LIMOUSINE - Limousine (1972)

 

Carl Storie................Voz

Mark Cawley............Bajo y coros

David Bennett..........Guitarra

John Cascella............Teclados y coros

David Barnes............Batería

1ª cara:

- A song for Monique

- Sometimes

- Bitin' grace

- Such a lady, such a lover

2ª cara:

- Barriers

- Sidewalk siren

- Raise your voice

- Lighthouse

Este quinteto nació en Muncie, Indiana, una pequeña ciudad al sur de Chicago. Su búsqueda en la red ha sido complicada, sobretodo por denominarse como el macro-vehículo que ahora está de moda en las despedidas de soltero/a. Pero ahondando más en la investigación de esta escurridiza banda, me he ido a topar con algo sorprendente que no podía imaginar y que ha resultado ser la causa de la poca información repartida en internet.

Parece ser que estos chicos lanzaron este primer álbum, y poco después se vieron obligados a cambiar de nombre, hubo algunos errores en las tramitaciones de los derechos implícitos, y habiendo una formación en Europa que ostentaba ese nombre ya, no hubo alternativa, teniendo que dejar de llamarse Limousine. Las consecuencias fueron negativas para todo el mundo, y en concreto para ellos más. Dejarían su casa discográfica fichando por Brown Bag Records, su nuevo sello y decidirían adoptar como denominación, el cristiano nombre de FAITH. Todos los discos editados como Limousine existentes en las estanterías de las tiendas fueron devueltos automáticamente prohibiendo su venta. Pero está claro que algunos que ya habían sido adquiridos por fans, escaparon a la quema......como el que tengo entre mi colección, obtenido de segunda mano, claro está.

Seguí informándome sobre ellos ya como FAITH, surgieron en 1973 un año después, y su desaparición como tal será en 1979 en plena revolución musical. Mira por donde resulta que su primer álbum, de título homónimo, te pones a escucharlo y descubres que se trata de un refrito de los temas pertenecientes a la era LIMOUSINE. Algunos cortes simplemente cambiaron el título original, otros quedaron igual, otros fueron suprimidos y después introdujeron alguno grabado ya para la nueva época. Pensándolo bien, era de esperar algo así. Un álbum que había sido enterrado para todo el mundo suponía un desperdicio muy valioso. Había que darle salida a aquellos magníficos temas de su primer disco.

Pero como tengo el original de Limousine, y no el de Faith, al hablar de su valor musical me referiré estrictamente al primero. Como ocurre con el debut de muchas bandas, su sonido se puede calificar de heterogéneo, donde se adentran en muchas disciplinas, acercándose a diferentes estilos, sin dejar clara la dirección a tomar musicalmente hablando. Es un cóctel de diferentes ingredientes que conforme lo vamos probando, mejor sabor nos va dejando.

De inicio nos reciben con una suave y cortísima melodía dedicada a Monique, tan solo unas picks limpios en las cuerdas de la acústica, pero eso sí, deliciosamente cortos en su concepción. Una entrada que nos deja rápidamente un buen sabor de boca. Después saltan a una pieza, Sometimes, repleta de vientos en los arreglos, todo un temazo con feeling concebido en base a una mezcla de soul y blues con estupendos coros de voces en un estilo a los BLOOD SWEAT & TEARS. Protagonismo para la guitarra de Bennett y el bajo de Cawley, que no será la última vez. Incluye también un espacio para que el saxo deje un solo. La voz de Storie muy metida en el papel deja una huella de color negro acorde al paisaje.

De ese ambiente nos trasladan a otro nuevo escenario (Bitin' grace), con un dominante piano majestuoso arropado por la voz en un tema de tintes claramente sureños. Cuando arranca la guitarra slide nos traslada rápidamente a grandes extensiones al sur del país, allí donde NEIL YOUNG, moldeará el sonido natal de su tierra. Sonido americano que LIMOUSINE aborda en un entramado de guitarras acústicas respaldadas por un brillante piano con amplios apartados de acompañamiento y picados de melodía, incluyendo la armónica, un elemento clave dentro de esta concepción sureña.

La primera cara terminará con un tema de rítmica vistosa y elaborada, Such a lady, such a lover . El bajo y la batería siempre pretenden sorprender al oyente con compases innovadores. El órgano suena fuerte y con sentimiento, muy activo. Se produce nuevamente un cierto acercamiento soul , pero esta vez mezclado con ráfagas de progresivo, aunque nunca van a soltarse la melena haciendo desarrollos instrumentales de cierta extensión. No, son temas muy concretos en los que la fase de jam se queda en muy poco recorrido. Los ritmos distintos e inusuales son la esencia de esta pieza, lo que la hace ágil, vistosa y muy movida.

Al darle la vuelta al vinilo nos topamos con Barriers, un temazo que bien podría pertenecer a KANSAS, o quizá a unos jóvenes JOURNEY. Bajo una capa de rock americano bien reconocible se muestra un potente órgano entrecortado, un imenso bajo junto a su amiga la batería muy activos y agitadores, nuevamente buscando ritmos frescos. Composición nerviosa y diversa que dejará lucirse a la guitarra desbocada de Bennett, pero como ya he dicho sin dar un paso más allá, sin redundancias, ni alegrías de cara a la galería. En su justa medida. Tal vez el corte más completo, una muestra de pomp-rock americano.

Los otros Limousine

Una leve incursión en el sonido jazz viene de la mano de Sidewalk siren. Aparca el órgano y saca relucir para ambientarse más el piano eléctrico. El bajo vuelve a deleitarnos con una rítmica rica en matices, y hace su entrada un sintetizador que hasta estas alturas del disco no se conocía. Exploración sin llegar a profundizar, con acordes inusuales a cargo de la guitarra dentro de una calma tensa que acaba rompiendo en pequeños estallidos para retornar de nuevo a una tensión aplacada. Un ejercicio para poner a prueba la capacidad de improvisación de la guitarra.

Raise your voice comienza con una sección rítmica especial que acompaña hasta final y que es producto estrella en la composición. Hacen nuevamente incursiones de sintetizadores, la voz es arropada por coros y la guitarra se transforma en algo más aguerrida de lo habitual, dándole un cierto aire hard a la pieza cuya estructura se presta más a que así sea. Es un track de poca duración en la que los desarrollos instrumentales escasean.

La coda podría decirse que cierra el círculo. Lighthouse, muy similar al inicio que mencionaba con la guitarra acústica y sus picks, ofrece un corte comprendido por guitarras acústicas, una rítmica y la otra en solitario, a las que se suman una contenida guitarra eléctrica con pedal y un sintetizador de fondo muy sencillo , que apenas trabaja 2 ó 3 notas en una fórmula repetitiva y creciente en volumen hasta llegar a un punto álgido donde la voz calla. Un trabajo finalizado con los picks de apertura de disco.

Un buen disco que puedes descubrir en su versión Limousine o Faith según cómo te aparezca en la red. Canciones dispares en su creación, pero donde se echa de menos un poco de profundidad a la hora de sacar más partido a las composiciones, es decir, algún arranque más arriesgado de los músicos involucrándose cómplices en instrumentales sólidos. Tengo la sensación de que eran capaces de hacerlo, contaban con el potencial para ello, pero su música se quedó estabulada dentro de unos márgenes a mi parecer estrechos. Su continuidad en Faith es desconocida para mí. Pero tengo la intuición de que no superó este notable debut.

ANDY FRASER BAND - Andy Fraser band (1975)

 

Andy Fraser...................Bajo, voz

Kim Turner....................Batería

Nick Judd.......................Teclados

1ª cara:

- Don't hide your love away

- Changing man

- Ain't gonna worry

- I wanna be there

- Bring it on home

2ª cara:

- Double heart trouble

- Keep on loving you

- Love is all around

- Baby forever

Joven bajista que adquiere una inusitada notoriedad de la noche a la mañana, debido a su co-autoría en la escritura del hit "All right now" de FREE junto a Paul Rodgers. Un tema que alcanzará cotas de reconocimiento muy altas en todas las radiofórmulas del mundo. Una acertada canción que sirviendo de lanzadera, eleva definitivamente al grupo FREE a los altares, una banda donde recaló Andy Fraser a los 17 años cuando la formación era incipiente, gracias a la recomendación de un peso pesado, Alexis Korner, quien ya conoció a Andy cuando solo era un adolescente, a través de un compañero de estudios. Alexis fue todo un impacto para Andy que lo tomó como si de su propio padre se tratase. Con solo 15 años tocó el bajo junto a uno de los padres del Blues blanco, John Mayall, sugerido por el mismo Korner, pero se puede decir que fue meramente anecdótico, ya que fue por un corto periodo.

Andy en 1971 saldría de FREE, para luego volver de nuevo y posteriormente un año después abandonar definitivamente; lo que nos hace pensar que este muchacho era algo inquieto en sus decisiones. Tras salir de la famosa formación se involucró en la creación de otra banda, TOBY, y seguidamente el grupo SHARKS, pero tras un digno álbum de debut bien considerado por la crítica se marchará en 1973; está claro que Andy es un culo de mal asiento.

Finalmente en 1975 termina fundando su propia banda, ANDY FRASER BAND, tal vez lo que hacía tiempo estaba buscando. Aunque el legado es muy escueto, tan solo 2 discos en su haber, y además ambos del mismo año, su homónimo y otro titulado "In your eyes". Contará en su formación con un batería y un teclista, sin incluir extrañamente de forma fija una guitarra . Luego una vez más disolvería la sociedad, algo que creo no nos sorprende demasiado y se marcharía a California para dedicarse a escribir para otros. En los años 80 volvería a sacar discos en solitario, pero la repercusión en esos tiempos fue mínima. En 2015 muere posiblemente a causa de un cáncer. Viendo la trayectoria de este hombre en su vida, me pregunto, si llegó a alcanzar sus deseos musicalmente hablando, porque tal como parece no fue así.

**FREE**

Su primer álbum abanderando el que será su propio combo es un conjunto de rock clásico en la misma dirección de grupos como FREE, el poso de este grande le influye, es un disco agradable, aunque peca posiblemente de ser algo monótono, los temas están estructurados en una dinámica muy análoga unos de otros, donde el teclado es la columna vertebral en la que engancha la melodía, con un sonido que no suele variar del piano eléctrico y similar. La voz de Andy es correcta y su estilo semeja mucho a la de su antiguo compañero Paul Rodgers en la cadencia y timbre, con sentimiento y con compañía de coros. La guitarra a cargo de Peter Carr y Jimmy Johnson, es un elemento unificador que se muestra en la mayoría de las ocasiones más bien opaca, con sonidos modelados generalmente por el pedal. Tras el protagonismo del piano eléctrico, salvo en honrosas ocasiones como "Keep on lovin you", si que adquiere claramente la primacía de la composición. El bajo de Andy se suele manifestar con mucha contundencia y con una gravedad muy pronunciada.

Es un disco que repito, se deja oír perfectamente, con frases de teclado que incitan a ritmos interesantes, con un cierto aire sensual en el rock que construye, pero no luce con brillantez, no existe un tema rompedor, ni encontramos momentos inspirados que nos hagan vibrar. Todos los cortes están escritos por Fraser que se muestra más bien como un creador mediocre donde las melodías giran en torno a unas líneas de teclado sin demasiada complicación dejando a las guitarras cojas y anodinas. Tal vez sea una opinión subjetiva, pero de un hombre polifacético como Andy Fraser (tocaba el bajo, la guitarra, piano y además poseía buena voz) se podía esperar un trabajo más deslumbrante.

La prestigiosa producción quedó a cargo de los canadienses THE BAND, que recientemente se habían mudado a California, pero se puede calificar como discreta.

DAVE MASON - Alone together (1970)

 

Dave Mason.....................Guitarra y voz

Bonnie Bramlet................Voz

Michael De Temple..........Guitarra

Jim Capaldi.......................Batería

Leon Russell.....................Teclados

Carl Radle.........................Bajo

 

1ª cara:

- Only you know and I know

- Can't Stop Worrying, Can't Stop Loving

- Waitin' on you

- Shouldn't Have Took More Than You Gave

2ª cara:

- World in changes

- Sad and deep as you

- Just a song

- Look at you look at me

 

Guitarrista de gran proyección internacional, fue co-fundador de la banda TRAFFIC  junto a otro músico de grandísima envergadura como fue Steve Winwood, niño prodigio del rock, además de Jim Capaldi y Chris Wood. Su trayectoria con TRAFFIC, fue más bien errática, puesto que aparecía y desaparecía de escena sin ninguna razón lógica, hasta que en 1970 decidió definitivamente separarse por desavenencias con Winwood, con el que se llevaba especialmente mal. Steve llevaba gran peso dentro del cuarteto, y Mason consideraba que sus composiciones no se tenían suficientemente en cuenta. Por lo que cuentan los demás miembros de la formación, él traía sus canciones escritas ya y como debían ser interpretadas, mientras que el resto se reunían juntos a escribir. El enfrentamiento entre Mason y Winwood se fue haciendo más profundo, hasta el punto de que cuando se les llamó para galardonarles con el privilegio de entrar en el "Salón de la Fama del Rock", fueron incapaces de mirarse a la cara, realizando una actuación desagradable para ambos.

 

Dave salió del grupo, pero aún así, estuvo involucrado en una gira en la que llegó a presentar algunos temas que terminarían incluyendose en un álbum llamado "Welcome to the canteen", y que formaban parte de "Alone together", su primer álbum en solitario  . El disco de la gira salió a la calle en 1971,  y recogía los temas más emblemáticos de la serie de conciertos. Es curioso porque en la portada aparece el nombre de todos los integrantes de la banda, también Mason, pero no aparece TRAFFIC por ningún lado. Y en la foto donde se encuentran todos alrededor de una mesa con los restos de una comida, a Mason casi no se le ve oculto en una esquina.

 

Por lo tanto, Dave Mason se lanza a una carrera en solitario después de haber participado con figuras del rock como fueron o son Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison, Rollings Stones, etc, incluso con Jim Capaldi, compañero, con quien siempre tuvo buenas relaciones. No se puede decir que no se codeó con la élite, lo que le concede un prestigio que conservará y afianzará con su bagaje posterior a lo largo de los años.

 

Para llevar a cabo este primer magnífico trabajo, no eligió una banda a la usanza con un bloque de músicos exclusivo, sino que la participación fue muy extensa, de manera que la lista que he puesto al principio es representativa, pero faltan muchos otros nombres.

 

Como buen guitarrista que es, sus influencias y raíces es de imaginar que provengan claramente del blues y el rock, utilizando un estilo depurado y clásico recuerda mucho al Eric Clapton de CREAM o DEREK Y LOS DOMINOS. La música se sostiene en su guitarra, pero también tiene mucha importancia las texturas construidas con acústicas y la intervención del piano que llega a ser en muchas ocasiones el protagonista del evento, lo que hace que el disco no sea una serie de temas idénticos, sino que hay diversidad en él.

 

 Otros elementos que pertenecen al entramado son los coros y el órgano, aunque este en menor medida. El plato fuerte está erigido sobre unas exquisitas guitarras acústicas, alguna de ellas tocadas por Mason (no siempre se manifiesta con la eléctrica), arreglos de piano y desarrollos que tienden a un final, donde Dave se expande con la électrica, construyendo un solo mesurado y sólido en su estilo, sabiendo combinar el fuego con la sensibilidad, caracterizado por la alternancia en el uso de 'licks' en unos casos, y por los efectos de pedal en otros, poco a poco va elevando la temperatura hasta alcanzar un climax instrumental de todos.

 

Shouldn't Have Took More Than You Gave y Sad and Deep as you son las piezas que se incluyeron en Alone together,  y que harían aparición en el disco de Traffic antes mencionado. Unas composiciones más bien tranquilas donde Dave se encarga de una guitarra acústica y de la voz, que en el disco tienen unos arreglos bastante diferentes a los realizados por Traffic donde la participación de las percusiones tenian mucha más trascendencia. Yo me quedo con su despedida Look at you look at me, un corte vibrante lleno de energía.

CROSBY STILL NASH & YOUNG - Déjà vu (1970)

 

David Crosby......................Guitarra y voz

Stephen Stills.....................Guitarra acústica, eléctrica y voz

Graham Nash.....................Guitarra y voz

Neil Young..........................Guitarra acústica, eléctrica, voz

Gregory Reeves...................Bajo

Dallas Taylor.......................Percusión

 

1ª cara:

- Carry on

- Teach your children

- Almost cut my hair

- Helpless

- Woodstock

2ª cara:

- Deja vú

- Our house

- 4 + 20

- Country girl

- Everbody I love you

 

En 1969 se constituía el triunvirato de oro Crosby, Stills & Nash, un triplete que desde un primer momento fue aceptado por el público general y la prensa. Formación de lujo con unos antecedentes exitosos por parte de sus componentes. David Crosby salía nada menos que de The Byrds, Graham Nash había tocado con The Hollies integrados en la British Invasion, y Stephen Stills núcleo fundamental de la Banda Buffalo Springfield donde coincidiría con un joven Neil Young. Su sonido dentro del folk rock con arraigo sureño cautivaría gracias a los intricados juegos de voces realizados por todos ellos, construyendo armonías de gran gusto tejidas junto a guitarras tradicionales en su mayoría y letras sencillas y sinceras. Se darían a conocer en Woodstock, primerizos e inseguros  consiguieron alzarse a los primeros puestos con alguno de sus temas que luego se han convertido en verdaderos emblemas de la música rock mundial.

 

Al año siguiente tras su arranque fulgurante vuelven al estudio, pero esta vez Stills invitará a colaborar a un amigo que estuvo con él en Buffalo Springfield, Neil Young, compañero de andanzas cuya aportación dejará una huella imborrable, al tomar el sonido folk de la banda un mayor acercamiento al country rock de la América rural, y mayor potencia con una guitarra de afinación reconocible al instante y voz también de timbre singular y único, que juntos transmiten una melancolía a la melodía innata del carismático autor.

 

El fruto de este cuarteto se llamaría Déjà Vu, un álbum que contiene nuevamente piezas fundamentales de la música rock en general, una maravilla difícil de repetir como "Our house" o "Teach your children". Se grabó como sesiones individuales por cada miembro, contribuyendo en lo que se había establecido previamente. También incluyó aportaciones puntuales de personal muy respetable como Jerry García de los GRATEFUL DEAD y John Sebastian de LOVIN' SPOONFUL.

 

A la estela de su primer trabajo, nos ofrecen otra colección espléndida de temas con unas armonías vocales excepcionales, tempos tranquilos, cierto aire de introspección donde la música siguen teniendo una fuerte base de guitarras acústicas, pero por encima encontraremos la eléctrica de Young destacando e imprimiendo más cuerpo a las composiciones en las que participa, donde a veces coincide con la de Stills respetándose el espacio. Los arreglos de algunos cortes, en los que se incluye el piano acertadamente nos indican que las composiciones se han elaborado con texturas instrumentales más complejas (Country girl). Otro elemento indicador de esa mayor diversidad en la melodía son las intervenciones de los teclados, que surgen con mayor frecuencia y con un trasfondo que imprime más energía y solidez a la música. El sonido adquiere más electricidad y se aleja del purismo de su antecesor. Helpless muestra su influencia del rock'n' blues con un punto acido en la guitarra, cortes íntimos y personales como 4 + 20,  mencionado ya Country girl a cargo de Young, el más elaborado, de línea melancólica, potente sonido del órgano junto a categóricos timbales que le añaden un toque épico. Pero sin duda mi preferido es la pieza que da nombre al disco; Déjá Vu se sale algo de los tópicos marcados por la banda, pero mantiene esa esencia de guitarras acústicas entrelazadas que crean una mágica atmósfera que se torna algo extraña en su construcción, pero de una belleza sinigual.

 

Una vez acabado este trabajo, los cuatro músicos realizaron obras en solitario, con gran éxito para todos ellos después de haber besado el cielo con su estreno como grupo.  Cuatro compositores que podían haber seguido juntos, pero el hecho de que todos quisieran acrecentar sus fronteras como autores, las relaciones tumultuosas existentes, el activismo político de algunos de ellos y sus constantes colaboraciones en la contracultura hicieron que el proyecto se detuviese durante unos cuantos años, hasta 1977 en que volverían a reunirse los 3 primeros junto a un Young que cuando podía apartarse de su carrera en solitario, les echaba una mano.

 

No importa tu predilección musical, no dejéis pasar inadvertido este álbum, es una joya con sabor añejo como su portada color sepia.

WEST BRUCE & LAING - Why dontcha (1972)

 

Leslie West...................Voz, guitarra principal

Corky Laing..................Guitarra, batería y voz de apoyo

Jack Bruce....................Guitarra, bajo, teclados, harmónica, sintetizadores y voz de apoyo

 

1ª cara:

- Why dontcha

- Out into the fields

- The doctor

- Turn me over

-Third degree

2ª cara:

- Shake ma thing

- While you sleep

- Pleasure

- Love is worth the blues

- Pollution woman

 

Cuando el miembro clave de la banda MOUNTAIN, Felix Pappalardi, anunció un año antes en 1971 su adiós definitivo, durante la celebración de un Tour por los Estados Unidos, un ya reputado y conocido Jack Bruce coincidió en la gira con ellos. Tras saber que el combo blues norteamericano se iba a romper, creyó que podía recoger los trocitos del jarrón y hacer un proyecto en el que encajar muy bien, teniendo en cuenta que tenían tendencias parecidas. Convenció a West y a Laing, y junto a él acabó surgiendo un power trío de alto poder calorífico, en el que no se rompieron mucho los cascos a la hora de escoger un nombre de guerra. Un tridente que apenas duró dos años, pero en los que se le sacó mucho partido a la asociación, que terminó tras asuntos turbulentos con las drogas, algo que ya arrastraban los músicos de la era Mountain, embocando en una situación insostenible para seguir adelante, de forma que lo mejor fue romper y cada mochuelo a su nido.

 

Su estilo fue una prolongación de la música que siempre habían realizado, es decir, rock potente construido sobre solidas guitarras y con el blues por bandera oficial, hard rock clásico de los 70 con decibelios en la guitarra y cierto sonido sucio en la que se ocupa de los riffs principales a través de los cuales se construyen los temas, voz desgarrada de West muy acorde a la situación rayando sobre la música en los momentos fuertes y más dulce en los cortes relajados que abren un paréntesis entre carga y carga. 

 

Sonido contundente en el que sobresale poderoso el bajo de Bruce lanzando pulsos como latidos saliéndose del pecho, en ocasiones especialmente brutal (The doctor). La guitarra de West nos trae visiones de bandas del momento como LED ZEPPELIN, los recién separados CREAM, y con los músicos norteamericanos siendo mayoría, a unos grandes de la escena americana, GRAD FUNK RAILROAD.

El trabajo es muy equilibrado y bien producido, las guitarras ofrecen un abanico de diversidad que le otorga una frescura necesaria para no caer en el tedio repetitivo, para ello también cuentan con buenos grooves a cargo de la sección rítmica batería - bajo, sección del lujo que demuestra sus méritos en (The doctor, Turn me over). También nos ofrecen blues en su lado más clásico (Third degree) con una guitarra que bien podría llevar Jimi Page en uno de sus temas del Led Zeppelin I.

Se trata de un grupo que demuestra muchas tablas y veteranía, su sonido es rotundo, un bloque sin resquicios, una bomba de energía, solidez y vigor levantada con inteligencia solo con 3 miembros al frente pero que contiene una música potente y rica en matices, con composiciones de envergadura en las que queda sitio para piano, harmónica, sintes y coros que aportan alma de blues a las melodías. E incluso en alguna pieza podemos discernir pequeñas disposiciones que invitan a pensar que estamos escuchando un desarrollo que bien podría entenderse dentro del rock progresivo (Love is worth the blues ó pollution woman) . Interesante propuesta.

RARE EARTH - Get ready (1969)

 

John Parrish...............Bajo, trombone y voz

Peter Rivera...............Batería, coros

Rod Richards..............Guitarra, coros

Kenny James..............Pianos, órgano, coros

Gilbert Bridges...........Saxo, pandereta, coros

 

1ª cara:

- Magic key

- Tobacco road

- Feelin' alright

- In bed

- Train to nowhere

2ª cara:

- Get ready

 

De aire algo chicano y vestidos para la ocasión bajo la "Swinging london" de rigor, se presenta el grupo en la portada como una más de la época. Cuando las carpetas diseñadas de los 70 todavía estaban por llegar, lo normal era la foto al completo de la formación sin más. Este es uno de esos discos fundamentales, pero que no es fácil de descubrir, a no ser que alguien te ponga en antecedentes o San Youtube te ilumine, pero nuestro interés va en aumento cuando te dicen que un lado es ocupado por un sola suite de 21 minutos nada menos, y que en single vendió el millón de ejemplares........eso son palabras mayores.

 

El quinteto en cuestión, procedente de la industrial Detroit, debutaría nada más y nada menos que con el sello Motown, discográfica orientada a impulsar la carrera de bandas negras o de color que mostrasen una calidad y una proyección lo suficientemente alta para ser reclutados, siempre bajo premisas de sonido soul, funk, blues, Rythm'n' Blues, gospel, es decir, todo aquello afín al "black power" que tantos problemas arrastraba por la segregación racial, un movimiento convulso todavía en los años 60 que se encendió más si cabe tras la muerte de su carismático líder Martin L. King en los primeros años de la década. ¿Un grupo de blancos haciendo música negra? Con intención de agradar a todos, la Motown acuñó para los muchachos de RARE EARTH una variante de la misma Motown que se denominó con el mismo nombre de la banda. Anteriormente ya habían publicado un álbum con otra compañía que pasó totalmente desapercibido, y ahora en la Motown, daban a luz Get ready con la etiqueta de primer Lp de la banda, hasta el punto de que debido a la repercusión nadie volvió a nombrar ese primer vestigio de su existencia, pasando a ser considerado oficialmente la presentación de RARE EARTH.

 

La verdad es que el hecho de que fueran admitidos por la Motown tiene lógica porque su música está impregnada de sentimiento y alma donde se refleja la esencia y tradición negra. El ritmo remarcado define la pauta sólidamente, la voz se eleva limpia, clara, profunda de excelente vocalización y obtiene respuesta en forma de coros que interpelan, adquiriendo una atmósfera soul que se acrecienta con la aportación de los metales. La característica que los aleja del patrón general soul del momento es la guitarra hiriente y psicodélica que rompe con la armonía, pura distorsión que me recuerda mucho en su interpretación y sonido a la del "in a gadda da vida" de los IRON BUTTERFLY, absolutamente corrosiva soltando ácido por el mástil, rasgando los temas internamente. Por supuesto el órgano trabaja en la misma dirección y los ramalazos psicodélicos están a la orden del día, un hammond giratorio con gran peso dentro de las composiciones tanto en solos como en acompañamiento. Otro elemento destacable es la batería que se inclina por una llamativa "caja", unos potentes platillos de chaston y un bombo que no ceja.  Es difícil imaginarse la música al completo y su catalogación, puesto que podemos encontrar Rock, soul, jazz, blues, psicodelia, todo ello dentro del mismo envase.

Su rápida incorporación a Motown conllevó que no tuvieran apenas piezas suficientes como para poder prensar un long play.  Su plantel contaba con los primeros 5 cortes incluidos en la cara 1. Pero había que llenar toda la cara 2. La solución fue adaptar un tema de apenas 3 minutos, propiedad de THE TEMPATIONS, convirtiéndolo en una superproducción de 21 minutos alucinante, no tiene desperdicio ni nos alienta al aburrimiento, vibrante de principio a fin parece que se grabó en directo, pero no es así, meticulosamente fueron introducidos gritos y aplausos en momentos específicos al milímetro dando el pego y proporcionándole un aire de naturalidad y realismo. Comienza con una introducción a base de saxo y órgano que emboca en el tema principal sonando durante unos minutos hasta apagarse para dar paso a la intervención de cada uno de los músicos que siguiendo la inercia de la melodía y el vivo ritmo nos van a deleitar con 'solos' de cada uno de sus instrumentos, por este orden: bajo - órgano - guitarra - saxo - batería, la cual cierra una actuación en sí fantástica.

 

Ejercicio que quedará para la posteridad catalogado casi de himno y que una vez ejecutada la suite no volverá a sonar nunca igual en cada una de sus repeticiones, algo comprensible teniendo en cuenta que se trataba de una exhibición musical por instrumento partiendo de la creatividad, inspiración y arte del músico en cada momento. Como apuesta alguna saga de estos libros que aparecen en todos los departamentos de librerías y grandes almacenes, "100 discos que debes oír antes de morir".

SUNDAY - Sunday (1971)

 

Jimmy Forest.............Teclados, voz

Davy Patterson..........Bajo, voz

John Barclay..............Guitarra, voz

Peter Gavin...............Batería (Invitado)

 

1ª cara:

- Love is life

- I couldn't face you

- Blue song

- Man in a boat

2ª cara:

- Ain't it a pity

- Tree of life

- Sad man reaching Utopia

- Fussin and fighting

 

Atención a esta obra, un trabajo magnífico único, digno de encontrarse en la vitrina de los grandes entre los grandes, sin apenas difusión y donde el desconocimiento de la banda es prácticamente total, apenas tenemos la información de los nombres de los componentes, un trío de ases con la compañía de Peter Gavin del que si se sabe más, puesto que estuvo en otra formación de poca proyección, JODY GRIND, estupendos también, pero al fin y al cabo muy anónimos para la mayoría del público que no esté familiarizado con el rock progresivo en capas inferiores.

 

Jody Grind

Como digo, es increíble que este álbum pasara tan desapercibido, pero así son los éxitos y las miserias del rock en ciertos momentos de su corta historia. Se grabaría en Londres, pero sus miembros provenían de tierras más arriba, de Escocia, e incomprensiblemente su breve edición y difusión tuvo que realizarse en tierras germanas, algo que me gustaría llegar a entender algún día. Terminado el disco, el grupo desaparecía, algo muy lamentable viendo la calidad que atesoraba.

Estos chicos de nombre "festivo" hacían una música que se caracterizaba por el dominio de los teclados, pero más en concreto del órgano, muy personal en la manera de ejecutarlo, muy incisivo y lisérgico en algunos momentos, con picados muy remarcados, correrías, cabriolas y barridos frecuentes, sin embargo en otras ocasiones hacen de pantalla de fondo, generando capas de atmósferas envolventes con cielos cargados gravitando. Su sonido es muy progresivo, alimentado por el coctel especial de piano y órgano que crean entramados fantásticos dignos de bandas como PROCOL HARUM, CARAVAN o incluso DOORS, con esa vena de psicodelia que desprende algunas veces y la forma de atacar el órgano.

 

CARAVAN

Otro elemento que le confiere mucho atractivo son los "grooves" que consiguen en algunos de los temas (Love is life, Ain`t it a pity, entre otros) ofreciendo un sonido cargado de energía y potencia en la triada batería - bajo - piano. Siendo preferentemente progresivos, sus raíces, la esencia que se esconde proviene del blues y rhythm 'n' blues, y queda manifiesta su pasión en Blue song, todo un clásico blues, pero además las guitarras trabajan en ese sentido, creando unas disertaciones y unos ataques tristes de sabor añejo que llegan a dibujar lamentaciones, ayudado por la voz que se acopla a la situación. Creando un todo que se encuentra en la órbita de bandas como THE KEEF HARTLEY BAND  con ese toque vetusto, sureño, regado por la vibración del órgano hammond.

 

LOS MARAVILLOSOS PROCOL HARUM

Sonido que se muestra fresco, inspirado y de una brillantez patente, capaz de trasladarnos por diferentes escenarios: Sobriedad, solemnidad, romanticismo, épica todo ello tratado siempre con la mejor selección en las melodías bien vertebradas por el órgano de Forest y avivadas por la magnífica sección rítmica. Buen gusto se mire por donde se mire. Una joya que se va desvelando mejor aun si cabe con cada escucha.