura", pero en realidad supuso su muerte como proyecto musical.

SOLUTION - Cordon Bleu (1975)

 

Guus Willemse..................Voz principal, bajo, guitarra

Willem Ennes....................Órgano, piano piano eléctrico

Tom Barlage......................Saxofón, flauta, percusiones, coros

Hans Waterman................Batería

1ª cara:

- Chappaqua

- Third line part 1

- Third line part 2

- A song for you

2ª cara:

- Whirligig

- Last detail part 1

- Last detail part 2

- Black pearl part 1

- Black pearl part 2

Este sería el 3º álbum de estudio de los holandeses SOLUTION, una banda situada en segunda fila que no consigue grandes logros dentro de la esfera de grupos progresivos en los 70. En sus inicios realizaron una música volcada a la creación de largos pasajes instrumentales dentro del rock sinfónico decantados hacia territorios jazzísticos fusionados con el rock. Muestran la profesionalidad de los músicos, pero no consiguen enganchar al gran público con unas obras muy técnicas y enrocadas pero carentes de espíritu, frías y mecánicas con sonido más bien oscuro, caracterizado por la sensación de intriga y tensión que podría tener cabida en las bandas sonoras de ciertos filmes. La voz aparece en algún pasaje, pero podemos considerarlos trabajos prácticamente instrumentales, interesantes para gente más acérrima al estilo.

Ante los poco prometedores resultados buscarán un revulsivo que pueda hacer cambiar la tendencia y obtener una fórmula que atraiga y no desvirtúe su estilo. Gus Dudgeon, productor británico de unos cuantos artistas, entre ellos Elton John se interesó por estos oriundos de Groningen. Inmediatamente ficharán por la compañía que había fundado Gus: The Rocket Record Company. Para empezar supuso que las giras se multiplicaron por tierras británicas, perfecto para darse a conocer a un público receptivo en la materia.

El efecto de esta nuevo proyecto sería el disco Cordon bleu del que hablamos aquí. Un producto que se aleja de la crudeza de la música que en ese momento adoptaba la banda. El sonido se vuelve más cálido y por tanto más atractivo ganando en dinamismo y desatascando las largas jams instrumentales en las que se sumían. Las melodías son cuidadas distando de pasajes instrumentales oscuros, olvidándose de notas tensas y patrones de acordes atonales. Se van a cuidar los arreglos, que suelen ser de piano y piano eléctrico refrescando la melodía, en la que el saxo tendrá un protagonismo especial, nada que ver con el de grupos como VAN DER GRAAF GENERATOR donde aporta una sensación de desasosiego. Al contrario es un elemento positivo que insufla fuerza y diversidad a las composiciones.

La voz va ganando posiciones en algunas de las piezas, que aún siguen conservando minutos instrumentales pero siempre alejados de frías versiones, dulcificadas por teclados que trabajan de fondo creando tapices deliciosos e incluso cristalinos. La mano de Gus Dudgeon se extiende a lo largo de todas las creaciones quedando patente su influencia. La música está plena de melodías que llaman la atención poderosamente siguiendo patrones de un rock sinfónico que se funde con soft rock, con unas pinceladas de jazz que provienen sobretodo de la base rítmica, una maravilla convertida en el motor del álbum clave para el éxito. Tal vez piezas como Third line y a song for you caen demasiado en la comercialidad, pero se les perdona porque el resto del trabajo goza de gran versatilidad con pasajes que cautivan a cualquier buen amante de la música.

Sin duda el primer tema, Chappaqua, muy positivo, es el que mejor resume la esencia de la obra completa. Un corte extenso y completamente instrumental con gran cantidad de cambios, donde brillan con luz propia todos los instrumentos capaces de crear una textura y una melodía que nos hace vibrar, en la que podemos descubrir fragmentos de rock sinfónico y jazz en una fusión perfecta con una base rítmica de gran vistosidad, en gran parte culpable de esa gran calidad.

En resumidas cuentas un álbum que dio un giro al estilo de la banda y que como en otras ocasiones sería fuente de conflicto, siendo aceptado por una facción de los seguidores y defraudando a la otra. En mi opinión creo que el giro fue positivo, aunque no suelo defender que los grupos se aproximen a sonidos comerciales, reconozco que en esta ocasión la labor de Gus Dudgeon fue acertada, consiguiendo que la banda alcanzara mayores cotas de popularidad sin perder sus raíces. Lo que vino después ya no sería comparable con lo establecido en este Lp. La senda a seguir parecía definida, pero la evolución se enfocó hacia sonidos cada vez más "softs" de manera que el grado de comercialidad empezó a ser preocupante.

ONE - Same (1969)

 

Alan Marshall....................Voz, congas, pandereta, guitarra

Kevin Fogerty....................Guitarra

Bobby Sass........................Órgano, guitarra y piano

Norman Leppard...............Saxofón y flauta

Conrad Isadore..................Batería

Brent Forbes......................Bajo

1ª cara:

- Don't listen to me

- Cautiously

- Stop pulling and pushing me

2ª cara:

- Near the bone

- Run, Shaker life

La concepción de este álbum fue fruto de un grupo de músicos que se dedicaron en su mayoría a realizar sesiones y trabajos en estudio para otras bandas, algo que ya hemos encontrado en la historia en más de una ocasión. Recuerdo por ejemplo el disco de BRAM STOKER, ejemplar único confeccionado por músicos de sesión, ya comentado en el blog y no volvería a saberse más de aquella agrupación.

La grabación se llevó a cabo en los estudios de Fontana, un sello situado en pleno corazón del Soho londinense, donde se tramaron proyectos raros y únicos. ONE estaba compuesto por músicos de ascendencia india, hijos cuyas familias habían buscado fortuna en Inglaterra, y por amigos de la infancia de algunos de ellos.

Alan Marshall tocaría con Peter Bardens en los 70's , Norman Leppard estuvo integrado en la banda de Aynsley Dunbar y Conrad Isadore el más prolífico de todos tocó con gran variedad de artistas

Poco más se sabe de este sexteto que basó su estilo en un soul cargado de rock progresivo, blues, algo de funky y también psicodelia. Se puede decir que es un compendio de muchas tendencias mezclado y batido en una coctelera con un resultado irrepetible, que rezuma libertad en su música, con grandes dosis de interpretaciones inspiradas en la improvisación de algunos de sus instrumentos que arrastran al resto. Sus temas son escogidos de miembros del panorama de entonces con predilección por las creaciones de Richie Havens, quien copa con 3 cortes de 5 existentes. Extensas jams que giran en torno a los mismos riffs y que ellos se encargan de desgranar con improvisaciones que le dan muchas veces un aire de free jazz propulsado sin piedad por una base rítmica aplastante. Fenómeno que le da un vigor y una fuerza a las melodías que los convierte en gran parte del éxito y del protagonismo, una maquinaria engrasada donde batería y bajo se entienden a las mil maravillas, metiéndonos el ritmo en el cuerpo que nos impulsa a mover los pies.

La paleta de instrumentos es diversa, topándonos con secciones de metal muy propias del soul que hacen coros en frases de temas como Don't listen to me y Stop pulling and pushing me. El descanso necesario para volver a la carga lo tenemos en Cautiously, una pieza extensa y tranquila en la que la flauta se erige en figura destacada con desatados movimientos muy libres. La melodía poco a poco va creciendo para introducir otros instrumentos como el violín , el chelo, etc. alcanzando un status que bien podría considerarse obra de unos KING CRIMSON de la 1ª época con el piano singular de Keith Tippett e Ian McDonald en sus filas.

La estrella del álbum es Run, Shaker life, una suite de Richie que se alarga más allá de los 15 minutos con un ritmo que nos bombardea desde el primer momento y en el que la sugerente voz de Alan da paso a una melodía que poco a poco se va deformando para convertirse en un lienzo en el que cada instrumento va dibujando todo aquello que considera más apropiado, entrando y saliendo entre ellos según el grado de inspiración. La flauta lanza destellos psicodélicos, el órgano profundiza capas ambientales hasta que da señales de vida y nos ofrece pasajes psicodélicos y progresivos, de la misma manera que la guitarra eléctrica se muestra fuerte, suave, psicodélica o entra en fase funky.

Todo un conglomerado de energía y creatividad sin límite, difícil de clasificar, pero que atrapa el oído del público con su ritmo contagioso y su variedad en la forma de expresión libre, y por supuesto su profesionalidad, con una producción y arreglos en la que colaboran dos de sus miembros.

BRAND X - Unorthodox behaviour (1976)

Robert Lumley...............Teclados, sintetizadores, voz

Percy Jones....................Bajo

Phil Collins.....................Batería, percusiones, voz

John Goodsall................Guitarra

 

1ª cara:

- Nuclear Burn

- Euthanasia waltz

- Born ugly

2ª cara:

- Smacks of euphoric hysteria

- Unorthodox behaviour

- Running on three

- Touch wood

 

El proyecto se forjó en 1975 pero la formación más carismática y talentosa llegaría un año más tarde, sacando a la luz su ópera prima Unorthodox behaviour, un álbum que para nada asociaríamos con una banda novata que acaba de empezar su andadura en la vorágine y menos aún haciendo jazz rock o fusión ( no sé muy bien donde está la diferencia entre un término y otro). Pero es que el equipo se va a nutrir de intérpretes que están especializados en su instrumento, y además cuentan con su principal motivación que no es otra que disfrutar juntos. Hay buen rollo y calidad a raudales entre ellos y eso va a ser un coctel fundamental en la consecución de los objetivos. Vivirían dos claras etapas, una de 1976 a 1980 y otra muy posterior de 1992 a 1999.

 

No son músicos muy conocidos y poca información relevante hay al respecto, salvo nuestro amigo Phil, que todos los amantes del progresivo conocemos de toda la vida. Peter Gabriel había abandonado la nave cuando el viento soplaba a favor, y el resto de componentes incluido Phil se quedaron a cuadros. Como ya conocemos el resultado, no hay más que mencionar, simplemente que Collins con cierta sorpresa para todo el mundo, se haría con la parte vocal de la banda siguiendo adelante con la frente bien alta. El caso es que éste al cambiar la baqueta por el micro dejó aparcado su instrumento en favor de Chester Thompson, que iba a ser quien siempre estuviera al frente en las reuniones y conciertos. De esta forma para resarcirse de su necesidad de Batería, Collins ingresa en BRAND X, para tocar allí, compaginando su doble vida musical como puede. Nada fácil. Dejaría tirado al grupo en numerosas ocasiones debido a sus constantes obligaciones en comparecencias, giras y festivales con GENESIS.   

 

Aclarado el origen de su nacimiento vamos a centrarnos en su manera de componer y su estilo. Desde el principio queda muy claro que su vertiente es el jazz mezclado con rock, y su obra inicial ya da muestras de osadía y ambición en este sentido. El talento fluye abundante y las incursiones explorando nuevas sensaciones se encuentran a lo largo de toda la obra. El trabajo de la base rítmica es excelso, Collins se come la batería literalmente, es todo un coloso, un portento al otro lado del bombo, no deja de asombrarnos una vez tras otra. El bajo no le anda lejos y ambos conforman un combo de alto octanaje que da vida y vértigo a las composiciones.

 

 Jazz de concepción ligera aunque eso no significa que no sea retorcido y complejo en su interpretación, siempre derivando hacia paisajes rock con constantes cambios de ritmo adquiriendo enorme dinamismo. En sonido de los teclados es predominante y llevado a cabo por sintetizadores de aguas cristalinas, atmósferas etéreas, suaves y expansionistas, abundancia de campanilleos, recordando a BRIAN AUGER y su OBLIVION EXPRESS ó MAHAVISHNU ORCHESTRA. Trabajos instrumentales densos a la par que aéreos, muy elaborados, que denotan una predilección por el perfeccionismo, y es que el grupo funciona sincronizado, muy compenetrado, donde los instrumentos son exprimidos alcanzando cotas altísimos de ímpetu. 

 

El comienzo es impresionante con Nuclear Burn, un torpedo veloz que nos sacude cualquier tipo de letargo donde nos dejan clara su calidad frente al instrumento y una capacidad técnica bestial. Con un trasfondo funky muy identificado en su guitarra y un carácter festivo, encontramos Born ugly, una pieza extensa que circula por varias fases imbuidas de exploración, el piano toma la iniciativa y nos conduce a otra dimensión que se inicia con una serie de platillos siseantes, ambientes acuosos y una recreación de carácter crimsoniano bajo un suelo de cristal, terminando con un sonido más dirigido hacia el rock. Continúan los mismos recovecos crimsonianos, con una batería muy a lo Bruford en Smacks of euphoric hysteria construido sobre sonidos artificiales y guitarras sintetizadas, como novedad. Unorthodox behaviour, sumergido nuevamente en escenas del rey carmesí, porta una sección rítmica oscura, guitarras rasgadas y punteadas tenues, acompañado de un teclado que rompe el ambiente agobiante, un tema muy experimental y sombrío. Otro corte destacables es Running on three, nuevamente levantado sobre guitarras funky de acompañamiento y una guitarra al estilo de SOFT MACHINE en su última época, coincidiendo con Allan Holdsworth al instrumento, donde la ejecución es un verdadero vendaval.

EDEN ROSE - On the way to eden (1970)

 

Henry Garella....................Teclados

Christian Clairefond...........Bajo

Michel Jullien....................Batería

Jean Pierre Alarcen...........Guitarra

 

1ª cara:

- On the way to eden

- Faster and faster

- Sad dream

- Obsession

2ª cara:

- Feeling in the living

- Travelling

- Walking in the sea

- Reinyet number

 

Magistral álbum póstumo, testigo único de su existencia, iban a dejar las que serían las raíces de otra banda llamada SANDROSE, de la que ya he comentado en Las Tierras...........Tras una rauda grabación que llevó pocos días, la mala relación constante con su productor hizo que los lazos se rompieran definitivamente entre los miembros de la banda y su colega de producción. El cuarteto seguiría adelante pero ya no con el mismo nombre, sino con el susodicho SANDROSE,  la única variación es que incorporarían voz y letras a sus composiciones.

 

Pero ya digo que antes nos dejaron esta joya inmersa en una vasta cantidad de obras olvidadas. Una colección de piezas instrumentales que asombra por su sofisticación en la ejecución, demostrando que se trataba de músicos muy cualificados entre los que se encontraba Jean Pierre Alarcen un guitarrista muy cotizado en el mundo de las sesiones de estudio de grabación.

 

El sonido rezuma frescura y calidad por los cuatro costados destacando el papel preponderante de los teclados, que llevan el peso de las melodías y es elemento vertebrador de las composiciones. El estilo es muy abierto circulando siempre sobre patrones de germen jazzístico con toques de psicodelia procedentes del órgano que destila ácido entre sus juntas y con estimable presencia de ritmos muy 'grooves'  que nos arrastran a conectar rápidamente.

 

Tienen cierta relación con bandas en las que los teclados mandan, power tríos de la naturaleza de THE NICE, ELP, QUATERMASS pero sin adoptar una posición tan rockera o progresiva y sin alcanzar esos tonos épicos y parrafadas de teclados exacerbados que llegan en ocasiones a agotar. Apuestan por territorios cercanos al free-jazz y al sonido de las tierras de Canterbury. Y es que su homónima On the way to eden, desprende ese aire puro e ingenuo de las primeras obras de CARAVAN, con un sonido muy afín a los ingleses, cuando la ilusión flota en el ambiente. Faster and faster contiene un poderoso groove que nos lleva en volandas como dice su rótulo, 'cada vez más rápido', con intervenciones de guitarra y piano realizando desarrollos rocambolescos y picados irrepetibles. Sad dream podría pertenecer a cualquier álbum de la discografía de los enormes y nunca bien ponderados PROCOL HARUM, con un Alarcen emulando a Trower sobre un fondo de teclados y piano con cadencias propias de A whiter shade of pale o Homburg. Un acelerado ritmo nos introduce en Obsession dejándonos sin aliento desde el primer momento, sin cese hasta el final. El trabajo de jazz de la guitarra es complejo y el órgano levanta auténticas montañas rebosando de picados de todo tipo en secuencias enmarañadas.

 

Al otro lado del acetato encontramos Feeling in the living, de nuevo groove con el que sintonizamos, una estructura simple de rock con espacio para las disertaciones intercaladas entre Henry y Jean Pierre. Muy similar al anterior es Travelling, donde destaca el órgano ácido y endiablado y nuevamente potente groove electrizante. Walking on the sea es una de las pocas paradas, un descanso entre la aceleración a la que estamos sometidos. Suave órgano, guitarra preciosa adornando la melodía, gran sensibilidad reinante. Pero el final es apoteósico elevando el sonido hasta un clímax final donde la guitarra acaba desatada. Ritmo y puro feeling ponen el cierre con Reinyet number, un tema de jazz en la máxima expresión de la palabra donde una vez más se relevan órgano y guitarra en las intervenciones.

 

Es un disco de vértigo (no del sello...je,je), vertiginoso quiero decir, porque su escucha sucede rápida, sin tiempo casi a degustar y digerir. Pero no cabe duda de que se trata de un producto interesante, al que si hay que poner 'peros' tal vez sea su falta de elementos diferenciadores, variedad.....vamos, su exceso de homogeneidad en las composiciones y una voz que se echa de menos.

PASSPORT- Cross-collateral (1975)

Wolfgang Schmid.........Guitarra y bajo

Kristian Schulze............Órgano, piano eléctrico

Curt Cress.....................Batería, percusiones electrónicas

Klaus Doldinger............Saxo, moog, mellotrón, piano eléctrico

 

1ª cara:

- Homunculus

- Cross-collateral

2ª cara:

- Jadoo

- Will-o'the-wisp

- Albatross song

- Damals

 

Una de las pocas bandas de jazz rock alemanas con más proyección internacional y más prolíficas en cuanto a discografía se refiere. Crearán un estilo propio y su influencia sobre otros grupos de la esfera jazz y rock será enorme sobre todo de cara a los años 80. La profesionalidad de sus músicos no da lugar a dudas, se encuentran entre la élite derrochando virtudes en cualquier instrumento.

 

Es difícil hallar grupos con un sonido semejante al de PASSPORT, su singularidad es muy pronunciada, pero advertimos estadios muy parecidos a los de SOFT MACHINE, en sus años finales más electrónicos como son los de discos como "Softs" o "Bundles", centrándose en la estructura de fusión que articula y en el uso del saxo. Pero también existe comparativa con grupos como GONG, BRIAN AUGER o incluso en términos de rock progresivo con NOVALIS, compatriotas que tienen ese "no se qué" marca de la casa germana, que los hace reconocibles.

 

Tremenda calidad en su fusión de rock, jazz, y electrónica me atrevería a decir también. Los efectos espaciales y cósmicos están a la orden a lo largo de toda la obra, las composiciones de ambientes abiertos y aéreos es moneda corriente. Sobre esas atmósferas ligeras las secciones de viento, y en concreto el saxo se ocupan de construir las intrincadas melodías difíciles de seguir, produciendo una sensación anárquica y de improvisación. Los teclados fluyen en su caso como capas suaves adheridas a esas atmósferas volátiles utilizando sintetizadores y sonidos de todo tipo.

 

Música virtuosa, fulgurante y súbita. Cuando el saxo cede la preferencia a los teclados entonces acercan posiciones más cercanas a rock progresivo en las que las guitarras que están muy encubiertas sorprenden por su acento fuzz pronunciado cuando tienen vía libre.

Combinación de segmentos de melodías certeras con inspiraciones creativas a cargo de la guitarra , del piano eléctrico o del saxo. Magnifico nexo entre batería y bajo con presencia muy marcada en los inicios de los temas, desarrollan una labor apabullante. "Cross-collateral", "Jadoo" son piezas que corroboran ese trabajo de la sección rítmica.

 

En el tramo final un tema de soft-rock a ritmo andante y con una guitarra española (Damals) pone punto final a un conjunto de composiciones de excelente factura. Las conclusiones son muy positivas, te lo aseguro.

IF - If (1970)

J.W. Hodgkinson.............Voz

Therry Smith..................Guitarra eléctrica

Jim Richardson...............Bajo

Dennis Elliott..................Batería

John Mealing..................Teclados y voz

Dave Quincy...................Saxofón

Dick Morrissey...............Saxofón, flauta

 

1ª cara:

- I'm reaching out on all sides

- What did I say about the box, Jack?

- What can a friend say?

2ª cara:

- Woman, can you see (what this big thing is all about)

- Raise the level of your conscious mind

- Dockland

- The promised land

 

Podemos afirmar que estamos ante una genial banda precursora del sonido jazz-rock, fusión o free jazz, como queramos encuadrarlo. Como contraposición a grupos que surgían al otro lado del Atlántico, como CHICAGO ó BLOOD SWEET AND TEARS que se habían encaminado en esa senda, IF nace en Inglaterra para trabajar en el mismo sentido, convirtiéndose en unos de los primeros en hacerlo dentro del viejo continente.

 

 

En cuestión de 5 años, fueron capaces de facturar 8 Lp's de estudio y algunos en directo, y además rayando todos a un nivel alto, cosa nada fácil si tenemos en cuenta que hubo un momento en que la disolución del proyecto dio lugar a un renovado sexteto, donde solo repetirá el alma mater de la criatura, Dick Morrissey.

 

 

Este álbum es el primero de su carrera, y si de algo nos damos cuenta al escucharlo, es que no son unos muchachos con ganas de tocar sus primeros temas, sino que está compuesto por miembros que saben lo que hacen, gente profesional, bien preparada con un nivel compositivo de arranque muy maduro.

El peso de la música descansa en la sección de metales ocupada tan solo por saxofones y flauta, algo irregular en este tipo de formaciones donde suelen residir trompetas o trombones como núcleo principal, eso le da un punto de exotismo. Otro instrumento esencial es la guitarra de Smith que se presta muy activa con el tono agudo y sutil de las bandas de jazz deleitándonos con punteos exquisitos y caracoleados varios. Se trata de la facción más jazzy, la que aporta todo ese colorido y diversidad, la que genera dinamismo y proporciona ese espíritu soul que se respira en muchas ocasiones, acompañado de unas gotas de origen tropical. 

 

 

La estructura o armazón donde encaja todo esto es una plataforma amplia, en la que los teclados se ocupan de crear la cadencia y tonalidades en las que se moverán y deberán seguir saxos y guitarra.  El patrón, los movimientos y saltos que se producen están arraigados en el rock progresivo clásico, de manera que hay un equilibrio entre el rock de la base rítmica y el feeling jazzy del resto que lo convierte en un producto atractivo para el público, amén de la calidad de las composiciones.