JULIAN JAY SAVARIN - Waiters on the dance (1971)

 

John Dover........................Bajo

Roger Odell.......................Batería

Lady Jo Meek....................Voz

Julian Jay Savarin..............Teclados, arreglos e historia

Nigel Jenkins.....................Guitarra y flauta

1ª cara:

- Child of the night 1 & 2

- Stranger

- The dead of Alda

2ª cara:

- Dance of the golden flamingoes

- Cycles

- Soldiers of time

Un año después de su lanzamiento inicial, volvieron a la carga con este nuevo LP en la línea del anterior. Basado en la novela escrita por Julian, hace que estemos ante un disco conceptual de carácter dramático. Una novela de ciencia ficción con tintes oscuros y acontecimientos nada positivos, que arrastran a la humanidad a paisajes e historias apocalípticas. En esta ocasión el músico dominicano no contó con el mismo personal del álbum anterior. De la voz femenina se ocuparía Lady Jo Meek, hermana de Anna integrada en la banda CATAPILLA. Una voz más cercana a la de Annie Haslam pero sin llegar a sus agudos, ni su profundo fondo. Este sería el álbum perteneciente al segundo libro de una trilogía; el tercer libro llegó más adelante pero no llegó nunca a completarse con una banda sonora.

El vinilo arranca con teclados graves, mareas de teclado que fluyen en olas y olas, que por sus características interpretativas estaría considerado como un progresivo muy crudo, naciente, dentro de lo que se llamó proto-progresivo, sin embargo por las fechas, el estilo ya estaba en plena adolescencia o juventud. El órgano se muestra espeso, pesado, omnipresente, llegando a fases en que estaría dentro del 'Sacro', la guitarra ruge distorsionada y áspera y son los pilares de todas las composiciones en constante conversación, todo un discurso psicodélico . Esa sonoridad oscura se contrapone a la dulzura de la flauta y a la voz de Lady Jo que enarbolan la parte positiva del álbum.

La tensión musical va en aumento, el mellotrón también hace su aparición y momentos orquestales de cuerda nos sorprenden gratamente en algunas partes de los temas, la ambientación es realmente dramática, sobre todo cuando la guitarra se muestra especialmente dura y afilada. El bajo se muestra en una onda ELOY, y es entonces cuando más me recuerda a sus primeros discos, Inside, Floating, los más primitivos y psicodélicos de los alemanes. Pero en otras ocasiones escuchando a Lady Jo me viene a la cabeza sin embargo unos iniciales CURVED AIR, con un timbre similar al de Sonja.

En Cycles, la guitarra cambia, incluso podemos hacer lectura de sus arpegios y acordes, baja su potencia y nos sorprenden con una pieza corta de brillante jazz acompañando a la par el órgano. El sonido es categórico y épico y se producen unas secuencias análogas a las que realizaban en FOCUS, Jan Akkerman y Thijs Van Leer.

Se cierra este corto álbum de apenas media hora con Soldiers of time, un corte en el que Lady Jo nos hace una presentación y un cierre algo descorazonadores, pero con una música menos oscura que las anteriores y con una melodía que me resulta familiar, pero no acierto porqué. Sencillo final que nos deja negros nubarrones en el horizonte.

Para los que son amantes del progresivo clásico a base de hammond y mellotrón resultará un álbum a la par delicioso y breve, se hace demasiado corto. Excelente banda sonora para una lectura que nos sumerja en mundos fuera de lo común, tal como el músico-escritor deseaba.

NOSFERATU – Nosferatu (1970)

 

Michael Meixner....................Guitarra eléctrica

Reinhard Groh........................Órgano

Byally Braumann....................Batería

Christian Felke........................Saxophone, flauta

Michael Kessler.......................Bajo

Michael Thierfelder................Voz principal

1ª cara:

- Highway

- Willie the fox

- Found my home

2ª cara:

- No. 4

- Work day

- Vanity fair

En la segunda mitad de la década de los 60, se dio un hecho fundamental para la aparición de gran cantidad de grupos musicales en Alemania. Una nación nutrida de jóvenes ávidos por dejar aflorar sus sentimientos, donde todavía seguía reciente el dolor y vergüenza por la división del muro. Frankfurt fue su bastión, pero surgió en otras partes del país; los clubs y otros centros de ocio, comenzaron a organizar actuaciones de gran cantidad de bandas inglesas, emergentes dentro del underground, principalmente. Necesitadas de promoción fueron muchas de ellas a tocar a estos locales, y la juventud alemana respondió a la llamada, estos acontecimientos supusieron un perfecto caldo de cultivo, para formaciones alemanas que deseaban darse a conocer, muchos de ellos, con la idea de crear un sonido propio, que les concediera su identidad ante el público.

El creciente interés del joven público teutón por todos estos movimientos dentro de la música Rock, provocó que los locales para llevar a cabo estos eventos crecieran como setas. Una rápida organización estableció una red de conciertos para jóvenes valores locales, se le llamaría "Beat Competition" y básicamente consistía en una serie de conciertos, con muchas bandas participantes, donde la audiencia escogía a sus ídolos. Esto ayudó a que los jóvenes intérpretes intentasen crear su propia música para llamar la atención. Fue una explosión de nuevos conjuntos que tuvo su mayor escenario, en el área principal del rio Rin, espacio de nuevas performances.

Una de aquellas agrupaciones sería NOSFERATU, que escogieron el nombre del famoso film, perteneciente a la escuela expresionista, dirigido por Fiedrich W. Murnau en la década de los 30. En el concurso consiguieron alzarse hasta la 2ª posición del ranking, y eso les llevó en volandas a firmar un contrato, que sin demora se tradujo en la grabación del álbum que tenemos entre manos. Cuando terminaron con la creación del disco, sin dilación emprendieron una gira por todo el país, abriendo para bandas como STEAMHAMMER y HUMBLE PIE, como muchas otras formaciones del momento. La unión de los jóvenes músicos empezó a fraccionarse, la atmósfera en el seno se tornó tensa, eran artistas más preocupados por las influencias sociales, como el movimiento hippie, las comunas, o el esoterismo que con los términos, dirección, organización, conceptos promocionales y trabajo continuo, que era lo que estaban viviendo constantemente con cierto agobio . Además la competencia con otros que aparecían en Tv, radio o clubs, estaba colocando el listón de la música experimental muy alto, y la presión soportada por los miembros de Nosferatu se hizo insoportable, la separación no se hizo esperar, y dos años después de publicar su homónimo todo se había terminado. A esto hay que añadir su poco reconocimiento por el público amante del rock en el país germano, que los etiquetaban como un proyecto demasiado raro y underground.

Una verdadera lástima su desaparición, porque si bien es cierto que irrumpieron una ingente cantidad de grupos, algunos prometían más que otros, y el legado de Nosferatu, una vez que has escuchado su trabajo, tiene un sabor amargo e incompleto, algo que aprendes a discernir, después de años de escuchar opciones similares. Con seguridad eres consciente de que su evolución hubiera estado repleta de delicias a descubrir.

Describir su música no es fácil, confluye una importante caterva de estilos e influencias, con una formación de 6 miembros, algo inusual en la época, sobretodo dentro del Rock underground, se empaparon de todo tipo de sonidos procedentes de la escena radical británica, pero también germana. Las composiciones son extensas, elaboradas pero a su vez complicadas e intrincadas, fundamentalmente instrumentales, aunque la voz aparece también, pero deja espacio para el desarrollo del sonido . Música muy variable en la que construyen diversas atmósferas acordonadas por elementos experimentales, caracterizadas por planear con insistencia, capas desasosegantes y plomizas, creando una sensación de pesadumbre, peculiaridad muy extendida en el Krautrock de los 70.

El sonido es crudo y áspero, lo que le confiere autenticidad, suavizado solamente por los arreglos y las intervenciones de flauta y saxo en su mayoría. En el conviven un progresivo primitivo, psicodelia abundante, esencia Kraut, algunos elementos de jazz, adaptaciones tomadas de la floreciente electrónica de la kosmische musik Berlinesa e incluso hard. Todo un conglomerado que visto así parece difícil de digerir e introducir en estos magnos bloques instrumentales, pero la puesta en escena resulta más enriquecedora de lo que imaginamos.

La rítmica impuesta nos atrae rápidamente, los "grooves" establecidos por la pareja batería - bajo son magníficos, la batería de Braumann, en concreto el bombo, dota de armonía el ritmo yendo a contracorriente del bajo, es decir utiliza el contrapunto dentro del pentagrama, los resultados son tremendos y uno se deja llevar por ellos sin resistencia. La guitarra es otro pilar importante, muy psicodélica en su sonido, escupe ácido dejando a su paso una estela corrosiva contrarrestada por los instrumentos de viento que refuerzan las armonías, y también por el órgano que aunque tiene un comportamiento psicodélico atiborrándose de distorsión , crea unas frases que se repiten a lo largo de los temas, (Found my home, Vanity fair) alternando sobre una nota final ascendente y descendente, que nos hace cabecear de un lado a otro, un patrón rítmico cohesionado envolvente y subyacente con un punto hipnótico.

Sonando dentro de sus piezas no es difícil observar algunas alusiones al progresivo primigenio de una importante corporación dentro del prog mundial e inglés como son VAN DER GRAAF GENERATOR, siendo una referencia muy clara, incluso a la hora de construir ambientes tensos u oscuros. También son reflejo de formaciones underground del momento, en Inglaterra en la onda de SPRING, RAW MATERIAL, y a germanas como SATIN WHALE, CAN o MY SOLID GROUND entre otros. En sus introducciones de jazz, la interpretación en su manera de proceder con la instrumentación de viento, reproducen las configuraciones muy similares a las presentadas por gente de la escuela Canterbury, SOFT MACHINE, NATIONAL HEALTH; la guitarra se aparta a labores estructurales y el órgano se silencia a los bajos fondos, tomando el mando de la melodía un clarinete o un saxo. Y otro elemento presente en la música de Nosferatu es la ambientación y las cuñas experimentales que va dejando caer, con una performance aprendida de las agrupaciones germanas que asoman en la recién estrenada Escuela de Berlín, con figuras como ASHRA TEMPLE, KLAUS SCHULTZE y TANGERINE DREAM.

Un disco que supone una explosión para los sentidos, difícil en las primeras escuchas, un conglomerado de composiciones mecanicistas herederas del Krautrock y otras de libertad, experimentación y casi podemos decir, improvisación, asimiladas de sus experiencias y de sus predilecciones, conectadas bajo una producción bastante correcta.

GILA - Free electric sound (1971)

 

Daniel Alluno.................Batería, percusión

Fritz Scheyhing..............Organo, mellotron, piano, efectos electrónicos

Conny Veidt..................Guitarra eléctrica y acústica, voz

Walter Wiederkehr.......Bajo

1ª cara:

- Agression

- Kommunikation

2ª cara:

- Kollaps

- Kontact

- Kollektivitat

- Individualitat

Procedentes de Stuttgart, con apenas 3 años de existencia, llegaron a convertirse en un referente de la facción kraut más experimental y underground, creando una corriente de gran influencia en otras bandas dentro del género. Nacen como formación estable en 1969, tras este disco debut y su secuela que nada tiene que ver con su despegue terminarán su corto viaje en 1973. Muchos años después lanzaron dos discos más, un refrito en forma de conciertos, pero nada nuevo que aportar. Lo mismo que con su biografía, algo muy escueto que encontrar en la red, es difícil obtener material fresco.

Así pues, este álbum con el que se bautizan, es experimental y ambicioso, constituyendo un emblemático ejemplo de la sección más oscura dentro del Krautrock. Es decir rock con gran libertad en su creación, sin patrones claros pero determinante, imperecedero, fuera de modas, comprometido, visceral y sobretodo expresivo. Generando una música cuya intención es hacer que se agudicen nuestros sentidos. Sentir su mensaje, sumergirse en las oscuras atmósferas que nos presentan sin apenas interludios y conectar con la pureza de su esencia. Y vaya si lo consiguen con esta muestra de carácter conceptual, en la que profundizan trabajando en los términos de la individualidad y la sociedad. Los problemas de la juventud alemana vuelven a salir a la luz.

Vorágine instrumental conducida en primer término por la guitarra. Sin dilación nos envuelve en una turbulencia sónica, (Agressive) un instrumental contundente con un título muy adecuado, construido sobre un riff marcado fuertemente, un torbellino de sensaciones que muere en un remanso de la naturaleza, un manantial que nos aleja de la pesadilla y nos devuelve al entorno natural para tomar aire y volver a sumergirnos en un nuevo escollo desafiante.(Kommunication)

Sobre un sonido volcado en caleidoscópicos riffs y bases rítmicas prominentes, el órgano intenta arrancar la atención con elevadas notas de acento psicodélico, cuando por fin aparece un atisbo de voz, algo que apenas va a ser una ilusión, puesto que se podrá encontrar con cuentagotas y en momentos muy concretos aportando dramatismo vital. Nuevamente la guitarra vuelve a la carga para traspasar el umbral e ir progresivamente tornándose en suave acústica, mientras el ritmo impuesto nos hace entrar en trance. Poco tiempo vamos a gozar de esa dulce guitarra, sin previo aviso regresa bajo tintes de blues la eléctrica de forma contundente, lanzando hirientes latigazos siderales y absorbiendo toda la atención con el pedal. El resultado es la configuración de ambientaciones angustiosas, alucinatorias y de corte obsesivo. Jams psicodélicas de gran tonelaje que proporcionan escenarios oníricos y espaciales, gracias en gran parte a los teclados que se van radicalizando

Ya en la segunda cara la música se vuelve más extrema en cuanto a experimentación y expresividad (Kollaps). Regresamos a un universo de incertidumbre que no habíamos abandonado más que para dar la vuelta al vinilo. De la mano de un crudo órgano nos hacen conscientes del inicio de la vida con los sollozos de un bebé, la dura entrada en el mundo real, un desafío al que debemos vencer y superar día tras día sin vacilar.

La acústica otra vez consigue aplacar esa sensación de soledad con unas cuerdas cristalinas que nos devuelven a círculos sanos y primordialmente más positivos con una instrumentación cargada de escalas orientales, algo que en aquella época era sinónimo de amor, fraternidad, espiritualidad y pureza (Kollektivitat). Y que tanto caló en las bandas de rock europeas. Un elemento muy utilizado en la época que pretendía conectar con el espectador para sucumbir a un estado de consciencia elevado en comunión con la energía del cosmos.

Acercándose hacia el final, la música se va convirtiendo en una muestra de percusiones y ritmos varios (Individualitat) que invitan a la relajación y a una escucha detenida, un torrente de sensaciones fluyen en nuestra mente, un paraíso para las huestes hippies de la época, y es que estamos ante un atlas perfecto para viajar a donde nuestra mente quiera llevarnos.

EXPONENT- Upside down (1974)

 

Dirk Fleck........................Bajo

Martin Köhmstedt ..........Guitarras

Rüdiger Braune...............Batería

Frank Martin...................Teclados, flauta, voces

 

1ª cara:

- Duplicate

- Last Spring

- Thoughts

2ª cara:

- Dream

 

Oscuridad en todos los sentidos se desprende de un disco como este (ver la portada). Una banda que duró apenas 2 años, de la que no se encuentra, a primera vista, nada en internet, que dejó unas grabaciones sin llegar a compilar en un formato de venta al público, y que han sido rescatadas por un pequeño sello (Kosukuro Records) para el placer de los amantes del Krautrock con regusto sinfónico, donde los teclados se llevan la palma en presencia y originalidad. Durante un tiempo llegaron a llamarse precisamente UPSIDE DOWN, pero luego cambiarían a EXPONENT, dejando la denominación anterior como título del único LP que saldría a la venta en 2014 tras su recuperación.

Podrán disfrutar de sesiones de órgano, moog, mellotrón, etc. de principio a fin puesto que todo el peso de las composiciones descansa en ellos, pero no en la onda de lo que podríamos pensar (ELP), no, más en la misma senda de otras bandas alemanas como NOVALIS, ACTION, AINIGMA, e incluso algunas influencias de GENESIS en algunos momentos. Temas muy extensos que varían constantemente en su rítmica e instrumentación para no caer en el cansancio, y realmente lo consiguen, no se hacen pesados. Frank Martin nos deja patentes sus conocimientos y habilidades como compositor y productor, realizando los arreglos pertinentes. También se ocupará de las voces aunque éstas casi no aparecen, surgiendo muy espaciadas, se puede decir que estamos más cerca de un disco instrumental. Las melodías a veces se tornan oscuras y de cariz obsesivo a base de acosarnos con una base rítmica dura y constante.

 

La primera cara muestra su repertorio más sinfónico, los teclados son protagonistas con melodías muy llevaderas sin instigar ni forzar con acordes de tensión, construyendo el acompañamiento con sintetizadores que acolchan a la melodía principal, donde la guitarra realiza una labor más bien poco vista alimentando la trama. El estilo, a pesar de estar dentro de unos parámetros ya conocidos, mantiene unas características propias singulares que lo hacen un producto profundamente atractivo y novedoso. Ya al otro lado se modifica algo el discurso, con un sonido que parece grabado en directo, realiza un única suite de 19 minutos nada más y nada menos. La estructura es más repetitiva en sus acordes, con un fuerte componente de jazz en la forma de atacar los teclados. El órgano y el piano eléctrico se reparten el pastel con desarrollos que pueden entrar en fases de improvisación, mientras que la guitarra arrecia con más fuerza en terrenos blues. La base rítmica es demoledora con un ritmo vertiginoso y una gravedad del agresivo bajo que remueve los cimientos. Algunos fragmentos son tormentosos y oscuros hasta el punto de que nos retrotraen a la memoria a los reyes del delirio VAN DER GRAAF GENERATOR. Otros son electrizantes con cadencias ascendentes y descendentes que giran y vuelven al tronco principal de la composición.

 

Sin duda todo un acierto haber rescatado este material oculto durante tantos años. Joyas así son bienvenidas.

KROKODIL- An invisible world revealed (1971)

 

Walty Anselmo......................Guitarra, sitar,bajo, voz

Terry Stevens..............Bajo, guitarra, mellotrón, voz

Mojo Weideli...........................Flauta, harmónica y voz

Düde Dürts..............Batería,  percusión y voz

 

1ª cara:

- Lady of attraction

- With little miss Trimmings

- Odissey in Om

2ª cara:

- Green fly

- Looking at time

- Last doors

 

Junto con BRAINTICKET, posiblemente las bandas procedentes de Suiza que más han trascendido allende fronteras, cuando se habla en términos de krautrock , aunque también hay que tener muy en cuenta a otras formaciones como AGAMEMNON o PYRANHA que sin ser tan conocidos como los primeros hicieron trabajos muy interesantes, sin llegar a pasar del primer Lp, pero que merece la pena conocer. Con el terreno copado por la corriente ingente de kraut alemán, era muy difícil que un país pequeño como Suiza,  pudiera sacar la cabeza y destacar en una carrera atestada por lograr la fama, este es uno de esos pocos casos.

 

Como muchos otros grupos empezaron más centrados en realizar un rock con los ojos puestos en el blues, con raíces más profundamente unidas al rock, pero incluyendo elementos, matices y toques que le añadían una singularidad y una puerta abierta a otros terrenos (como la psicodelia). Con una reducción importante de personal, su tercer disco, el mismo del que hablamos, tornaría definitivamente hacia el progresivo más incisivamente y en su caso concreto al krautrock por tener origen más Teutón que británico,  por aquello de la proximidad y su influencia, suponiendo un punto de inflexión en su perspectiva. Los componentes que salieron no estaban tan de acuerdo en continuar por la senda escogida y lo mejor era emigrar ante la firme decisión de sus fundadores.

 

No obstante la afinidad con el blues rock en "An invisible......." no se pierde, simplemente hay una mayor participación, cobrando fuerza otros factores derivados del progresivo. El sonido es exótico (las percusiones están muy cuidadas), heterogéneo y conserva una química que les hace especiales, capaces de pasar drásticamente de momentos bucólicos con flauta y guitarras acústicas a fases crudas mediante transiciones confusas y extrañas, donde la guitarra se endurece y construye riffs mecánicos, desprovistos de alma, característicos del kraut. Los temas varían mucho unos de otros, el abanico es amplio, dando a entender la facilidad que se les otorgaba entonces para experimentar y crear con cierto grado de libertad. Eran otros tiempos......cuanto bien nos vendría ahora esa apuesta de la industria por proyectos de diverso calibre, que lejos queda aquello. Vivimos en un mundo donde la comunicación ha alcanzado cotas de expansión que nadie soñaba, pero eso no significa que haya más libertad de movimiento.

 

Las composiciones dentro de las líneas del progresivo se sostienen sobre pilares básicos como son el mellotrón, instrumento que aparece con mucha frecuencia, una guitarra eléctrica líder demoledora y enraizada en el blues,  que muestra su poderío hasta el punto de convertir su sonido a Stone en Odisea in Om.  Un mullido cuerpo de guitarras acústicas y la harmónica son otros importantes atributos para tener en cuenta. La harmónica, normalmente poco mencionada, suele servir de apoyo en instantes breves, pero aquí su papel es más que testimonial, adquiriendo preponderancia en muchas ocasiones, la cual unida a la guitarra blues le da un cierto aire sureño que bien puede recordar a MOTT THE HOOPLE, ALLMAN BROTHERS BAND ó FREE (last doors).

 

La voz generalmente está atravesada por filtros de manera que es difícil encontrarla al natural, mostrándose muy artificial a lo largo del disco, aunque en Green fly se muestra real, su propietario no sea quien es dentro del cuarteto, pero es una calamidad, desentona a más no poder. Lo mejor de todo los coros que generan armonías.

Odissey in Om, resume posiblemente lo que da de sí la banda dentro de este álbum. Una pieza extensa y completa que muestra todas sus facetas y atraviesa por todas las etapas posibles, incluso vamos a encontrar el influjo de la música oriental a través de un fragmento con sitar, algo muy común a finales de los 60, donde tantos grupos se apoyaron en ella estimulados por la filosofía oriental que conocieron y aceptaron.

FANTASIA - Fantasia (1975)

 

Roul Helantie.....................Teclados, violín, guitarra

Harri Piha...........................Bajo

Karl - Erik Rönngard...........Batería

Hannu Lindblom................Guitarra, voz

 

1ª cara:

- Pilvien Takaa

- Unikuva

- Huutokauppa

- Suikuliidulla

- Hautausmaani rannoilla

2ª cara:

- Tulen pisara

- Agressio

- Härmä jazz

- Depressio

 

Anteriormente llamados ST. MARCUS BLUES BAND decidieron dar un cambio radical a su rumbo tomando una senda más experimental, y para ello lo primero fue cambiar su nombre por el de FANTASIA, nada que ver con lo anterior, tal vez lo que buscaban, pero el caso es que estamos ante una de las pocas bandas, por no decir la única, al menos que yo conozca, cuya procedencia es Finlandia, el país escandinavo más unido a la antigua Unión Soviética. Hit-hat records, un pequeño sello, se hizo cargo de la grabación de este Lp que hoy presento. Su acogida no fue mala, aunque hay que tener en cuenta que el escenario finlandés y la esfera que lo rodeaba no hicieron mucho por ayudar de forma que no apareció en países democráticos hasta tiempo después. A finales de los 70 la discográfica, viendo lo que se venía encima desistió en volver a grabar un nuevo álbum con la banda, el progresivo ya no vendía y no estaban dispuestos a apostar nuevamente por ellos. Otro grupo se habría resistido ante las adversidades intentándolo por otra vía, pero Finlandia no debía de albergar muchas alternativas y sin más decidieron deshacer la formación, dejando como única muestra de su 'saber hacer' éste huérfano Lp.  La tendencia musical es el progresivo con elementos sinfónicos e incursiones dentro del jazz.

 

Su mayor despliegue fue realizado en un tour a través de varias ciudades de Rusia donde darían a conocer el homónimo Fantasia cantando en finlandés, que curiosamente no suena nada mal, con un estilo de rock muy cercano al realizado por bandas vecinas suecas, recordando mucho a KAIPA en el uso de los teclados y también muy influenciados por formaciones alemanas de krautrock, conteniendo una guitarra solista realmente ingeniosa que crea desarrollos de gran originalidad, siempre intentando ser diferente en su sonido, de carácter intenso, limpio y elegante, siempre a volumen muy prudente, sin apenas rasgueados, punteada, tocando incluso los armónicos. Es la encargada de dar peso y cuerpo con todo tipo de rítmica, efectos, pedales, etc con un aire a Roine Stolt de KAIPA, y generando unos entrecruzados deliciosos con el acompañamiento de guitarra de Helantie. Se producen buenas combinaciones de la sección rítmica bajo-batería brindándonos en alguna ocasión excelentes 'grooves', los teclados también a cargo de Helantie son capaces de atrapar la esencia crimsoniana en atmósferas pobladas de intriga e impresiones oníricas donde a lo lejos creemos reconocer los devaneos de un Robert Fripp.

 

 Las composiciones tienen algo de ingenuo y sobretodo dosis de naturalidad. Un producto nada edulcorado donde da la impresión de que la producción no puso grandes trabas y la grabación se hizo bajo un espíritu sano y libre, traduciéndose en una música sobria, desprovista de grandes arreglos, sin fuegos artificiales centrados en crear un bloque atractivo a partir de los instrumentos fundamentales, aunque llegaremos a escuchar en intervenciones breves violín y clarinete y hasta guitarra española. Un disco que presenta uniformidad en los cortes mayoritariamente donde no se aprecian grandes contrastes, fases diferenciadas ni tampoco un patrón de inicio - trama y desenlace, topándonos muchas veces con un final inesperado o más bien habría que matizar con un final que no lo es, es decir ponen punto final a la altura que les parece conveniente y ya está, ese es uno de sus puntos débiles. Tal vez por eso la guitarra constantemente pretende refrescar con elementos que creen impacto, para evitar la monotonía, algo que consigue bastante bien. Las voces tampoco ayudan mucho, aportando más bien rigidez y frialdad, como suele ocurrir en estos grupos del norte, equilibrándose con calidez en las intervenciones de guitarra.

 

Sus tracks más destacados, Pilvien Takaa, Suikuliidulla y Härmä jazz entre otros. Un disco que sorprenderá a propios y extraños por su calidad.

MAGMA - Live (1975)

 

Didier Lockwood...............Violín

Benoit Widemann..............Teclados

Christian Vander................Batería, voz

Bernard Paganotti..............Bajo

Gabrid Federow.................Guitarra

Jean Paul Asseline..............Teclados

Klaus Vasquiz......................Voz

Stella Vander......................Voz

 

1ª cara:

- Könhtart (part 1)

2ª cara:

- Könhtart (part 2)

3ª cara:

- Kobah

- Lïhns

- Hhaï

4ª cara:

- Mëkanik Zaïn

 

Serían considerados creadores de un sub-genero del rock, y más concreto dentro del progresivo, denominado "Zeuhl". ¿A qué se denomina, o que quiere decir? En realidad es una palabra inventada por el fundador y compositor del grupo, Christian Vander, que no se le ocurrió otra idea descabellada que la de inventarse un idioma. Entonces según él significa "Celestial" en el idioma kobaïano. Pero su definición no tiene nada que ver con el tipo de música que se realiza. El término gustó y ahí se quedó, pero desde luego podríamos decir que la onda musical es una mezcla de Avant-garde, con ciertas pinceladas de jazz y corrientes experimentales del rock progresivo, vamos, en una palabra, vanguardia. Otras bandas que se incluirían en esta extraordinaria modalidad podrían ser MAMMUT, ART ZOYD, KULTIVATOR o UNIVERS ZERO. Pero si en lugar de tener origen francés hubiera sido ubicada en Alemania tal vez se hablaría de Krautrock, y sus versiones más farragosas que podrían incluirse dentro de la esfera de proyectos como AMON DÜÜL , CAN , etc.

 

Si difícil es su definición, también lo es su sonido, de carácter muy libre, ciertamente desconcertante, de drásticos giros en algunos momentos e hipnótica y repetitiva en otras , notas intensas que se quedan en el aire interminables, sin atenerse a un patrón claro, alejada de los cánones que la industria musical quiere marcar, es una incógnita lo que nos vamos a encontrar en el camino. La improvisación juega un papel importante, la música es tremendamente expresiva y nos pone en guardia los 5 sentidos alertados por un desasosegante espíritu que se apodera del ambiente, convirtiéndolo en una espesa atmosfera inquietante.

 

Los temas son muy extensos y fundamentalmente instrumentales, sin embargo se encuentran repletos de voces sombrías, incluso terroríficas,  que actúan a modo de instrumento vocalizando sonidos y palabras ininteligibles, exagerando en ocasiones llegando a ecos  guturales, y en otras letras edificadas a base del idioma inventado por Vander tienen en alguna fase un carácter iniciático, llegando a escenas extremas de paroxismo.

El violín tiene un protagonismo muy destacado desplazando de la primera línea a la guitarra que no llegará a conseguir el mismo status en ningún momento, no así los teclados, que son los artífices del esqueleto donde se soporta el entramado, fabricando tupidos ambientes que comportan visiones fantasmagóricas, oníricas, escalofriantes e hipnóticas. La rítmica también es digna de mencionar, el bajo se deja oír con mucho temperamento también por encima de la guitarra y en comunión con las peculiares percusiones de Vander obteniendo en muchas ocasiones un tono que recuerda estrechamente la trío formado por Cross-Wetton-Bruford de la etapa "Larks tongues in aspic - Red" de los mismísimos CRIMSON. Un bajo perjudicado por ronquera, el violín en primera línea y la batería esgrimiendo tiempos del gran Bruford.

Música caótica difícil de seguir y asimilar, dura, que necesita tiempo y paciencia del oyente. No apta para oyentes poco iniciados en el estilo progresivo. Como me decía un amigo que no conocía apenas nada de progresivo y sinfónico: "Canciones hechas por tipos fumados para ser escuchadas por gente fumada".

IKARUS - Ikarus (1971)

 

Lorenz Köhler.................Voz principal

Wolfgang Kracht............Bajo, coros

Jochen Petersen.............Guitarra eléctrica, Guitarra acústica, saxo, flauta, clarinete, coros

Manfred Schulz..............Guitarra, coros

Bernd Schorder..............Batería y percusiones

Wulf -Dieter Struntz.......Órgano y piano

 

1ª cara:

- Eclipse:

a) Skyscrapers

b)Sooner or later

- Mesentery

2ª cara:

- The raven (incluye "Theme for James Marshall")

- Early bell's voice

 

Oriundos de Hamburgo, estos muchachos eran estudiantes que decidieron juntarse para formar una banda sin más interés al principio que pasarlo bien. Tocaban en lo que entonces se asemejaban a las actuales "casas de juventud" y decidieron ponerse de nombre allá por 1966 "Beatique in corporation", denominación imaginativa. Hacían versiones de Elvis y Tom Jones que triunfaban en esa década. Pero iba a llegar un cambio, estaban formados y preparados con una educación basada en la música clásica, y su andadura en el mundo del rock se inició amateur participando en varios conciertos y consiguiendo reconocimientos a su trabajo. Llegaron a participar en el Hamburgo pop and blues festival en 1970 donde coincidirán con otros grupos de la altura de Alexis Korner, Steamhammer, Chicken ShacK ó  Greatest show on earth entre otros.

 

Se ganarán el calor del público más exigente que permaneció allí atrincherado durante 3 días, y pocos meses después todos sus esfuerzos tuvieron finalmente premio al lograr convertirse en teloneros de URIAH HEEP. A partir de entonces las cosas salieron rodadas para el sexteto, que por insistencia del manager que habían contratado "Beatique in corporation" cambió su nombre por IKARUS.

Ya en los 70 la audiencia de IKARUS creció considerablemente y se les requirió de tal forma que su carácter de aficionados no era suficiente, los conciertos les llovían, y tenían que decidirse por dar el salto al incierto mundo profesional con dedicación exclusiva. Sin embargo cuando estaban a las puertas de firmar un nuevo contrato con METRONOME, sin más decidieron separarse. Y hasta hoy.

 

Su homónimo es un disco maduro, profundamente trabajado, con las ideas muy claras, algo que no suele suceder en el primer lanzamiento de un nuevo proyecto. Grandes y complejas composiciones con una producción y arreglos brillantes. Se deja notar la formación académica de los componentes.

 

Cuando escuchamos la entrada enseguida tenemos la sensación de encontrarnos ante una banda que practica krautrock sobretodo con el órgano que suena a contratiempo. No obstante con la participación del clarinete y la estructura musical que presenta, su esencia es muy similar a la SOFT MACHINE, COLOSSEUM ó KING CRIMSON, pero en realidad muestran interés por diversas tendencias del momento y su rock es muy ecléctico.  La importancia del órgano y la vitalista existencia del bajo son piedras angulares en sus temas de principio a fin. Las guitarras se mueven más en la sombra siempre dentro de parámetros moderados, más preparadas para crear texturas envolventes y ayudar a la instrumentalización que en destacar.

Es una música muy expresiva, con la intención de construir paisajes, transmisores de sensaciones, no en vano juegan con muchos efectos de sonido, casi siempre propiedad de la madre naturaleza, e introducen a lo largo de toda la obra bloques extraños y oscuros "onírico-obsesivos" , muy en la línea de la psicodelia de PINK FLOYD. Los arreglos orquestales hacen gala de gran aparición y eso les acerca al lado más sinfónico del grupo. Mi duda es si los consiguen o no con un mellotrón, pero no hay noticias de este instrumento. La sección de viento es otro elemento abundante y le otorga un sonido muy a la "escuela canterburiana". "Mesentery" es un buen ejemplo de ello, recordándonos terriblemente a CRESSIDA, CARAVAN ó SOFT MACHINE.

EPIDAURUS- Earthly paradise (1977)

Christiane Wand.........Voz

Manfred Struck...........Batería y percusión

Volker Oehmig............Batería, percusión

Heinz Kunert................Bajo, percusión

Günther Henne............Hammond, mini-moog, Poly moog, clavinet, piano, mellotrón

Gerd Linke....................Hammond, mellotrón, Mini moog, guitarra, clavinet, piano

 

1ª cara:

- Actions and reactions

- Silas Maner

2ª cara:

- Wings of the dove

- Andas

- Mitternatchstraum

 

Contrasta la solidez de un primer lanzamiento trazado según los cánones de sinfónico clásico que nos entra a la primera de cambio como un buen vino, con la dificultad que tuvo la banda para conseguir llegar a grabarlo. Tuvieron que cambiar de miembros durante la grabación en unas fechas en que el estilo estaba agotado y vilipendiado. No puedo saber a que se debió su falta de continuidad siendo que habían hecho una presentación impecable, pero imagino que por ahí irían los tiros.

 

Desde que el disco comienza a girar, la conexión con su música es inmediata para todo buen aficionada al estilo. Rock sinfónico en estado puro y correcto construido a partir de las creaciones de sus dos teclistas, autores encargados de escribir todos los temas y que cuentan para ello con un arsenal de aparatos, sintetizadores, pianos, mellotrones, etc. Todo ese aluvión no va a dejar lugar a una guitarra. Solo escucharemos una acústica que hace algunas incursiones en "Silas Maner". Eso es todo. Se puede decir que dentro del Krautrock en su vertiente más sinfónica comparten puestos con WALLENSTEIN, NEUCHSWANSTEIN ó NOVALIS aunque casi habría que incluirlos dentro de la electrónica progresiva que abanderaban TANGERINE DREAM ó KLAUS SCHULZE muy en auge en Alemania.

 

Hay dos baterías, uno tocó en una cara y el otro en la otra. El bajo realiza un gran trabajo destacando especialmente en "Andas", tal vez el trabajo más "arriesgado" y progresivo por así decirlo. Luego tenemos a Wand una chica con una voz fantástica pero que no creo que esté muy explotada, utilizándola más como un instrumento que como una forma de expresión. Sus registros son muy agudos y difíciles de alcanzar, suponiendo buena calidad para lo que se podía encontrar en otras bandas alemanas que descuidaban bastante el aspecto de la voz. Wand con su manera de cantar unida a las cargas de mellotrón convierten los temas en ambientales, de corte épico y esencia onírica. Melodías creadas a partir de los sintetizadores, accesibles y sostenidas por un mellotrón que marca la pauta y cadencia a seguir, con buenos cambios de ritmo para no caer en posibles tedios.

 

El último tema de título impronunciable a mi juicio es el mejor de toda la obra, estando más cerca de la electrónica que ningún otro con una melodía encajada sobre un bucle o loop que no ceja hasta el final. Etéreo e hipnótico está próximo a los conceptos del TANGERINE DREAM del momento. 

Toda una institución dentro del sinfónico teutón que no debemos dejar pasar por alto. Sus referencias a bandas inglesas del género habría que buscarlas en formaciones como GENESIS ó  YES.