JERONIMO - Time ride (1972)

 

Gunnar Schafer.......................Bajo

Michael Koch..........................Guitarra eléctrica, acústica

Ringo Funk..............................Batería

 

1ª cara:

- Time ride

- There are people

- Blind man

- To be alone

2ª cara:

- Sunshine

- Indian river

- Do you still remember

- Ice dream

- Gone

 

Incluidos dentro del género Krautrock, lo cierto es que no son del todo representativos, seguramente el hecho de ser de origen alemán  en un momento de explosión y expansión del rock teutón, hacía fácil que se les clasificase en esta disciplina.  Fue una de esas bandas que durante su corta duración se movió en esferas underground sin llegar nunca a despuntar, aunque se codeó en cierto momento con supergrupos como DEEP PURPLE ó GOLDEN EARRING haciendo galas junto a ellos en festivales al aire libre.  Y es que la calidad de la banda es palpable, pero sin conseguir el éxito que los empujase a peldaños superiores.

 

Su música estaba construida sobre unas guitarras potentes que desarrollaban un hard rock sin cuartel. Time ride es el 3º y último disco del trío, varía respecto al anterior trabajo, muy duro y sumido absolutamente en un  rock con temas que son trallazos directos al cerebro. Esa imagen poderosa de hard rock tan fresco consiguió calar en los partidarios de esta doctrina, pero manteniéndose en el anonimato intrínseco a ellos. Llegó su último vinilo, Time ride, y podía esperarse una reafirmación en el estilo, pero no sería así.

Tras la partida de uno de sus fundadores, el guitarrista Rainer Marz, la labor de las guitarras va a recalar directamente en Michael Koch que se ocupará tanto de la eléctrica como de la acústica, eso supondrá que el nivel de decibelios va a reducirse, una guitarra menos se nota. Pero no solo eso, sino que se observa un giro musical, sigue habiendo cancha para el rock duro, pero comienzan a aparecer muchos más matices, se gana en variedad, colorido y sobretodo las composiciones tienen más riqueza. Ya no se trata de cortes ceñidos a un sonido brutal y rígido elaborado por las guitarras de Marz y Koch, ahora las canciones siguen teniendo raíces del blues con el que nacieron, pero tienen fases claramente divididas, diferenciadas unas de otras, adentrándose en mundos progresivos con incorporación cada vez más abundante del órgano, pero sobretodo del mellotrón. En resumidas cuentas creo que el grupo alcanza la madurez en la creación musical. pero también en las letras que las acompañan.

 

La guitarra eléctrica sigue guerrera, todavía es un peso pesado, pero se combina con pasajes de acústica aflorando la vertiente más sensible de la banda (There are people), también nos muestran el lado humano (To be alone), un solo de guitarra acústica acompañada de voz, bajo una suave cortina de la base rítmica, amable e intimista termina abruptamente con un solo de guitarra entre capas de mellotrón. Ya al otro lado Sunshine es un corte de guitarra macarra, Indian river tiene una extraña belleza, con un riff llamativo y un gran trabajo de guitarras con connotaciones del rock underground de finales de los 80, muy redondo. Do you still remember bien podría estar en la órbita de BOWIE, mientras que Ice dream muestra el lado más jazzy con elenco de efectos. Gone como él mismo indica pone fin al disco.

 

Un disco interesante a descubrir por todos aquellos que disfruten con solos de guitarra, potentes riffs y progresivo de gran tonelaje.

WISHBONE ASH - Argus (1972)

 

Andy Powell.................Guitarra y voz

Ted Turner...................Guitarra y voz

Martin Turner..............Bajo, voz

Steve Upton..................Batería

 

1ª cara:

- Times was

- Sometime world

- Blowin' free

2ª cara:

- The king will come

- Leaf and stream

- Warrior

- Throw down the sword

Martín Turner fundador junto al batería Steve Upton, necesitaban incorporar una guitarra para poder completar el grupo. Para ello pusieron en la prensa local un anuncio y tras presentarse algunos candidatos quedaron finalmente Andy Powell y Ted Turner, había que decidirse pero estaban tan contentos con ambos que optaron por quedarse con los dos. El hecho de existir dos guitarras con las mismas posibilidades de liderar, es lo que dio a conocerse con el término "guitarras gemelas", algo novedoso que iba a ser muy bien acogido y practicado por bandas sobretodo incluidas en el hard y heavy rock,  percatándose de que la formula les garantizaba frescura y potencia, sin duda lo que andaban buscando.

 

Hacer un aclaración para indicar que Ted Turner y Martin Turner no eran hermanos, primos, ni nada vinculado a lazos familiares, es pura casualidad que llevaran el mismo apellido. Se estrenaron a principios de los 70  y fue bastante decente, sacando discos de gran calidad desde el principio. Aunque no obtuvieron la respuesta esperada en Inglaterra, si que calarían al otro lado del Atlántico, donde sus trabajos se vendían muy bien y la popularidad del cuarteto aumentaba a cada año que transcurría, de forma que casi se puede decir que EEUU se convirtió en su residencia.

 

Y llegamos a su tercer LP "Argus", un disco muy inspirado dentro del hard rock, como no puede ser de otra manera pero más pulido y con composiciones más elaboradas. La ausencia de teclados principales y secundarios y la existencia de dos guitarras hace que la música adquiera inapelablemente un sonido duro, dulcificado por coros y acústicas (Sometime world, Leaf and stream). La producción correría a cargo de Derek Lawrence, experimentado productor de rock cuyos servicios recalaron en bandas como DEEP PURPLE, MACHIAVEL o PRETTY THINGS entre otras.

Plagado de guitarras acústicas y baladas excepcionales nos descubren el lado sensible de sus miembros a la hora de componer. Pero ahí están las guitarras electrificadas de Powell  y Turner para romper esos cauces de sosiego que transmiten los arpegios acústicos con solos y riffs anclados firmemente en raíces blues, un sonido que recuerda a otros que también estaban comenzando por aquel entonces, como eran NAZARETH, de extensísima trayectoria fueron atrapados por los sonidos duros que se electrificaron cada vez más.

 

Composiciones como Time was y blowin' free nos enseñan el giro que iban dando hacia sonidos progresivos con influencias variadas de todo lo que giraba en torno al Rock. De hecho blowin' free es un corte que podría considerarse realizado por los propios YES, dando un protagonismo al bajo de Turner similar al de Squire en su formación, además también impera la necesidad de incluir armonías vocales como un elemento fundamental en los temas.

La única concesión a los teclados corre a cargo del magnífico John Tout, miembro perteneciente a la banda progresiva RENAISSANCE, que participaría como invitado en el último corte Throw down the sword.

PETER FRAMPTON- Comes alive! (1976)

 

Peter Frampton...........Guitarra, bajo, voz y teclado

Bob Mayo....................Guitarra, voz y teclado

Stanley Sheldon...........Bajo, voz

John Siomos.................Batería

 

1ª cara:

- Something's happening

- Doobie wah

- Show me the way

- It's a plain shame

2ª cara:

- All I want to be (is by your side)

- Wind of change

- Baby, I love your way

- I wanna go to the sun

3ª cara:

- Penny for your thoughts

- (I'II give you) money

- Shine on

- Jumping jack flash

4ª cara:

- Lines on my face

- Do you feel like we do

 

Es curioso este caso, por ser el álbum en directo más vendido en la historia del rock, y no soy quién para decir que no lo merezca. Pero es desconcertante si lo comparamos con otros músicos con una trayectoria mucho más célebre y  los consecuentes discos realizados en directo por ellos.

 

La carrera de Peter Frampton no es precisamente una alfombra de rosas, en estudio no era un tipo que se caracterizase por editar trabajos de venta masiva, al contrario, era bastante mediocre. Antes de lanzarse a la piscina en solitario había triunfado en la banda de heavy blues HUMBLE PIE, donde coincidió con Steve Marriot, que con los pedazos de esta banda construiría más tarde el proyecto FACES con el que obtendría por fin el reconocimiento a su gran labor como músico y compositor. Pero en el periodo de HUMBLE PIE, había cierta tensión entre Marriot y Frampton, donde éste último no se veía plenamente realizado y quería más protagonismo para su guitarra, así que entonces decidió que iba a crear su propio combo.

 

En solitario comenzó en 1972 empujando con fuerza creativa de tal forma que imprimía plástico por año, así durante 4 años, pero el éxito se resistía, algunos de sus canciones entraron en lista de ventas y se escucharon en las emisoras con bastante asiduidad, pero el LP completo no tenía la misma aceptación. Las estanterías de las tiendas no se vaciaban, la gente no compraba. Tras estos años el despegue no llegaba y la estrella se iba apagando acabando enterrado entre la multitud, sin embargo como músico de sesión estaba muy solicitado.

 

Cuando parecía que todo acabaría pronto si no había un giro drástico, llegó el increíble éxito de su directo COMES ALIVE!, convirtiéndose en el más vendido, grabado en directo desde que se tenía noción de ello. ¿Porqué? No hay una razón clara. Tras este aislado pero tremendo aldabonazo, continuó sacando obras de estudio que volvieron a caer en picado, salvo algún éxito capturado por las radio fórmulas. Peter no llevaba nada bien todo aquello y sus problemas se agravaron al caer en manos de las drogas. Llegaron los años 80 y la nueva ola, el tecno, el punk, harían olvidar su nombre, prácticamente estaba desaparecido.

¿Cuales pueden ser las razones de ese repentino reconocimiento, de esa isla en medio de la mediocridad? No se me ocurre nada de peso. ¿Era un buen músico en directo? ¿Tuvo una gran banda y supo rodearse de personal de gran nivel cualitativo? ¿Tiene algo que ver la producción, la grabación? ¿La labor de marketing fue genial? Quién sabe.

 

Para quien no haya oído a este guitarrista nunca, desde luego le recomiendo este doble directo. Yo apenas conocía los clásicos de su repertorio, pero reconozco que el resto de temas me enganchó. Rock en todos sus estadios, pudiendo encontrar pasajes de blues rock de buena calidad, con una guitarra de estilo propio interesante en su forma de atacarla, momentos de rock que nos dirige hacia duros combates arreciando en su potencia, cambios radicales abandonando la eléctrica y cogiendo la acústica con la que nos deleita en cortes suaves acompañados de teclados muy acertados y de un piano fantástico, donde tal vez fallan las letras, algo superficiales e insulsas (Show me the way, Penny for your thoughts), que fueron muy aplaudidos entonces. También descubrimos el sonido de su "talkbox" en otras piezas, elemento que gusta de emplear, canciones con gancho que nos atraen poderosamente (I'II give you) money, jumping jack flash, do you feel like we do) y que se muestran ciertamente adictivas.

 

Llevaba viendo este álbum en establecimientos más de 25 años y nunca me atreví a comprarlo, no sabía muy bien mirando el tipo de la portada si merecía la pena o no. Tuvo que llegar internet con youtube para poder escucharlo sin necesidad de comprar, para poder decidirme. Eran tiempos de información reducida a prensa de rock y poco más, no era fácil conocer un grupo o músico si no había nadie a tu alrededor que tuviera afinidad por él.

 

En definitiva un directo que contacta bien con el público, en el que se respira una atmósfera de buen rollo y siempre con accesibilidad suficiente como para hacer su música interesante sin caer en lo fácil.

PALADIN -Charge! (1972)

Lou Stonebridge.............Piano eléctrico, harmónica, voz

Derek Foley..................Guitarra slide y eléctrica, voz

Peter Beckett................Bajo, voz

Keith Webb...................Batería, percusiones

Peter Soley...................Órgano, grand piano, violín

1ª cara:

- Give me your hand

- Well we might

- Get on together

- Anyway

2ª cara:

- Good lord

- Mix your mind with the moonbeams

-Watching the world pass by

Banda fugaz que nace en 1970 y poco después en 1972, tras dejar un par de Lp's que no tuvieron en su momento el debido reconocimiento, se disuelven definitivamente. Así entonces, será con el paso del tiempo que su obra irá tomando interés en foros ubicados dentro del sonido sinfónico y progresivo.

Charge! sería su 2º y último trabajo, más completo que su homónimo despegue, se puede decir que esta caracterizado por una música ecléctica, difícil de clasificar pero que se acerca bastante a la esfera del pop, o mejor dicho pomp sinfónico, muy influenciados por el concepto de bandas del continente americano que se encontraban dentro de esos círculos, como podían ser JOURNEY por ejemplo.

Podemos descubrir entre sus surcos guitarras encendidas próximas al hard, percusiones cálidas de origen afro, trazas de guitarra funky, armonías vocales de gran similitud a las empleadas por formaciones norteamericanas,  breves pasajes sinfónicos o progresivos que nos recuerdan a las cadencias de GREENSLADE, o incluso ecos lejanos de  ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA.

La labor de Beckett al bajo es fundamental y encomiable, imprimiendo un latido vigoroso a lo largo de todos los cortes, dotándolos de una fuerza interna en su rítmica que supone gran parte de la brillantez de las composiciones y verdaderos cimientos. La  guitarra de Foley se muestra agresiva y muy activa cuando se presenta la ocasión bajo unos registros muy agudos preferentemente. La densa descarga de los teclados por parte de dos de sus miembros otorgan una musicalidad compacta, frondosa y recargada, el tupido cuerpo de las melodías que confiere esa sensación de potencia y cúmulo de fuegos artificiales que podemos escuchar en JOURNEY ó GRAEME EDGE BAND, donde una rica producción y unos arreglos merecedores constituyen por sí mismos una gran parte del éxito.

En resumen la mezcla de todo ello conforma temas rotundos y espectaculares basados en melodías muy elaboradas en su instrumentación, donde no se producen saltos ni cambios de ritmo típicos del progresivo, pero que satisfacen por su nivel compositivo. Un grupo que no mereció la suerte que corrieron.

NAZARETH - Nazareth (1971)

Dan McCafferty...............Lider y voz

Darrel Sweet..................Batería

Peter Agnew...................Bajo

Manuel Charlton..............Guitarras

1ª cara:

- Witchdoctor woman

- Dear John

- Empty arms, empty heart

- I had a dream

- Red light lady

2ª cara:

 - Fat man

- Country girl

- Morning dew

- King is dead

Escoceses de pura cepa con más de 40 años a sus espaldas, han conseguido ganarse el respeto del público a base de devoción por un trabajo duro y humilde sobretodo durante sus primeros discos. Con este primer Lp no despertarán el interés de casi nadie, y no será hasta su 3º volumen cuando se produzca una eclosión dentro del panorama rock con mayúsculas, siendo reconocidos como pioneros del hard.

Ya desde el principio queda claro que la senda a seguir por la que apuestan es el hard rock, aunque como iremos viendo este primer proyecto es de un eclecticismo más que manifiesto, tal vez por ser el primero y tener guardadas en la recámara ideas de todo tipo con ganas de plasmarlas en plástico. Se alejan del hard clásico de LED ZEPPELIN, DEEP PURPLE ó BLACK SABBATH encontrándose más a gusto con las directrices que marcaban un estilo propio dictadas por bandas como URIAH HEEP, VANILLA FUDGE ó SPOOKY TOOTH.

Partiendo de una guitarra potente y robusta , junto al bajo, con evidentes influencias del blues, construyen un muro sonoro duro, omnipresente en todos aquellos temas que se prestan, la voz muy común entonces en los grupos de rock pesado, con los típicos gritos y vibraciones de cuerdas vocales, es soportada por McCafferty, el auténtico líder y compositor del lote . Pero aunque estamos ante un cuarteto posicionado en ese sonido, lo cierto es que sus composiciones son muy variadas y eso se demuestra en los detalles, las colaboraciones, los arreglos muy cuidados y la producción escrupulosa con la que quieren estrenarse. No es un arranque apabullante y colmado de vatios ni mucho menos.

Conforme avanzan las canciones la determinante posición de grupo hard va cediendo, temas que no se construyen sobre una guitarra agresiva, sino que entran en juego teclados, órgano, piano, como los arreglos brillantes y fulgurantes en "Dear John" ó la suave "I had a dream" de tal forma que se abren claros en el plomizo cielo gris. Será en la 2ª cara donde se despejen las dudas sobre su heterogeneidad a través de vías como la concesión al country con "Country girl" forjado sobre guitarras slide y un armazón de voces "made in" CROSBY, STILL & NASH; la prospección y la exploración insertas en "Morning dew", el único corte dibujado por el bajista y no por McCafferty, y por último un track que de no saberlo nos costaría pensar que ha sido creado por NAZARETH con una sinfonía melancólica repleta de orquestación para cuerda que nos demuestra que estos chicos tienen sentimiento.

PIRAMIS - Piramis (1980)

Lajos Som.............. Bajo

Peter Gallai............Voz y teclados

Miklós Köves...........Batería

János Závodi...........Guitarras eléctrica y acústica

Sándor Révész.........Voz líder

1ª cara:

- You inside

- Mama, papa, would you leave us alone tonight?

- To see you

- Rooket (Short and sweet)

2ª cara:

 - Born to be free

- Wish that I had two lives

- Dracula

- The gift

- Too proud to lose

Desde tierras húngaras llega este trabajo a cargo de una banda de la que apenas nada se sabe. Sin la misma difusión que tuvieron otros paisanos, como OMEGA,  su conocimiento y su divulgación han sido mínimos y son pocos los seguidores de rock que tienen algún LP de una discografía que cuenta con 7 u 8 volúmenes.

A pesar de tener un título homónimo, el disco del que hablo ocupa la 5 posición de los editados. Ya tienen experiencia en la industria musical y sin embargo su música se muestra como rock auténtico, donde hacen lo que realmente les gusta, alejados de convencionalismos y sin concesiones a la galería. En aquella época los grupos de Europa del este, todavía bajo el poder del telón de acero, no se encuentran sujetos a las directrices de los negocios musicales y la libertad es prácticamente absoluta.

Incluidos bajo una etiqueta entre hard rock y progresivo, este álbum es precisamente el ejemplo de ello albergando un lado duro, dentro de la primera cara y otro más avanzado y complejo que bien se puede atribuir como progresivo.

La cara A descubre unos temas donde las guitarras desde el primer momento se manifiestan recias, rugientes, campando a sus anchas donde los solos cuentan a cargo de ellas por supuesto. Cortes austeros de carácter visceral en los que apenas cabe espacio para nada más que no sea la voz o alguna muestra mínima de otros instrumentos. No hay lugar para la armonía. Llegado a este punto creemos estar ante una banda de puro hard rock. Pero el otro lado de la moneda nos va a sorprender, las cosas cambian, la música se hace más compleja, los sonidos varían dando entrada a muy diferentes instrumentos y las composiciones incorporan desarrollos muy interesantes, los teclados algo rígidos toman gran protagonismo, órgano y sintetizadores aparecen repetidamente, las guitarras dejan de tener predominio, los arreglos hacen acto de presencia, los efectos de carácter espacial surgen incorporando un sentido innovador a la escena y con estos temas más estructurados y avanzados el espíritu progresivo definitivamente planea con más solidez.

Sus influencias llegan del Krautrock y del hard rock anglosajón, cantan en inglés, pero les falta dar un paso más allá, un golpe de fuerza, magia, más creatividad, algo que les haga salir del montón de bandas que coexisten.

THE WHO - Who's next (1971)

Roger Daltrey................Voz
Pete Townshend.............Guitarra, Sintetizadores, VCS3, A.R.P
John Entwistle...............Bajo, metales
Keith Moon...................Batería y percusiones

1ª cara:

- Baba O'Riley

- Bargain

- Love ain't for keeping

- My wife

- The song is over

2ª cara:

 - Getting in tune

- Going mobile

- Behind blue eyes

- Won't get fooled again

Cuarteto mítico donde los haya, consagrados en las islas, se convirtieron en emblema del Reino Unido en la 2ª  mitad de la prolífica década de los 60. Y es que la bandera británica estará presente en todo aquello que les rodea como icono de sí mismos, creando un modo de vida y una imagen que perduró poco pero fue de una intensidad bestial. Sus seguidores se definen como "Mods" , un tipo de tribu del momento. Un rol fugaz que dará mucho que hablar, sobre todo por sus batallas campales con otra de las tribus de entonces, los "Rockers".

Esta es una etapa tan intensa como breve (1960-66), THE WHO realiza una música cimentada en el rock and roll, el beat  y el blues con un estilo aguerrido a través de canciones de estructura sencilla, con cierto aire de ingenuidad a veces.  Pero no se quedarán anclados ahí, se alejan de el estereotipo "Mod" y evolucionan dando un paso muy importante hacia sonidos más complejos. Pete, el larguirucho del grupo con cara de adolescente deja de romper guitarras en el escenario para llamar la atención y se descubre como un compositor con una capacidad que nadie podía imaginar en su haber.

El mundo se rendirá a sus pies tras la publicación en 1969 de la ópera rock "Tommy". Dos años después, tras innumerables giras para presentar ese doble LP aparecerá en el mercado "Who's next". En él queda patente el estado de gracia en el que se encuentra la banda, la inspiración está en su mejor momento y la confianza en ellos mismos es total.

En este álbum demuestran su compenetración y su vena creadora, se encuentran tranquilos, en paz con el mundo, las ideas fluyen y nos presentan un repertorio musical fantástico. Roger tiene la voz en plena forma y Pete escribe unos temas muy bien tejidos, de los que emana rock guitarrero con garra, en grandes dosis y con arreglos elaborados con precisión al piano, un elemento que no ceja a lo largo de toda la obra y que reparte momentos sublimes. La búsqueda de nuevos sonidos a través de sintetizadores en numerosos desarrollos, es palpable, también tienen cabida los metales, Pete experimenta, crece en su afán compositivo y dota a los tracks de otro tipo de textura más enriquecida que le imprime una ambientación más orientada al progresivo.

El rock se vuelve más complejo y aunque este disco todavía no abandona ese espíritu de rock and roll de fabricación directa, lo cierto es que dejar entrever el camino a seguir más adelante y que ya estableció en la Opera Rock.

Rotundos arpegios de Pete que más que tocar la guitarra la aporrea en sus riffs, un chorro de voz descomunal por parte de Roger y una sección rítmica de enorme colorido por parte de Entwistle y sobretodo del monstruoso Moon, son clave del éxito del cuarteto, que trabaja y funciona como un motor bien engrasado.  

RUSH - Hemispheres (1978)

 Geddy Lee...................Bajo, sintetizadores y voz
 Alex Lifeson.................Guitarra y guitarra sintetizada
 Neil Peart....................Batería y percusiones

1ª cara:

- Cygnus X-1 Book II Hemispheres

                a) Prelude

                b) Apollo

                c)Dionysus

                d) Armageddon

                e) Cygnus

                f) The Sphere

2ª cara:

 - Circumstances

- The trees

- La villa strangiato

Conocidos a lo largo y ancho del planeta y siguiendo en la brecha después de una extensa carrera a sus espaldas, RUSH es una banda que se ha mantenido fiel a su estilo y siempre con éxito. Creo que no tienen término medio, o los amas o los odias, bien acomodados dentro del hard rock, en sus inicios estuvieron influenciados más por el blues y el rock pesado que emergía, para después atravesar otra fase más inclinada al sinfónico y progresivo que de algún modo ya no abandonarán. Por lo tanto se trata de un grupo con numerosos seguidores que ha sido elevado a los altares por fans del Heavy Metal, del hard rock, como por fans del progresivo, e incluso simplemente por amantes del rock sin más, comulgando todos en armonía.

Son toda una institución en Canadá, su país de origen, donde muchas formaciones han quedado imbuidas de su forma de hacer rock (SAGA, TRIUMPH, etc.) y han tratado de asimilarlo con desigual éxito. El listón está muy alto y pocos han conseguido acercarse, obteniendo una fama a la sombra del gigante.

"Power trio" bestial, en el que van a coincidir verdaderos virtuosos de su instrumento, otra de las razones que les llevó al triunfo, sin olvidar su capacidad a la hora de componer. Han sabido conjugar muy sabiamente el rock duro, con el progresivo; en medio de la era Punk, ellos van a su marcha sin dejarse arrastrar por los nuevos tiempos, eso sí, van a aprovechar las nuevas tecnologías que ofrecen los sintetizadores, olvidándose de las viejas fórmulas de los dinosaurios, buscan mejorar, innovar, crecer, introducir nuevos sonidos, nuevas dimensiones que les afirma como un conjunto de rock progresivo pesado.

Tras lanzar su primera gran obra "2112" que ofrece elementos de transición, comienzan su andadura por el progresivo con mayúsculas, y uno del los discos que pertenece a esta etapa es el que hoy comentamos. En "Hemispheres" probablemente el grupo se encuentra en su momento más álgido de inspiración. Incluye temas extra largos e incluso se atreven con una suite que ocupará toda la primera cara del vinilo, una simbiosis perfecta entre guitarras y sus efectos, pedal, sustain, delay, etc., que nos da una idea de la habilidad de Lifeson, bajo combativo y  "sintes" que intervienen para sofocar la carga brutal de vatios guitarreros y que en varias ocasiones desintoxican internándonos en hábitats donde tomar aire para volver a la carga. No podemos dejar de mencionar la calidad de Peart a las baquetas, todo un mundo, un monstruo de la percusión que tal vez no ha conseguido el reconocimiento que debería.

"Cygnus X-1" está dividida en piezas, pero gira sobre una melodía que reaparece cada cierto tiempo para recordarnos de donde parte todo. Toda ella está llena de ritmos varios, contratiempos, interrupciones, contrastes, remansos y por oposición, solos que harán las delicias de los amantes del metal.

En la segunda cara la película continúa en la misma dirección, ofreciendo 3 cortes que albergan instantes sublimes, inspirados en los mimos término. "La villa Strangiato" es un track trepidante y que considero como el apoteosis progresivo de este LP.

Para todos aquellos que no conozcan a estos fenómenos, decir que la primera vez que escuchen la voz les va a sorprender. No es común el timbre y los registros que llega a alcanzar Geddy y que ha sido objeto de discusiones entre la crítica musical que ha seguido a RUSH.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 8,8

JOURNEY - Journey (1975)

Greg Rollie.....................Teclados y voz

Neil Schon .....................Guitarra principal

George Tickner...............Guitarra rítmica

Ross Valory......................Bajo, piano

Aynsley Dunbar.................Batería

1ª cara:

- Of a lifetime

- In the morning day

- Kokhoutec

2ª cara:

- To play some music

- Topaz

- In my lonely feeling/conversations

- mystery mountain

Rollie y Schon núcleo fundamental de esta formación, después de trabajar en algunos discos con la banda de SANTANA, parten en busca de su propio objetivo. Y tras un periodo de creación y consolidación con otros 3 miembros, entre ellos Dunbar, que llegará a ser un reputado batería, aparecen con este álbum iniciando un periplo más que fructífero. En 1975 el género del rock progresivo había pasado sus momento culminantes y empezaba a entrar en barrena, los dinosaurios habían exprimido el estilo y ahora vivían estancados sacando LP's sobredimensionados sin aportar nada nuevo.

Mal momento para iniciar un proyecto progresivo, JOURNEY en sus 3 primeros redondos va a ser castigado por la crítica sin apenas reconocimiento. Algo injusto porque aunque esa disciplina estaba muy trillada, la música tiene calidad y comprende a unos músicos preparados. Paradójicamente después de abandonar tanto Rollie como Schon, el grupo dará un giro hacia terrenos más agradables al gran público, el sonido perderá creatividad, se volverá más sencillo y fácil de asimilar entrando en vías de lo que se llamaría AOR, Rock orientado a Adultos. Entonces comenzarían a conocer las mieles del éxito.