"Mientras en Reino Unido aparecen los primeros signos de una Contracultura. El 11 de junio se produce la famosa lectura poética de Ginsberg, Corso y Lawrence Ferlinghetti en el Royal Albert Hall. Concita a 7000 espectadores y, entre los comparecientes, además de los Beat, hay figuras de la intelligentsia local como el antipsiquiatraR.D. Laing.
Ronald Laing
Londres asiste a la aparición de librerías underground, como la Better Books de Barry Miles; tiendas de ropa como Granny Takes a Trip, en King's Road....Los psicoactivos tienen un rol desde hace años antes, en su época de confinamiento bajo el paradigma institucional, pero ahora la Psicodelia química asaltará al Reino Unido. Elites del pop, como Donovan o los Beatles, acceden a su consumo, tanto en su país como en las sedes americanas de la subcultura.
Tanto es así que a finales de año Michael Hollingshead, uno de los mayores apóstoles psicodélicos, abre en Londres su World Psychedelic Centre, inspirado por los escritos y métodos de Timothy Leary. La irradiación desde la capital hacia las provincias es cuestión de tiempo. La doble nacionalidad del foco contracultural, también."
Jeff
Lynne…………..…………...….Voz principal, guitarra, moog,
harmonium
Mike
Edwards…………………...….Cello
Colin
Walker………..……………...Cello
Wilf
Gibson………………...….……Violin
Richard
Tandy…………...………..Piano, moog, harmonium, guitar, voz
Bev
Bevan……………………..…….Batería, percusion
Michael
Alburquerque..……...Bajo, voz
1ª
Cara:
-
In
old england town
- Mama
-Roll
over Beethoven
2ª
Cara:
-
From the sun to the world
-
Kuiama
En
la ciudad de Birmingham y después de la disgregación de THE
MOVE, dos de sus integrantes, Jeff Lynne que apenas había hecho
acto de presencia y Roy Wood, resuelven que la idea es crear un nuevo
proyecto empezando de cero, pero con elementos novedosos, nada
parecido a lo anterior. Su idea principal es introducir sonido
clásico pero interconectado con la música moderna del pop y el
rock, queriendo llevar el rock partiendo del punto en que THE
BEATLES lo dejaron. No es extraño que quisieran hacerlo cuando
estaba en plena ascendencia el rock progresivo y sinfónico, con una
filosofía muy similar a la que querían poner en marcha. EMERSON
LAKE & PALMER ya en 1970 habían dado el golpe con su primer
LP donde la adaptación de clásicos, llevados al rock era un hecho.
Incluso Emerson, antes incluso con THE NICE ya había
hecho a finales de los 60 cosas en ese sentido.
Pero
cuando Wood y Lynne decían que querían introducir
música clásica, era exactamente eso, literalmente la incorporación
de instrumentos de música clásica como el violín y sobre todo el
cello, que adquirirá un protagonismo creciente, de tal manera que el
concepto de rock sinfónico adquiere más fuerza que nunca. Y
ciertamente van a conseguir que el sonido creado sea original y
único, una concepción musical que les hace ser reconocidos
rápidamente, con un sello que los identificará para siempre. A lo
largo del tiempo y con su enorme discografía nunca consiguieron un
n.º1 en las listas, sin embargo mantienen el mayor número de éxitos
en el top 40 de la historia de Billboard, y además fue el grupo que
más veces apareció en el programa de TV, The midnigth special,
con 4 ocasiones.
Particularmente
soy seguidor de sus inicios, más experimentales y concebidos hacia
un rock progresivo de tintes sinfónicos, plasmado en piezas extensas
en tiempo donde podemos discernir pasajes instrumentales muy
variados. Después, cuando empezaron a adquirir notoriedad a través
de singles comerciales, con una música más dirigida hacia el pop
que hacia el rock, con éxitos que aunque no carentes de calidad, no
dejaban de ser composiciones más asimilables y de reducido
contenido, ya no encuentro ese espíritu genuino y atrevido que
reside en sus primeras obras.
A
las primeras de cambio, tras la grabación de su debut “No
answer” en
1971, e inmersos en la preparación del segundo, éste
que tenemos en el punto de mira, Roy Wood decidió que no
quería continuar, dejando solo al frente a Lynne, que aunque
muy preparado, ya que era compositor, arreglista, músico y
productor, ahí es nada….no digirió bien la partida de su binomio,
Wood era muy bueno en lo suyo, y sus ideas eran muy bien recibidas,
su participación en la creación musical era esencial para Lynne.
Fue un mazazo, pero Lynne tenía claras sus convicciones y a pesar de
su ausencia y la de 2 miembros más que arrastró Wood en su partida,
decidió seguir adelante fichando nuevos componentes para la creación
y grabación de ELO II.
La otra portada
Después
de haber realizado unas cuantas actuaciones en directo, el quebradero
de cabeza más importante para la banda eran los problemas con los
instrumentos de cuerda utilizados (violín, cello,….). No podían
escucharse más que escasamente entre la algarabía del ruido
existente en un concierto. Pero raudos se preocuparon en buscar la
solución. Pusieron en los instrumentos unos elementos llamados “pick
ups” que no eran otra cosa que unos micrófonos o pastillas,
utilizadas en guitarras eléctricas y otros, que amplifican el sonido
adecuadamente. Esto resolvió la cuestión y el sonido ambiente por
fin pudo comportarse como en estudio.
Llegó
la grabación de sus segundo LP, en el que Wood aún dejó huella en
alguno de los temas. Tras marcharse formaría rápidamente otra
banda,Wizzard con dos ex-ELO. Originalmente el disco se iba a llamar
The lost planet, pero acabó simplificándose, como todos
sabemos. Para completar los integrantes, entrarán Colin Walker y
Mike Edwards para cubrir las bajas, y Richard Tandy debutará
ocupándose de los teclados, quien incorporó el harmonium, un
curioso instrumento con teclado, pero que es de viento, con un sonido
muy parecido al del acordeón. Las portadas Americana y Británica
disienten, en la europea en el título dice ELO, en la de EEUU, con
otra portada inferior, en mi opinión, ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA. Se
registró en vivo en el estudio sin apenas pistas grabadas, y su
difusión en las emisores de Estados Unidos fue muy amplia, de hecho,
siempre han tenido más seguidores en ese continente.
Se
trata de un trabajo nada comercial, nada que ver con lo que vendrá
dentro de unos años, escuchándolo podemos darnos cuenta
retrospectivamente de que el sonido clásico de la banda se está
gestando, las texturas de los instrumentos clásicos, sobre todo del
cello, van a ser marca de la casa, Lynne tiene claro que ese es el
camino. Un álbum que contiene tan solo 5 cortes nos da una idea de
la extensión de ellos, y por tanto de que por el trayecto nos
encontraremos pasajes de diversa índole y con más jams
instrumentales que voces.
Con
la primera pieza, In old england town,
nos quedamos mudos y fuera de juego con una entrada realmente arisca
de los cellos en secuencias obsesivas, el sonido duro y oscuro nos
acompaña durante el tiempo que dura y que no ceja en desasosiego ni
siquiera cuando canta Lynne o entra su guitarra. Se crean
expectativas en cuanto a que nos vamos a encontrar más adelante. No
obstante el sonido ELO se está forjando con esos arreglos de cuerda.
La sonoridad de la voz, es extraña, se produce una especie de eco
similar al de alguien cantando en una habitación vacía. Otra de
esas pinceladas que quedarán como sello personal.
Se
abren un poco los nubarrones con Mama, que aunque tiene
el álbum una oscuridad que se extiende a lo largo de todos los
surcos de ambas caras, si que es más acogedora, con un Lynne más
lírico y unos arreglos orquestales creando fondo más apacibles, a
su vez los cellos construyen un vaivén, a modo de ida y vuelta que
parece que mecen la melodía y que se repiten hasta el final. Con su
3º tema triunfarían en las radio fórmulas americanas. Una mezcla
entre la 5º sinfonía de Beethoven y un clásico de Chuck Berry,
Roll over Beethoven, un mix inesperado de gran
contraste, supondría un chute de popularidad, rock and roll al más
puro estilo con arreglos de cello y violín dando cobertura a la
guitarra rockera de Lynne que canta en sintonía a la pieza. Los
teclados de Tandy también aportan a la causa con un desarrollo a lo
Jerry Lee Lewis. La
dinámica del track y su producción es espléndida y el final es
digno de Ludwig.
El
otro lado del acetato está ocupado tan solo por dos títulos que
retornan a la posición inicial, el dramatismo y el ambiente algo
cargado se afincan de nuevo para no marcharse. From the sun to
the world, extensa suite que transmite rápidamente
clasicismo con la épica intro, se trata de la melodía principal que
se irá repitiendo seccionada por el piano de un brillante e
inspirado Tandy y por los cellos y violín, este imprime
especialmente paisajes desquiciantes. A mitad de composición se abre
un pequeño y precioso paréntesis, un remanso de paz lleno de
romanticismo y nostalgia, para desembocar nuevamente en la épica
cada vez más acelerada y estridente, terminando con un final algo
precipitado, un punto a mejorar.
Y
la pieza más amplia de todo el disco queda para terminar, Kuiama,
con casi 12 minutos de duración pasando por diferentes estados, se
puede decir que es la más progresiva, la guitarra no se había
manifestado nunca tan dura como aquí, mostrando las armas de la
banda, texturas orquestales magníficas, cambios de ritmo y atmósfera
diversas. Pero eso sí, sigue oscura y nostálgica como la anterior,
con un violín de aires románticos que nos toca la fibra. Poco a
poco se encamina hacia el final subiendo en una serie de escalas
hasta desembocar con fatalismo en un cierre extraño y a la vez
futurista, que es algo ajeno y discordante con el clasismo que
encierra este tema. Nuevamente el final no termina de ser acertado.
Disco
con el que se deleitarán los amantes del progresivo más clásico o
del sinfónico purista. Es una ocasión para conocer las raíces de
esta banda que trascendió y que dejaría huella para siempre, porque
los éxitos que llegaron a finales de los 70 e inicios de los 80, no
son sino el resultado de un buen trabajo realizado en las primeras
etapas con introversión e inocencia. Mucho más auténticas, nada
que ver con la comercialidad que les lanzó al estrellato.
"El llamado rock alemán germinó de forma natural en las comunas en la que se reunían los artistas. La Kommune 1 de Berlín Oeste fue la primera que intentó aglutinar música y política, porque, en un país conquistado y dividido, la política era parte del pan de cada día.
Kraftwerk. Pura electrónica
Amon Düül. La Komuna
En septiembre de 1968 se celebró en Essen el Festival Internacional de Essen Song Tage,y en él ya actuaron grupos fundamentales como Tangeríne Dream y Amon Düül. Un año después nace el sello Ohr, el primer sello vanguardista del país y edita los discos de los Dream y también de Klaus Schulze, Guru Guru, Ash Ra Tempel y Embryo"
"La única persona de las liquid jams que conocía a Graham Nash era Mama Cass. Graham recibió su llamada a mediados del mes de julio. Le convenció con facilidad y sugería que parecía una buena idea refugiarse de sus problemas en casa de Mama. En tan solo 48 horas, Graham Nash era un nuevo vecino de Laurel Canyon.
Joni Mitchell y Mama Cass
¿Dónde se produjo la primera reacción mágica de las tres voces? Ninguno de ellos se pone de acuerdo. Crosby dice que en casa de Joni Mitchell. Steven, en casa de Mama Cass y Graham dice que tiene muchas dudas entre cuál de las dos casas.
John Sebastian
Al mismo tiempo en esos primeros días Nash y Mitchell quedaron enamorados Amour fou a primera vista. Pero, efectivamente, la primera canción en que armonizaron las tres voces fue una vez más la famosa You don't have to cry. Mama Cass y John Sebastian se quedaron hipnotizados por la belleza de la armonía y de cómo empastaban las tres voces. Milagroso."
(El sargento Pepper nunca estuvo allí. Julián Ruiz)
