FIELDS - Fields (1971)

 

Graham Field......................Órgano, piano, piano eléctrico

Andrew McCulloch..............Batería y percusión

Alan Barry...........................Bajo, guitarra, mellotrón, voz

 

1ª cara:

- A friend of mine

- When the sun still shines

- Not so good

- Three minstrels

-Slow Susan

2ª cara:

- Over and over again

- Feeling free

- Fair-haired lady

- A place to lay my head

- The eagle

 

Esta es una de esas ocasiones en que surge de repente una reunión, graban, le dan nombre y desaparecen de la misma manera en que empezó, sin saber. Los aquí reunidos habían finiquitado los proyectos en los que se encontraban, Graham Field rompió peras con su banda de toda la vida, RARE BIRD, Andrew McCulloch dejaba la superbanda tormentosa KING CRIMSON por desavenencias y Alan Barry se dejó caer por allí, quién había trabajado con personal de buena reputación y conocido por todos: los hermanos Peter y Michael Giles, Greg Lake,  unidos también en algún momento al reinado de FRIPP y con el loco de Arthur Brown nada menos.

 

Nada les ataba y se pusieron de acuerdo, les pareció interesante la creación del trío, y es que el talento potencial que encerraba el triplete no era desdeñable. Field, a los teclados, venía de haber recibido excelentes críticas con los dos primeros álbumes de Rare Bird, se encargó de la mayoría de las composiciones y asumió el papel de líder, no es de extrañar que el grupo terminase denominándose "FIELDS", plural de su apellido. Eso lo decía todo. Era de esperar que la música anduviese por sendas afines a su estilo. Y si a eso le sumábamos el buen hacer a la batería de McCulloch y la destreza de Alan Barry con guitarras y bajo, la apuesta parecía ganadora.

 

Eligieron una preciosa portada para revestir su trabajo, y es que la música también entra por los ojos, de eso no hay duda. Pero bajo mi opinión las expectativas no estuvieron a la altura de lo esperado y detrás de ese águila se esconden más sombras que luces en el aspecto musical. La calidad de las composiciones queda por debajo del nivel que todos suponíamos íbamos a encontrar, no hayamos la frescura del Graham Field del Sympathy, y claramente el peso del disco recae sobre sus espaldas y su creatividad, que aun así demuestra que es un hombre talentoso y con melodías sencillas sabe mantener el pabellón a flote. Un álbum que con el tiempo y el coleccionismo tal vez está sobrevalorado.

 

El inicio es prometedor con "A friend of mine" que nos traslada a los mejores momentos de un power trío de las características de ELP, con un tema de corte clásico, con unos desarrollos fundamentales de cuño sinfónico en la línea de J. Sebastian Bach, con buena contribución a las percusiones de McCulloch. Tras este comienzo alentador, la música va decayendo algo, se vuelve más sencilla, sin riesgo, con evoluciones a las teclas pero sin mucha profundidad. Los temas se van volviendo tranquilos y con melodías carentes de energía, llegando a estado que son más pop que rock.  Hay que reconocer de todas formas que Graham Field es un tipo con clase  y goza de un estilo propio, inconfundible al piano eléctrico. De vez en cuando nos vamos a topar con destellos de calidad que hacen resurgir la atención plena (over and over again), donde vuelven las fuerzas, y el progresivo busca abrir hueco, pero no será hasta The eagle, que volveremos a vibrar con el grupo al completo, tema bien construido tanto por la guitarra como por el teclado, con unas notas de mellotrón emulando a los grandes compositores de la música culta.

 

Si alguien espera encontrar grandes desarrollos a los teclados que se olvide, los cortes rondan los 3 minutos la mayoría,  aún así salvan los muebles con aires de romanticismo y melodías agradables, dejándose llevar por su inteligente sensibilidad. Pero la sensación que me dejan es la de que podrían haber hecho un esfuerzo mayor creando piezas con más cuerpo.

KLAATU - Hope (1977)

 

John Woloschuck..........Voz, guitarra, teclados, bajo

Dee Long......................Guitarra

Terry Draper.................Batería, voz

 

1ª cara:

- We're off you know

- Madman

- Around the universe in 80 days

- Long live Politzania

2ª cara:

- The loneliest of creatures

- Prelude

- So said the lighthouse keeper

- Hope

 

Si este trabajo hubiera sido firmado por una banda de las grandes del rock sinfónico seguramente habría escalado peldaños muy altos en el escalafón de la disciplina rockera. Es toda una construcción clásica siguiendo los cánones del patrón para realizar una obra emblemática: Álbum conceptual, grabación realizada con toda una orquesta sinfónica de cámara, y no precisamente cualquiera, se trata nada menos que de la London Symphony Orchestra, inclusión también de algunos toques progresivos que le otorgan aspectos novedosos, producción de gran calidad, y buenas voces que consiguen armonías interesantes; una serie de ingredientes que sumados son garantía de éxito en la comunidad sinfónica.

 

Lo malo de todo esto es que el disco salió a la calle en 1977, año criminal, el punk estalló definitivamente para barrer con todos los patrones, cánones y directivas habidas como si de una apisonadora se tratara. Si a eso le sumamos que la banda era una recién nacida como quién dice, viniendo de las frías tierras de ese enorme y no tan desconocido país que era Canadá (recordemos que las olimpiadas de 1976 fueron en Montreal), podemos entender mejor que fuese obviada por la prensa mediática. El "establishment" de la música se tambaleaba y los cimientos cedían ante la horda de punks con hambre de romper con todas las imposiciones, alimentando la anarquía y la "sin ley" como reacción a todo el abuso y despliegue desmedido de los endiosados grupos de Rock.

 

El álbum en cuestión, algo apocalíptico, versa sobre la supervivencia del único ser de una arrogante raza de seres que advierte a los viajeros de peligros en los últimos días de su vida. Se trata de su obra más progresiva, ya que debutarían con otro cuyo sonido estaba más orientado a un pop-rock con un cariz, que durante mucho tiempo hizo pensar al público y a los medios que estaban ante una creación anónima de los ¡mismísimos BEATLES!. Tras una larga temporada en esta tesitura todo quedó desmentido y el triplete se dio a conocer. El nombre lo tomaron de un personaje de la película "Ultimatum a la tierra", que acompañaba al icónico robot destructor.

 

El sonido de KLAATU se podría definir como una combinación de otras formaciones muy conocidas y encumbradas en el universo del rock sinfónico y progresivo, RENAISSANCE, THE ENID, PROCOL HARUM, por la dimensión de la producción orquestal y las armonías, a revueltas con otras como GROBSCHNITT o NEKTAR de la parcela más progresiva.

 

La ejecución es brillante, interpretada con  sincronizada perfección, la coordinación de la instrumentación rock con la orquesta parece ser llevada a cabo por una banda madura y no por nóveles. Compleja labor que destaca por la originalidad de la composición, con especial relevancia de la sección de viento en ciertas piezas. Como es lógico en este arte, encierra momentos épicos erigidos sobre la vasta multitud orquestal, instantes de altos vuelos que nos transportan a estadios superiores, pasajes líricos que describen bellos paisajes a pesar del carácter pesimista del mensaje.

 

No obstante no se puede negar que el tema "We're off you know" con el que arranca,  no tenga ese aire pop beatle que durante un largo periodo hizo creer que se trataba de ellos, y es que la guitarra es ejecutada de un modo que nadie diría que no es George Harrison en persona. Corte simpático, fresco, con ritmo y con armonías vocales recordando a los Beatles de "Sergeant....". Sin embargo después se sumergen en contrastes con matices progresivos "Madman", mezcla de suave melodía bañada en órgano que choca con una guitarra dura, relevándose uno y otro hasta el final en un extraño tema. "Around the universe in 80 days", nuevamente con profundos contrastes, cambios de ritmo y producción elaborada vuelve a poseer esa atmósfera extraña, quedando patente la compenetración grupo-orquesta. En la segunda cara , la sinfonía crece y se desata ofreciendo fases de verdadero trabajo de cámara, edificio sinfónico-progresivo sólido levantado con un gran despliegue al que tuvieron que optar muy lejos de su país. Hope, que da nombre al esfuerzo pone fin haciendo regresar nuevamente el fantasma de los "Fab four".

 

Curiosa banda con mucha clase y con una capacidad que sorprende, más de lo podamos imaginar en principio. A tener en cuenta.

STACKRIDGE- Extravaganza (1974)

 

Mutter Slater...........Voz y flauta

Roy Morgan.............Batería

Andy Davis...............Guitarra, teclados, voz

Paul Karas................Bajo y voz

Keith Gemmell........Saxo, clarinete y flauta

Rod Bowkett............Teclados

1ª cara:

- Spin round the room

- Grease paint smiles

- The volunteer

- Highbury incident

- Benjamin's giant onion

- Happy in the Lord

2ª cara:

- Rufus T. Firefly

- No one's more important than the earth worm

- Pocket billiards

- Who' s that up there with Bill Stokes

Álbum ya avanzado en la discografía del grupo, supone el comienzo de una nueva etapa, puesto que de la formación inicial con la que grabaron los tres trabajos anteriores solo quedarán 2 miembros, Andy Davis y Mutter Slater. La nueva tripulación volverá a contar con 6 músicos, entre ellos el renovador y  polifacético Rod Bowkett que abogará por dar un nuevo giro al estilo, dotándolo de más cuerpo incluyendo secciones de viento de gran presencia, teclados mucho más incisivos y un estilo más cercano al rock progresivo pero sin olvidar sus orígenes folk. Las atmósferas bucólicas de composiciones pasadas se difuminan y el sonido se concreta en desarrollos más vitalistas.

 

Interactuaban mucho con el mundo de la cultura y con una fijación absoluta por los BEATLES, hasta el punto de requerir los servicios de George Martin, productor de los cuatro de Liverpool. La existencia de la banda fue muy inestable y a pesar del gran éxito con que fue recibido este "Extravaganza" nuevamente aparecen los problemas desestabilizadores dando al traste con esta estupenda camarilla y volviendo a tener que constituir un nuevo equipo.

 

La correlación entre el contenido de Extravaganza y su imagen de la portada del vinilo es estrecha. Y es que su música se llena de ambientes circenses, esplendores teatrales, de cabaret y sonidos propios del vodevil. Escenas que desprenden desenfado, optimismo y simpatía recordando en ocasiones a las melodías de los "locos años veinte". Composiciones en esta primera cara del disco divertidas y alegres en la que intervienen gran cantidad de instrumentos de viento, clarinetes, saxos, trompeta, flauta y acompañadas del violín ,menos protagonista que antaño, e incluso parece escucharse un acordeón. Canciones rápidas de ritmo festivo muy eclécticas en su concepción, con arreglos orquestales y de un piano excelente.

 

Tras salir a la pista central de la carpa le damos la vuelta al plástico y nos vamos a encontrar con una 2ª parte magnífica en la que todos los temas brillan con luz propia, destacando "No one's more important than the earth worm" y "Rufus T. Firefly", con una gran labor del bajo y  de contenido delicioso. Melodías elaboradas con gran perfección, elegantes y de diversidad cromática, ritmos cambiantes y movimientos constantes que les acerca a las estructuras que caracterizan al rock progresivo. Música de peso, más trascendental, en la que el órgano y el mellotrón se explayan y sin duda le confieren un valor añadido a las texturas.

 

Trabajo de altura realizado por unos músicos que dejan entrever una gran profesionalidad y destreza, destacando en concreto Bowkett, agradable descubrimiento que demuestra enorme capacidad, no solo para la creación sino para los arreglos y la sincronización dibujando complejas amalgamas muy sutiles y coloristas.

FLASH AND THE PAN - Lights in the night (1980)

Harry Vanda................Guitarra y voz

George Young..............Teclados

Ray Arnott....................Batería

Les Karski.....................Bajo

Warren Morgan..........Piano

 

1ª cara:

- Media man

- Headhunter

- Retless

- Welcome to the universe

2ª cara:

- Make your own cross

- Lights in the nights

- Captain Beware

- Atlantis calling

 

Siempre he tenido mucho cariño a esta banda. Catalogados por la prensa y las tiendas de venta  dentro de los movimientos de la nueva ola y  el sinth-pop que llegó tras el punk, fue con casi toda seguridad la causa de que tal vez mucha gente amante de la doctrina sinfónica o progresiva no llegasen a conocerlos. Y es que son un híbrido que no termina de encajar con exactitud en ninguna categoría, una "rara avis" que no tiene un perfil definido. Llegaron incluso a tener algunos hits que dieron aparición en las pistas de baile de todo el mundo.

 

Se trata de un producto de fabricación enlatado que desarrollaron dos personajes muy conocidos en el mundo musical australiano, Harry Vanda y George Young, Young de los Young con más éxito en todo ese continente. Estamos hablando de AC-DC. Pues todavía quedaba este hermano para recrecer las arcas de la familia dentro del planeta Rock. No solo a través de este extraño proyecto, sino como descubridores y productores de muchos otros australianos que terminarían triunfando.

A caballo entre el rock plagado de sintetizadores y la música pop constituyeron un sonido realmente original. Hasta tal punto tienen personalidad que solo hay que escuchar unos segundos para saber que se trata de ellos. La voz mecánica de Vanda obtenida a través de filtro y los teclados singulares de Young, que en mi opinión evocan a resistencias que se apagan y se encienden, los convierten en señas absolutas de identidad del grupo.

 

Aluvión de sintetizadores bajo ritmos pegadizos que parece que van a recalar en sonido pop pero donde siempre van un poco más allá, dando una vuelta de tuerca y sacándose de la manga unos desarrollos instrumentales interesantes (Welcome to the universe), se gastan unos guiños arabescos, buscan las armonías y cuidan los arreglos.

 

Sonido moderno que refleja el salto tecnológico que están dando la nueva generación de teclados a finales de los 70 y donde late un espíritu positivo y simpático. Se trata de su segundo LP, mucho más maduro que su debut homónimo, donde tal vez reside lo mejor de sí mismos. No perdáis la ocasión de escucharlos.

PREMIATA FORNERIA MARCONI -Photos of ghosts (1973)

Flavio Premoli................Piano, hammond, mellotrón, moog, voz

Franco Mussida...............Guitarra acústica y eléctrica, voz

Giorgio Piazza................Bajo

Franz di Cioccio..............Batería, voz

Mauro Pagani.................Flauta, violín

1ª cara:

- River of life

- Celebration

- Photos of ghosts

- Old rain

2ª cara:

- Il banquetto

- Mr 9 till 5

-Promenade the puzzle

Abordamos una de las bandas pioneras del movimiento progresivo italiano, cuya consecuencia supuso un auténtico terremoto dentro de ese país, apareciendo grupos de características similares en la concepción musical hasta debajo de las piedras. Cuando eso sucede la mediocridad se convierte en moneda corriente y una gran cantidad de esos nuevos proyectos no llegan más allá de su debut. No es este el caso, al contrario, su leyenda crece con el paso de los años y un buen puñado de discos que avalan su profesionalidad y calidad.

Este álbum es la versión que realizaron en inglés de su anterior LP "Per un amico" cantado en su lengua natal. Fue tal el éxito que alcanzaron en Italia y Europa, que la discográfica para conseguir más proyección y mayores beneficios les alentó a grabar en Inglés. Además fue tan positiva la huella que dejaron, que los mismísimos EMERSON, LAKE & PALMER les tomaron como hijos adoptivos, fichándolos para el sub-sello que acababan de fundar: "Manticore". Eso fue un trampolín de grandes dimensiones. Este virtuoso quinteto se convirtió junto a BANCO, BIGLIETTO PER LINFERNO, IL BALLETO DI BRONZO y otros, en los máximos exponentes de la vertiente progresiva italiana.

En "photos of ghosts" muestran su predilección por el uso de instrumentos clásicos, buenas dosis de lirismo y un aire pastoral presente en muchas ocasiones. Comportan una profunda influencia de unos primigenios KING CRIMSON cuando escuchamos melodías bajo el patrón -crimson- "I talk to the wind" ó "cadence and cascade", con esa esencia pastoral a la que me refería y un lirismo sutil y delicado. Incluso la batería suena igual en su forma a la de Michael Giles. (River of life)

Pero no solo es ese uno de sus referentes, también se nota inclinación por sus padrinos EL&P, sobretodo en el lado B del disco, pasajes y texturas más retorcidas, intrincadas y disonantes se alejan del lirismo adentrándose en un caos controlado donde el piano construye figuras "made in Emerson".

Gran cantidad de cambios dentro de las composiciones le confieren un fresco dinamismo y creatividad. El piano es un elemento esencial en la mezcla realizando un portentoso trabajo tanto en la melodía principal como en los arreglos, las guitarras acústicas y eléctricas (muy tamizadas) se reparten el pastel al 50% y los diferentes teclados y sintes obtienen su episodio de gloria, a veces superpuestos creando una sonoridad grandilocuente.

El barroquismo que caracterizó a innumerables conjuntos italianos no es significativo en este álbum, con un espíritu más próximo al de otras formaciones europeas y en concreto anglosajonas tal como hemos mencionado.

BO HANSSON - A magician's hat (1973)

Bo Hansson.......................Órgano, guitarra, bajo, sintetizadores

Sten Bergman...................Flauta

Gunnar Bergsten..............Saxo y flauta

Rune Carlsson...................Batería, congas y percusiones

Pelle Ekman......................Batería

Göran Freese....................Saxo

Owe Gustavsson.............. Bajo

Kenny Hakansson.............Guitarra

Bill Öhrstrom....................Congas

Bobo Stensson..................Piano eléctrico

1ª cara:

- The city

- Divided reality

- Elidor

- Before the rain

- Fylke

-Playing downhill into the downs

2ª cara:

- Findhorn's song

- Awakening

- Wandering song

- The sun(parallel or  90º)

- Excursion with complications

Compositor sueco bastante desconocido dentro del panorama del rock sinfónico e instrumental en general, que cuenta con el galardon de haber sido el primero en hacer un disco conceptual basado en la novela de "El señor de los anillos", allá por el año 1972, lo que le valió un cierto reconocimiento a nivel  mundial que con el paso del tiempo fue difuminándose para quedar nuevamente en un anonimato relativo. Cuenta con un puñado de discos, todos ellos con un nivel de calidad compositiva más que notable, pero la enfermedad no entiende de éxitos o fracasos y el genial nórdico fue victima de una rápida degeneración, que lo dejó incapacitado terminando sus días todavía joven.

Afortunadamente nos dejó trabajos mágnificos como éste, una obra que vió la luz antes que su éxito mundial, pero que saldría en formato inglés un año después, pleno de colaboraciones e instrumentación variada encierra una fusión cultural expresada bajo una atmósfera mágica de espíritu minimalista.

Sucesión de temas instrumentales breves en su mayoría, apenas alcanzan los 2 minutos con finales abruptos, se encadenan sin silencios intermedios de manera que adopta un formato similar a la banda sonora de una película. El contraste entre las distintas fases asociadas es una característica general del álbum pasando de pasajes bucólicos y pastorales sin dilación a escenas más oscuras. La ambientación instrumental habría que definirla como sútil, música muy rica en matices y pequeños detalles que vamos percibiendo con el paso de las escuchas. Gran diversidad de sonidos que se van incorporando dependiendo del fragmento en que nos encontramos, donde abunda la sección de viento, elementos de cuerda y un universo de percusiones, escuchando una batería de trabajo estupendo, y por encima los teclados tiene la última palabra.

Se podría decir que practica un soft rock con regusto psicodélico y con instrusiones dentro del jazz y el sinfónico, construyendo estructuras en algunos momentos muy estáticas típicas de la música electrónica de la época. 

Su sonido podríamos compararlo al de grupos como DEODATO, MOODY BLUES o incluso JADE WARRIOR con algunos elementos  de experimentación comunes en formaciones pertenecientes al Krautrock.

GOLDEN AVATAR - A change of heart (1976)

Michael Cassidy..........................Voz principal y guitarra

Carl Bezzemer & David Stout..........Piano

Barry Goldsman..........................Órgano y sintetizadores

Carl Lange & Steve Pinkston...........Bajo

Drew Lawrence..........................Batería, percusión

Bob Conti.................................Congas

ETC.

1ª cara:

- World beyond the sky

- Questions, questions

- Bhagavad-Gita

- Seers on the truth

- You're not that body

2ª cara:

- A change of heart

- Swetadip

- Oh Govinda

- Time for going home

Esta obra que tratamos es una de esas en la que se consigue reunir a todo un regimiento de músicos para la ocasión, que casi siempre es idea y empeño de uno de ellos,  que a base de empuje y motivación logra cumplir con su sueño, plasmar sus composiciones a lo grande. Una congregación de tal volumen, la mayoría de las veces, es artificial y como nos ha enseñado la historia, su duración es muy limitada.

 Aquí el iluminado de turno fue Michael Cassidy, poco conocido en el panorama del momento, aunque hay que reconocer que realizó un trabajo sobresaliente, pulcro, perfeccionista y lleno de composiciones que brillan, más que nada,  por toda la labor que encierran en lo que se refiere a orquestación y arreglos, y también las constantes texturas que tejen las voces con momentos fantásticos. Brillantes y abundantes intervenciones a través de instrumentación de viento, son uno de los secretos que hace que la formula resulte exitosa.

El disco gira en torno a la temática espiritual, se podría decir que se trata de un álbum conceptual, con letras trascendentales que siempre hacen referencia a la materia , ya que Michael está totalmente imbuido de las creencias hinduistas, y es algo que nos va a acompañar en todo el viaje.

La música resulta excelente, a pesar de estar envuelta en una vorágine de instrumentos, orquesta de cámara y arreglos de todo tipo, no resulta excesiva, aunque sí es cierto que goza de pomposidad en muchas ocasiones. Se mezclan fases o episodios solemnes, sobrios y grandilocuentes con otros íntimos, distendidos que incluso resultan muy inocentes, como si de un cuento se tratase.

El sonido en muchas ocasiones y debido a los arreglos completos de secciones de metal parece estar dentro de los patrones del funk o el soul pisando de vez en cuando territorio de jazz, pero siempre dentro de una aureola de sinfonía con fuegos de artificio en la que proliferan violines, guitarras acústicas, flautas, etc.

No hay que olvidar que la banda es americana y eso suele acarrear implícitamente en la mayoría de los casos de este tipo una cierta accesibilidad en la escucha, una dosis de comercialidad y corrección que en este lp no impide buena calidad de las composiciones, pero es justo decir que se echa de menos algo de energía.

La música de GOLDEN AVATAR  se puede asimilar a unos MOODY BLUES ya talluditos, o  unos RENAISSANCE en sus momento más líricos.

GRAEME EDGE BAND - Paradise ballroom (1977)

Paul Gurvitz..................Voz y bajo

Graeme Edge................Batería

Adrian Gurvitz...............Guitarras, teclados y voz

1ª cara:

- Paradise ballroom

- Human

- Every body needs somebody

2ª cara:

- All is fair in love

- Down, down, down

- In the light of night

- Caroline

Este es uno de esos inventos al que le queda bien la etiqueta "Juan Palomo, yo me lo guiso y yo me lo como", y es que los hermanos Gurvitz, una vez más se sacan de la manga otro proyecto "con gancho", esta vez junto al que fuera batería y compositor de los MOODY BLUES durante su etapa más interesante, Graeme Edge. Es curioso que el nombre de la banda este exento del apellido Gurvitz y solo aparezca como la banda del baterista. Adrian y Paul vuelven a la carga, y es que todo lo que tocan lo convierten en oro.

En el caso que nos concierne hoy, se asegurarán de que el resultado final no defraude, y para ello que mejor que una producción de auténtico lujo con un despliegue de medios sin límite. Para obtener mayores garantías reclutan un regimiento de músicos e ingenieros a su servicio, incluido Paul Gurvitz que colaborará y decidirá en las cuestiones necesarias, el objetivo realizar una producción impecable y perfecta que envolverá las melodías otorgándoles una brillantez y unos detalles claves para el éxito, que será dirigida definitivamente por Graeme y Adrian.

Su esencia está contagiada de influencias de la música disco en auge por aquel entonces, del funky y mayoritariamente de las creaciones y desarrollos llevados a cabo por la ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA, que triunfa con sus sinfonías y sus complejos arreglos transformándolos en los reyes de la escena rock acabando la década.

Los gastos no son pocos y no se escatima, llegando a grabar partes orquestales en un estudio al otro lado del charco. Pero lo que es innegable es que a lo largo de toda la obra la producción es desbordante, virtuosa y elemento esencial, ya que las composiciones son más bien patrones sencillos y accesibles que se escuchan fácilmente y que se quedarían cojas de no ser por todo lo que les rodea. Temas bonitos que nadan en acordes y notas agradables lejos de intentar cualquier experimento o disonancia evitando el riesgo y la apuesta, siempre dentro de la corrección que en algunos episodios se torna en sonido romántico exagerado y ñoño (Caroline/In the night of the light). Aún con todo la apuesta no deja de ser un disco que está más cerca de la mediocridad que del despunte como genialidad y que salva el tipo por la magnificencia de la aureola que lo recubre. Disco de rock sinfónico sin más donde la pretensión es conseguir vender un proyecto que guste al mayor número posible de oyentes.

Debo romper una lanza en favor del carismático Adrian Gurvitz porque como hombre cumplidor que es, su guitarra está a un nivel aceptable y con ella los temas ganan contribuyendo a conceder más frescura y garra ante melodías demasiado planas.

Disco atractivo pero artificial , que deja indiferente al consumidor más radical o exigente que busque más profundidad, sorpresa e innovación.

RANDY PIE - Fast/Forward (1977)

Manfred Tissy Thiers...........Bajo y coros

Dicky Tarrach....................Batería

Frank Diez.......................Guitarras

Peter French....................Voz principal

Jean Jaques Kravetz...........Sintetizadores, órgano eléctrico y piano

1ª cara:

- Trust me

- Hijacked

- Stand up

- Star attraction

2ª cara:

- Back street boy

 - Work it out

- Hot afternoon

- Name of the game

- Fast forward

Tratamos con una banda que por el hecho de ser alemana es etiquetada dentro del amplio cajón de Krautrock, pero eso no significa que vayan a coincidir con las pautas que caracterizaba a la mayoría de ellas. Desde su comienzo en 1973 dejan bien claro que no tienen nada que ver con sus colegas alemanes partidarios de improvisaciones, experimentación, búsqueda de vías inexploradas, expresionismo o visiones futuristas. Su música se orientará hacia la consecución de un sonido atractivo, directo, pulido con una producción ambiciosa muy cercana en el resultado conseguido en el estudio, a uno de los muchos proyectos del incansable Adrian Gurvitz y en concreto al de la GRAEME EDGE BAND, con atributos incluidos en la producción impecable de sus temas, dejando una huella reconocible para todo aquel que lo haya escuchado.

RANDY PIE elegirá una trayectoria rica en variedad y estilo, entre Aor, Pomp, funk, hard y que en este, su 5º trabajo todo eso se acentúa todavía más, transportándolo posiblemente hasta el extremo en su manera de entenderlo. Constantes cambios drásticos en su formación en apenas 4 años hacen mella y el agotamiento y la dificultad para centrarse pasan factura. Como último cartucho, viendo el futuro complicado, deciden fichar a 2 grandes músicos, Peter French (De ATOMIC ROOSTER y CACTUS), un vocalista con caché y  Frank Diez (guitarrista de larga experiencia en gran cantidad de grupos).

Las melodías creadas son clásicas, con bellos estribillos que enganchan y un estilo funcional que cala fácil entre el público general. Pasajes instrumentales a través de los teclados nos hacen pensar que tuvieron mejores épocas, pero se prodigan poco.  Se observa el empuje de la música disco y de la música negra que está conociendo sus instantes más célebres plasmada en el funk y ritmo de las guitarras. Pero la diversidad fluye en las composiciones:  hard, funk, disco, sinfónico, aor, glam, se entremezclan formando un conglomerado bastante digerible, algo común en la escena de grupos que adoptan posiciones similares como ROXY MUSIC, SUPERTRAMP, DAVID BOWIE ó JOURNEY

Su música está al servicio de la tecnología que en ese momento está en primera línea de vanguardia. Buscan transmitir brillo y viveza como objetivo principal, sonido compacto pleno de nuevos elementos, delays, ecos, guitarras sintetizadas a lo Gurvitz, atmósferas efectistas y un piano eléctrico que se erige en denominador común y bastión de todos los tracks. Pero 1977 es un año confuso en el rock, está siendo transformado, acosado, derribado por nuevas tendencias y un punk en pleno apogeo, quieren romper con los estereotipos anclados en una década. RANDY PIE no quiere sucumbir al punk y todo lo que acarrea, los lazos en el seno del grupo no son fuertes, eso ya lo sabemos, y la presión es mucha, el bloque se resquebraja dando lugar a una desbandada tras "fast/forward" que será definitiva si no contamos el intento de flotación en 1986, una apuesta sin espectativas.

Mención especial para la voz de Peter, guerrera y rasgada, entregado al trabajo, proviene no obstante del hard. Tiene gran similitud en la expresividad con Robert Plant (escuchad sus rugidos al comenzar o terminar las frases), parece calcada en ocasiones.

Tal vez el título del álbum recoge el deseo que pretendían, un rescate, un último intento de seguir adelante, temiendo que aquella página escrita hasta entonces tuviera un final no deseado.