MÁNAR - Mánar (1971)

Ólafur bórarinsson...................Voz, guitarra y flauta

Björn bórarinsson....................Órgano Hammond

Gudmundur Benediktsson.......Piano y voz

Smári Kristjánsson...................Bajo

Ragnar Sigurjónsson................Batería

1ª cara:

- Líf bitt

- Hvers vegna?

- Söngur satans

- Litli fuglinn

- Ég horfi á brimid

- Leikur ad vonum

2ª cara:

- Haustregn

- Villi verkamadur

- Sandkorn

- Prelúdía í a moll

- bridja heimsstyrjöldin

Hay que irse hasta la fría e inhóspita isla de Islandia, allá en el mar del Norte, para toparse con una magnífica banda que a pesar de su performance tan europeo con el que podían haberse abierto camino en el mercado, apenas es conocido. Una formación de la que se sabe poco, en un país del que se sabe poco, aglutinada por un par de hermanos que a tenor de los instrumentos que ocupan son el pilar básico de todo lo que vamos a encontrar. Creo que a lo sumo, algún single y el álbum que abordamos, representan su paso por las tierras del progresivo. Una vida que comenzó en el año 1967 y que palideció en 1975.

Sorprenden desde el principio con un sonido progresivo formidable dentro de los cánones del momento álgido que vive el movimiento. Composiciones de nivel alto, con algún botón de muestra accesible, de apenas no más de 3 minutos en la mayoría, algo que resulta curioso, puesto que si algo caracterizaba a esta tendencia era la extensión de las piezas, que era difícil que bajaran de los 4 minutos, pero ya se sabe: "lo bueno si breve, dos veces bueno".

Música sólida, concisa, con una estructura claramente determinada y una melodía reconocible, con una producción más que correcta, sin desarrollos instrumentales grandilocuentes, ni muestras de virtuosismo. Son pragmáticos y van al grano y realmente se echa de menos en varias ocasiones un alargamiento de buenos momentos.

Lo cierto es que su disco póstumo es un compendio muy heterogéneo, su lista de canciones es una exposición variada de todo tipo de posibilidades e influencias dentro de la faceta progresiva. Podemos hallar un blues rock con el aditivo de unas percusiones latinas más afines a otros lugares geográficos, tratamiento del hammond en la línea de unos particulares OMEGA, tremendas influencias del rock italiano, particularmente en el tratamiento de los coros (Leikur ad vonum), los arpegios de las guitarras acústicas y el espíritu de algunos de los tracks.

Temas, muchos de ellos, arrancan con un riff concreto sobre 4 compases engalanados con buenas armonías vocales, suaves guitarras que se tornan duras y es cuando se aproximan a un sonido pesado, flauta en su justa medida, violines y orquestación (Sandkorn), pero por encima de todo está el piano como nexo vertebrador (Villi verkamadur) que interviene de forma crucial a interludios.

El último asalto es la contribución a la experimentación que hasta entonces no había dado la cara. Es la "cosa rara" del disco en la que cada músico hace lo que le apetece con independencia de lo que hagan sus compañeros, firmando un amasijo sin pies ni cabeza pero que suena bien, en parte gracias a que una vez más el piano fluye con un patrón que mantiene atados los cabos, un piano tenso que deriva en un oscuro órgano final que sale de la nada y termina escabroso.

La anécdota es que cantando en islandés como hacen, uno espera escuchar vocablos ásperos, angulosos, pero nada de eso, la sonoridad de los fonemas es muy agradable y más similar al inglés de lo que puedas imaginar.

Vinilo recomendable que resulta fresco, interesante y con episodios que muchas veces se quedan cortos.

Más allá del punto de no retorno

         Tony Banks:

 

"Surgió la posibilidad de hacer The Lamb. Al principio no estaba seguro, pero Peter parecía tener ganas. Y si él tenía ganas, yo podría tenerlas. Me sorprendió que Peter siquiera considerase la idea: pensaba que había dejado Genesis en el pasado, pero al hacerte mayor te ablandas un poco. The Lamb era una obra teatral para ser interpretada en su totalidad, pero también sería algo muy agotador."

                                                               (Genesis. El libro de las revelaciones) 

La estafa del Rock II

"Hubo dos grandes víctimas del escándalo Payola: Alan Freed, el inventor del rock and roll, y el popular presentador televisivo Dick Clark, en la cima con su Dick Clark Show, después del éxito de su American Bandstand. Si se había ido a por los dos máximos responsables y se les había utilizado como cabezas de turco, los demás sabían que el suelo se hundiría bajo sus pies.

 

La película de terror alcanzó cotas impensables. Dick Clark contó con un abogado de enorme prestigio que presentó un caso impecable. Clark admitió haber recibido regalos, pero demostró que los discos que programaba o los artistas que presentaba eran los más populares y los que el público pedía en cada momento.

 

La poderosa ABC TV en la que trabajaba le respaldó y le vendió todas las acciones de las discográficas que tenía. Su gesto de buena voluntad, su carisma, los miles de fans que le adoraban y la defensa de su abogado le libraron de males mayores., aunque el golpe de efecto ya estaba dado."

                                                                            (Historia del Rock) 

MADDER LAKE - Still point (1973)

Mick Fettes....................Voz líder

Brendan Mason...............Guitarra principal

Kerry McKenna................Bajo, sintetizadores, coros

Jack Kreemers................Batería, congas, gong

John McKinnon................Piano, órgano, coros

1ª cara:

- Salmon song

- On my way to heaven

- Helper

2ª cara:

- Listen the morning sunshine

- Goodbye lollipop

- Song for little Ernest

- 12LB. Toothbrush

"Rara avis" proveniente del continente Australiano y en concreto de la localidad  de Melbourne, surgiendo de la escena rock que allí bullía. El hecho de pertenecer a esa isla apartada en la que el estilo occidental de vida se reduce a una zona delimitada escasa, en comparación a la vasta extensión del país, supone tener unas características particulares adquiridas en un paisaje único, lejos de los ambientes y escenarios donde surgían los movimientos y la vanguardia del Rock en todas sus parcelas. Y es que es un álbum sorprendente, lo cojamos por donde lo cojamos, con una personalidad forjada con influencias de los 4 puntos cardinales. Detectamos segmentos y recovecos dentro de la obra, que tocan todos los palos dentro del rock contemporáneo de la época. Esa diversidad surtida en sus temas no es sino consecuencia del influjo tan decisivo obtenido por todo el material que se generaba en la vieja Europa.

Cuentan con un frontman, tipo curioso que no es el arquetipo precisamente, que solo se encarga de la voz, cuya participación no es toda la que podría llegar a ser, ya que los temas gozan de secciones instrumentales extensas, y sin embargo goza de unas cuerdas vocales rabiosas y batalladoras que ya hubieran deseado otras bandas.

Es trabajo arduo ubicar su sonido dentro del amplio espectro del rock ecléctico. Pero si me tengo que decidir, creo que por encima de todo es una banda tendente al progresivo con incrustaciones blues creando un patrón equivalente a las incursiones que llevaron a cabo bandas como BABE RUTH, incluyen cambios de ritmo suavizados sin implicar drásticos saltos de dirección. Música sostenida sobre fantasías de guitarras (Salmon song), nos trasladan a ambientes de tierras cálidas (Listen to the morning sunshine), a atmósferas de la factoría WHO (Song for little Ernest) donde la guitarra y el bajo combinan creando una dualidad Townshend - Entwistle, como en los mejores tiempos. Son capaces de situarnos en territorios manidos por grupos de pop de la era "BEATLES" (Goodbye lollipop), uno de sus éxitos en single y enviarnos a zonas inauditas jugando con el soul, funk o incluso el afterpunk, que estaba por llegar, nuevamente (Listen to the morning sunshine).

Las intervenciones al piano, pocas para mi gusto, son fundamentales, majestuosas, de gran gusto y entran en juego la mayor parte de las veces para introducir puntos de inflexión y cambios de sentido en las composiciones, con un estilo en la manera de hacerlo y un uso del instrumento análogo a los TRAFFIC de Steve Winwood. Es singular la introducción de sonidos espaciales al principio y final de canciones con la finalidad de establecer separaciones, ya que el resto no tiene nada que ver con la atmósfera espacial.

La estafa del Rock I

"Las grandes compañías, las majors, y sus editoras discográficas, veían en las pequeñas compañías una competencia desleal. Era la lucha del poder establecido contra la agresividad de lo joven y nuevo. No entendían que el mundo había cambiado y ya no volvería atrás, aunque lograran detenerlo unos años. 

 

La ASCAP denunció a cientos de disc jockeys, emisoras de radio y cadenas de televisión acusándolos de recibir dinero a cambio de radiar esos discos o programar a los cantantes. De la noche a la mañana las denuncias llegar a todos los rincones de los Estados Unidos. Podía ser cierto en algunos casos (las compañías siempre han tratado a cuerpo de rey a los críticos musicales), pero no en todos.

 

En 1959 un subcomité del Senado investigaba los apaños en los concursos de televisión (hubo un caso flagrante, llevado al cine, en el que se potenció a un concursante blanco y de buena familia para que no ganara un judío de escaso atractivo), y la ASCAP lo aprovechó para hacer limpieza también en el mundo de la música. La sacudida fue brutal, disc jockeys despedidos y miedo.

 

A finales de 1959 se creó un subcomité para investigar el Payola y decenas de DJ fueron declaradas culpables. El 8 de febrero de 1960 llegaron las primeras sentencias"

                                                                       (Historia del Rock)

Lo auténtico deja paso a lo público.........

"A semejanza de lo que ocurrió con el rock'n'roll (y posteriormente con la nueva música pop), se inició muy pronto un proceso de comercialización, hábilmente acompañado por nuevas etiquetas y nuevas olas.'Comercialización' significa que la música es arrancadas de su campo de referencia social, con el fin de reducirla a las exigencias del mercado, al mecanismo de la compra-venta. Dentro de este proceso desempeñan un principalísimo papel los conjuntos sucedáneos, que son lanzados al mercado con el fin de explotar parte de los nuevos alicientes bajo un envoltorio popular. 

 

Ahora bien, al tiempo que sucede este proceso comercializador, la música original y pura sigue subsistiendo, aunque por regla general no llega a tener entre el público amplio la difusión de que gozan sus sucedáneos. De ahí se deduce que todo aquello que no puede ser explotado comercialmente, no podrá ser conocido por el público. No se informa sobre ello, aduciendo que no está a la venta. Y de esta forma nace la impresión de que la música original no existe."

                                                                 (El mundo de la música POP)

AINIGMA - Diluvium (1973)

Willy Klüte.......................Órgano y voz líder

Wolfgang Netzer..............Guitarra, bajo y voces

Michael Klüter.................Batería

1ª cara:

- Prejudice

- You must run

- All things are fading

2ª cara:

- Diluvium

- Thunderstorm

Único testimonio de su paso por el circo de la industria musical y dentro de esa sopa espesa de bandas que no volverían a dar señales de vida. AINIGMA formado solo por un trío de integrantes y dos de ellos hermanos van a alumbrar "Diluvium", una criatura que por la lista de tracks, podríamos atrevernos a calificar de "conceptual", pero no estoy seguro de ello, no tengo toda la información.

Obra incluida dentro del género Krautrock, como germanos que son, de carácter descarnado y oscuro. Desde un principio se muestran tal y como son, disco primitivo con una exigua producción, una voz que no alcanza el aprobado y sin ningún tipo de arreglos. Solo batería, bajo, guitarra y teclados, nada más, algo que le concierne una aureola de autenticidad a la vez que rudeza. Su irrupción es atronadora y abrupta en donde solo hay lugar a la crudeza en un entorno similar a un páramo desolado con un sonido pesado proporcionado por el órgano duro y aguerrido, que se acrecienta por una guitarra sucia sumida en la distorsión, que proviene del abuso en el pedal "fuzz", sin abandonarlo ya hasta el final.

El estilo dentro del Krautrock más próximo al progresivo, tiende hacia terrenos y elementos de garaje bañados en sustancias psicodélicas, estando a caballo entre ambos. No se prodiga en diversidad de variaciones y seccionado de los temas, más bien al contrario y por supuesto se aleja de cualquier intento de crear armonías, sumergiéndose en atmosferas oscuras y decadentes, casi agobiantes.

Sesiones construidas sobre una base simple de cuatro compases muy marcados, con muros de sonido potente sobre los que se levantan con piruetas de órgano y guitarra, castillos de naipes para derribarlos y regresar a la frase inicial. Solos de teclado (amigo de los barridos) y guitarra que se intercalan pero no enfocadas al dialogo, incluyendo aspectos improvisados y echando mano a la inspiración.

Mención especial para Michael que trabaja una batería magnífica, rica en ritmos, cuya labor es esencial para llevar el peso de la robusta maquinaria creada por sus compañeros, evitando caer en un discurso demasiado lineal en la interpretación de la música.

"Thunderstorm" es un tema que en el álbum original no constaba, ocupando la homónima "Diluvium" toda la segunda cara en un Lp algo corto de minutos. Su producción es peor que la del resto, estando a la altura de una maqueta casera.

Trabajo dentro de la esfera de otras bandas casi inéditas cuyo objeto era alumbrar sus ideas primigenias, tal como BODKIN, EXCALIBUR o unos iniciados HAWKWIND  con un sonido cercano al "Stoner".

La estación de los zombies

"Nadie podía preverlo, y a los músicos todo parecía irles de mal en peor. Terry Quirk, encargado de la portada, cometió una épica errata en lo que debiera ser "Odyssey", colocando "Odessey" en su lugar.

 

No había tiempo ara cambiarlo, y los integrantes, para cubrir el fallo, dieron explicaciones misteriosas y ambiguas en entrevistas, pretendiendo que era intencionado y relacionándolo con La tempestad de Shakespeare. cuando estuvo terminado la discográfica no quería sacarlo, y fue tras mucho esfuerzo que vio la luz, pero en ese entonces la banda ya se había separado, al ver que lo suyo no llevaba a ninguna parte.

Dadas las bajas ventas creyeron no haberse perdido mucho, hasta que la última canción Time of the season, tuviera un éxito masivo como single en 1969."

                                                                            (Malas hierbas) 

Sin mirar atras.....

"Pese a lo dicho, Duke no participa del sentido de obra conceptual, cuanto menos en su globalidad. 'Misunderstanding' y 'Please don't ask', sendas composiciones surgidas fruto de un proceso de asimilación de la nueva realidad personal de Collins -su ruptura matrimonial hizo mella en el estado anímico del batería y cantante al punto que la escritura y un ritmo de trabajo intensísimo se formularía como una terapia plausible-, indicaban la puerta de salida del rock progresivo del que habían participado en el primer tramo -si exceptuamos su pieza bautismal- de su andadura profesional.



En frente de la misma se localizaría la que les ubicaría de lleno en el pop-rock edulcorado a través de la cálida voz de Collins y sus melodías sencillas que cautivaban a un público muy amplio. 

Sin la publicación de Duke no se podría observar con claridad ese fenómeno musical llamado Genesis, en que la supervivencia del grupo conllevaría el sacrificio de buena parte de las esencias del mismo."

                                                                 (Historia del rock sinfónico)

GROUNDHOGS - Hogwash (1972)

Anthony McPhee................Guitarras, mellotrón, sintetizadores y artilugios electrónicos de todo tipo

Peter Cruikshank................Bajo

Clive Brooks......................Batería

1ª cara:

- I love you Miss Ogyny

- You had a lesson

- The ringmaster

-3744 James Road

2ª cara:

- Sad is the hunter

- S'Ones song

- Earth shanty

- Mr. Hooker, Sir John

Agrupación compuesta de 3 miembros de los cuales McPhee es el líder absoluto, siendo como en otro ejemplos, el único que no varía dentro de las diferentes formaciones. Es quien se encarga de escribir casi al 100% todas las composiciones y también se ocupa de la producción, por lo tanto casi se puede decir que los demás están bajo sus órdenes. Y es que además este trabajo, ya avanzado dentro de la carrera del proyecto de las "marmotas" es una especie de álbum "made in McPhee", es decir hecho a su medida, aunque eso llegará todavía más explicito en el siguiente volumen.

Desde el primer momento McPhee toma el mando y se presenta con una serie de guitarras desnudas y poco más, sin ningún acompañamiento, salvo su defectuosa voz, alcanzando la recta final de la canción con acústicas que dotan de algo más de cuerpo a un compuesto que no da concesiones a la melodía armónica. Tras el primer mutis, nuevamente reaparece la guitarra descarnada con riffs que se repiten con celeridad arropados por acompañamiento de otras guitarras y haciendo acto de presencia el mellotrón para sacarnos un poco de la monotonía de las cuerdas.

Tony grabará varias pistas de guitarra en la conformación de la obra, creando una estructura enmarañada con una atmósfera peliaguda y abrupta, exacerbada como consecuencia de la pírrica producción. De ello resulta que el  sonido puro de la guitarra nos parece tenerlo delante de nuestras narices en un ejercicio que podría haberse grabado en un rincón de la casa de McPhee.

Llegamos a un mix de poco más de un minuto sin pies ni cabeza que es clara improvisación a base de una batería muy activa y una serie de sonidos marcianos provenientes de los sintetizadores de todo tipo inventados o no que aglutinan en el estudio. Y para terminar el lado A, una creación experimental improvisada a base de guitarras nuevamente con riffs hipnóticos dentro de un ambiente hostil y lisérgico con una extraña voz. Pulso de guitarra haciendo lo que le place bajo un constante latido de dos notas que se alarga hasta el final.

Tras darle la vuelta al vinilo nos encontramos con la composición más elaborada hasta el momento reforzado por una instrumentación más rica en matices con una base rítmica pesada a la manera de LED ZEPPELIN.  La guitarra muy hard sigue marcando los tempos, distorsiona y usa efectos diversos en un nuevo ejercicio marca de la casa probando todo tipo de formulas y caprichos.

Se anima a utilizar sonidos espaciales de fondo sobre las guitarras que cubren el vacío y aborda el que posiblemente es el corte más progresivo del disco, con profusión por el mellotrón que se encarga de trenzar la melodía en una cadencia decreciente junto a la acústica y el chelo.

El último corte es un homenaje a John Lee Hooker, un blues clásico purista con la única intervención de la voz y la guitarra en algo que de nuevo es fruto de la inspiración del momento a base de arpegios entrecortados en un intento de llegar a lo más hondo del viejo espíritu de Hooker, un hombre al que admira y con él que llegó a trabajar en algún episodio de su vida.

Álbum directo y natural que brota del blues anclado en la forma musical de un hombre que hace lo que le gusta sin pensar demasiado en las formas y más en el fondo.

De Tony a Tony: De Smith a Banks

"Tony estaba frustrado por no tener el mismo éxito en solitario que Phil y Mike, pero a Tony le diría -y esto realmente no le ayudará- que sus discos en solitario eran los discos de Genesis.

 

Al final los discos de Genesis son el legado de Tony; ésa es mi opinión. Mike y Phil sin duda tienen  un talento enorme y lo han demostrado en sus respectivas carreras, y al final es la combinación de los tres lo que da lugar a la magia.

 

A cada uno de ellos se le echaría mucho de menos, pero la parte de Tony es crucial, porque creo que es el elemento irremplazable de Genesis. Lo considero la conciencia de Genesis, el que dirá, no, no deberíamos hacer eso porque no es adecuado para nosotros.

 

Y si siente algo con fuerza, entonces la decisión irá en esa dirección. Pero también funcional al revés, si había que tomar una decisión difícil y Tony no lo tenía nada claro, no se tomaba"

                                                      (Genesis: El libro de las revelaciones) 

El genuino Skiffle

"La música que imperaba en aquellos años en las islas era el skiffle, y Lonnie Donegan su paladín. Los mismos Beatles hicieron skiffle en sus inicios. El skiffle arrancó en los años veinte en Chicago, como rama del jazz, pero a mediados de los cincuenta, en Inglaterra, era una combinación musical surgida del rhythm and blues y el country.

 

En los Estados Unidos desapareció, pero en Gran Bretaña era la sensación. Además, podía interpretarse con apenas una guitarra tradicional y el bajo, y como complemento....una tabla de lavar de las que se usaban entonces, con la cara anterior formando estrías rugosas que producían una sonido peculiar al pasar un simple palo sobre las mismas."

                                                                               (Historia del Rock) 

FUZZY DUCK - Fuzzy Duck (1971)

Roy Sharland.......................Órgano

Mike Hawksworth...............Bajo

Paul Francis.........................Batería

Graham White.....................Guitarra eléctrica y voz

1ª cara:

- Time will be your doctor

- Mrs Prouts

- Just look around you

-Afternoon out

2ª cara:

- More than I am

- Country boy

- In out time

- A word from Bid D

Único testimonio de su paso por el mundo musical será este Lp homónimo que nos deja con ganas de más material. Poco se sabe de este cuarteto de fugaz existencia con unos músicos cuya procedencia es desconocida, mencionar tal vez a Mike Hawksworth que venía de un grupo también de breve presencia como fue ANDROMEDA, que tras el debut también desaparecería.

Sin embargo el sonido del grupo está muy bien entramado para ser el arranque de partida de un disco con portada simpática que nos descubre a un pato "loco" a la última moda hippie. De hecho, y de modo testimonial la despedida es un corto instrumental (A word from Bid D) desenfadado, donde lo único que se escucha que no provenga de un instrumento son los chillidos típicos del pato de goma que no falta en una bañera de niños.

La música está compuesta de temas potentes, directos, nos van a poner las pilas sacándonos de cualquier estado de apoltronamiento, contribuyendo unas bases rítmicas demoledoras y muy participativas, magnetizantes y eléctricas, que incluyen al bajo retumbante y que percibimos claramente. Guitarras hard, ácidas y pop rock con pedal y wah wah y los teclados importantes y esenciales en todas las composiciones, cargan con la caballería, un órgano latente, gravitante y pesado que no da cuartel (Mrs Prouts). Rock endurecido y vibrante que podemos entender progresivo, pero que con el paso de los cortes vamos cambiando el concepto y terminamos emplazándolo más cerca del garaje y el underground, de grupos que ofrecían temas de construcción sencilla pero con órganos saturados, sonando próximos a bandas como FRAME, BODKIN y en su similitud a progresivos ácidos como VANILLA FUDGE y FRUMPY y porque no decirlo, en algunos fragmentos parecen imbuidos del espíritu de THE WHO.

No prima la exploración ni la búsqueda de desarrollos, fronteras y límites poco explorados, sino más bien, están basados en riffs y frases sobre las que las guitarras construyen los jams con lógica más fácil de recordar, siempre sobre un cielo tormentoso dominado por el hammond.

Reseñar que las voces son compartidas y los temas se suceden con la colaboración de diferentes gargantas, intentando que cada una encaje con los registros exigidos. Bien, cumpliendo con el expediente, pero sin alardes.

Es curioso el sonido de este conjunto, recoge matices que los identifica con una facción que aparecería a comienzos de los años 90, un estilo que fue bautizado como "Sonido Manchester" por la procedencia de las bandas y me recuerda tremendamente a  CHARLATANS, STONE ROSES o INSPIRAL CARPETS que a la postre serían ejemplos de aquel movimiento.