STATUS QUO - Piledriver (1972)

 

Francis Rossi....................Guitarra lider y voz

Rick Parfitt.......................Guitarra rítmica y teclados

John Coghlan...................Batería

Alan Lancaster.................Bajo y voz

 

1ª cara:

- Don't waste my time

- Oh baby

- A year

- Unspoken words

2ª cara:

- Big fat mama

- Paper plane

- All the reasons

- Roadhouse blues

 

Se puede decir que este álbum, el quinto en la abultada carrera del cuarteto y que logró colocarse en el puesto nº 5 de las listas británicas, sería el disparo de salida para comenzar su meteórica trayectoria, que explosionaría obteniendo los mejores resultados en los primeros ochenta, alcanzando un nivel de popularidad como nunca llegarían a imaginar gracias a ciertos temas convertidos en éxitos desde su aparición, que todos recordaremos sonando en la radio a todas horas, alargando la estela victoriosa durante toda la década, siendo ésta su década. Luego ya en los 90 su éxito se empezaría a apagar para ir diluyéndose con los años, aunque siempre serán un referente en el panorama rock y es que todavía siguen en activo tras más de medio siglo.

 

Tal vez el título del Lp sea muy apropiado, puesto que de alguna manera refleja ese rock directo e incisivo impreso en sus surcos. Ya no son unos principiantes, estamos ante un disco guitarrero de pies a cabeza con el que comienzan a forjar el sonido clave que los hará distinguirse, que les otorgará la singularidad de su música, frente a muchas otras formaciones de hard y blues rock. Su sello está más próximo al boogie rock que van a popularizar más adelante hasta la saciedad: ritmos divertidos y rock alegre con la idea de hacer mover los pies y divertir al personal, pero en 'Piledriver'  todavía se resisten a abandonar sus orígenes de rock and roll y bues, aunque la suerte ya está echada.

 

Tras el divertido boogie de "Don't waste my time" baluarte de la onda a explotar, sin apenas tiempo para coger aire recibimos una descarga enmarañada guitarrera de lujo con "Oh baby", uno de mis temas preferidos en el que no hay descanso de principio a fin, todo un tema sólido y denso. Pero no todo es hard rock, también demuestran que su capacidad para componer está en cotas altas de calidad y las melodías desarrolladas son francamente interesantes construyendo texturas con las guitarras de aire 'beatle' (A year) donde demuestran que también son capaces de expresar sentimiento, arropado por cadencias progresivas que junto al bajo producen atmósferas más líricas. Un blues en toda regla cierra la primera cara, "Unspoken words", con aportación de teclados y adornado por el solo de guitarra que nos brinda Rossi, sugerente y comedido, rebuscando en las raíces del grupo nos muestran su lado más purista.

 

Tras el descanso y darle la vuelta al vinilo arrancamos con "Bit fat mama", de nuevo su preferido, el boogie rock a la palestra que junto con Don't waste my time y el siguiente "Paper plane", son las piezas emblemáticas núcleo de su idiosincrasia. punta del iceberg que se cernía, se movían en el terreno con el que más disfrutaban y empezaban a sentirse más cómodos. Más factibles en las radio fórmulas que cualquiera de los anteriores, dirigidas al público con riffs, melodías sencillas y ritmos contagiosos fáciles de memorizar, sonaban bien pertrechados con magníficos solos de guitarra.

La única balada que aparece es "All the reasons" y en su momento se tachó de corte más bien flojo, algo con lo que disiento, muy al contrario creo que es una maravilla que cautiva si se escucha con atención. Guitarras punteadas establecen un pegadizo estribillo que va "in crescendo" a lo largo del tiempo atrapándote con su bella melodía. Creo que podrían haberle sacado más partido a la evolución de esta canción.

 

Para finalizar tocarán rock and roll de altos vuelos realizando un cover de "Roadhouse  blues" de THE DOORS, diferente, a su manera, pero en el fondo fiel al original, con aportación en la harmónica de Bob Young y de Jimmy Horowitz al piano.

 Estaban demostrando que su preparación para atacar cualquier tipo de estilo era más que buena. Pero ellos, el camino a seguir, lo empezaban a vislumbrar.

JERONIMO - Time ride (1972)

 

Gunnar Schafer.......................Bajo

Michael Koch..........................Guitarra eléctrica, acústica

Ringo Funk..............................Batería

 

1ª cara:

- Time ride

- There are people

- Blind man

- To be alone

2ª cara:

- Sunshine

- Indian river

- Do you still remember

- Ice dream

- Gone

 

Incluidos dentro del género Krautrock, lo cierto es que no son del todo representativos, seguramente el hecho de ser de origen alemán  en un momento de explosión y expansión del rock teutón, hacía fácil que se les clasificase en esta disciplina.  Fue una de esas bandas que durante su corta duración se movió en esferas underground sin llegar nunca a despuntar, aunque se codeó en cierto momento con supergrupos como DEEP PURPLE ó GOLDEN EARRING haciendo galas junto a ellos en festivales al aire libre.  Y es que la calidad de la banda es palpable, pero sin conseguir el éxito que los empujase a peldaños superiores.

 

Su música estaba construida sobre unas guitarras potentes que desarrollaban un hard rock sin cuartel. Time ride es el 3º y último disco del trío, varía respecto al anterior trabajo, muy duro y sumido absolutamente en un  rock con temas que son trallazos directos al cerebro. Esa imagen poderosa de hard rock tan fresco consiguió calar en los partidarios de esta doctrina, pero manteniéndose en el anonimato intrínseco a ellos. Llegó su último vinilo, Time ride, y podía esperarse una reafirmación en el estilo, pero no sería así.

Tras la partida de uno de sus fundadores, el guitarrista Rainer Marz, la labor de las guitarras va a recalar directamente en Michael Koch que se ocupará tanto de la eléctrica como de la acústica, eso supondrá que el nivel de decibelios va a reducirse, una guitarra menos se nota. Pero no solo eso, sino que se observa un giro musical, sigue habiendo cancha para el rock duro, pero comienzan a aparecer muchos más matices, se gana en variedad, colorido y sobretodo las composiciones tienen más riqueza. Ya no se trata de cortes ceñidos a un sonido brutal y rígido elaborado por las guitarras de Marz y Koch, ahora las canciones siguen teniendo raíces del blues con el que nacieron, pero tienen fases claramente divididas, diferenciadas unas de otras, adentrándose en mundos progresivos con incorporación cada vez más abundante del órgano, pero sobretodo del mellotrón. En resumidas cuentas creo que el grupo alcanza la madurez en la creación musical. pero también en las letras que las acompañan.

 

La guitarra eléctrica sigue guerrera, todavía es un peso pesado, pero se combina con pasajes de acústica aflorando la vertiente más sensible de la banda (There are people), también nos muestran el lado humano (To be alone), un solo de guitarra acústica acompañada de voz, bajo una suave cortina de la base rítmica, amable e intimista termina abruptamente con un solo de guitarra entre capas de mellotrón. Ya al otro lado Sunshine es un corte de guitarra macarra, Indian river tiene una extraña belleza, con un riff llamativo y un gran trabajo de guitarras con connotaciones del rock underground de finales de los 80, muy redondo. Do you still remember bien podría estar en la órbita de BOWIE, mientras que Ice dream muestra el lado más jazzy con elenco de efectos. Gone como él mismo indica pone fin al disco.

 

Un disco interesante a descubrir por todos aquellos que disfruten con solos de guitarra, potentes riffs y progresivo de gran tonelaje.

THE ALLMAN BROTHERS BAND - Idlewith South (1970)

Jay Johanny Johannson..............Batería, timbales, congas, percusión

Berry Oakley..............................Bajo

Dickie Betts................................Guitarra eléctrica

Gregg Allman............................Órgano y voz

Butch Trucks..............................Batería

Duane Allman...........................Guitarra eléctrica, slide y acústica

 

1ª cara:

- Revival

- Don't keep me wonderin'

- Midnight rider

- In memory of Elizabeth Reed

2ª cara:

- Hoochie coochie man

- Please call home

- Leave me blues at home

 

Norteamericanos y más concretamente del estado de Florida, son considerados precursores de lo que se ha denominado "Rock Sureño". Su influencia ha sido enorme en innumerables bandas de su país que poco a poco fueron surgiendo tras ellos (Marshall Tucker band, Lynyrd Skynyrd,.....etc), mientras ellos eran catapultados a lo más alto, aunque la desgracia se cebó en la formación.

 

Duane Allman, uno de los hermanos fundadores moría al poco tiempo de grabar este 'Idlewith South', segundo álbum de la corta existencia de este sexteto. Un accidente de moto privaría al grupo de un miembro clave y carismático a la guitarra y componiendo. Pero eso no fue todo, al poco tiempo cuando todavía no se habían recuperado del mazazo que suponía la pérdida de Duane, el bajista y también fundador Berry Oakley moría de forma idéntica sobre una moto y a pocos metros del mismo lugar donde lo hizo Duane. Otro duro golpe sacudía el seno de los Allman Brothers, todo ello supuso que las cosas ya no fueran nunca las mismas, la magia y frescura se enturbiaron, hubo desestabilización y la trayectoria fue muy errática a partir de entonces, viendo la luz álbumes con luces y sombras que no terminaban de convencer a sus seguidores.

 

Al margen de la historia de los músicos, decir que pronto demostrarían su cualidad que no era otra que su virtuosismo y capacidad de esfuerzo e improvisación encima del escenario.  En sus comienzos eran más conocidos por sus estupendos conciertos que por el material hecho en el estudio. De hecho siempre se les recuerda como los autores del fantástico ' At filmore east', doble en directo con temas extensísimos, fruto de su natural capacidad para improvisar con diversos solos que hacen las maravillas de los amantes del rock en general, subiendo muchos minutos la duración de cada corte.

Tras debutar, los discos no se vendían, el éxito comercial era muy bajo. Sin embargo el efecto "boca a boca" era lo que mejor funcionaba, hasta el punto que el mismísimo Clapton reclutó a Duane Allman para que colaborara en su unión con los DOMINOS en su encumbrado "Layla and other assorted love songs". Idlewith South fue grabado en la carretera durante largo tiempo en la gira de lanzamiento con la producción a cargo del reputado Tom Dowd, que recientemente había trabajado con CREAM Y JOHN COLTRANE nada menos . De nuevo falló su estreno y el éxito de nuevo escaso, pero eso sí, las ventas mejorarían debido a los más de 300 conciertos que se metieron en el cuerpo durante el año 1970.

 

Este segundo asalto que no tuvo el reconocimiento debido y que si lo tendrá años después, está sustentado sobre guitarras de diversa factura y el órgano de Gregg Allman, fundamental en sus composiciones extendiendo un tupido fondo sobre el que las guitarras dibujaran sus ilustraciones. Las raíces están profundamente ancladas en el blues y el jazz,  movimientos que conoce muy bien el productor Dowd.

 

El vinilo nos ofrece un trabajo heterogéneo donde podemos descubrir nada más empezar "Revival", un corte breve de ritmo vivo llevado en volandas por la guitarra acústica de Betts y que termina convirtiéndose en un inesperado muestrario de Gospel de domingo matinal, sobre el que cada instrumento hace una pequeña introducción.

"Dont' keep me wonderin" es otra pieza construida sobre un riff inicial de la 'slide guitar' de Duane que se va volviendo sinuosa, y que conforme avanzan los surcos se va recubriendo con instrumentación que hace que el volumen vaya creciendo hasta un clímax.

 El country hace su aparición con Midnight rider, canción que despunta, iniciada con una guitarra acústica, y que descansa su fuerza en el órgano lineal que suena al fondo y seguidamente en la guitarra de Duane generando una atmósfera de especial belleza, que lo hace irresistible y que declina inacabada.

Se despedirán de la primera cara con  'In memory of Elizabeth Reed' de trasfondo jazzístico, se inicia con una introducción que gira en torno a la extensa composición, luego continua con el solo de guitarra de Betts que se encadena al solo de órgano de Gregg.  De acompañamiento encontramos rasgueos de guitarra con trazas de jazz y con cierto sabor a funk. De nuevo vuelve al frente la guitarra de Betts y acaba con la introducción convertida en coda.

La segunda cara está más cimentada en el blues, comienza con "Hoochie coochie man"  compuesto por el 'bluesman' Willie Dixon, clásico ritmo y guitarras lánguidas que se van turnando en relevos en un dialogo de viejos rockeros. Otra composición que bebe de las fuentes del blues y dirigido de la mano de Duane es Please call home, de triste cariz, donde aparece un piano vertebrador y unas guitarras melancólicas en cadencia descendente. La última entrega es Leave my blues at home, tema instrumental de complicado ritmo y un tanto enmarañado en su concepto, difícil de clasificar. Sus guitarras se muestran jazzys y funkys insertando solos en un dialogo de guitarras que resultan reconfortantes y que llevan hasta el final.

ANDROMEDA - Andromeda (1969)

 

John Du Cann................Voz y guitarra

Mick Hawksworth.........Bajo

Jack Collins....................Batería

 

1ª cara:

- Too old

- The day of the chance

- Now the sun shines

- Turns to dust

- The reason

- I can stop the song

2ª cara:

- Return to sanity

- When to stop

- Go your way

- Keep out'cos I'm dying

 

Un power trío guitarrero predestinado a triunfar, que terminó haciéndolo con luces y sombras, con sus miembros desperdigados dentro de formaciones, que sí que dejaron su nombre impreso en el libro de los grandes del Rock, como ATOMIC ROOSTER ó ALVIN LEE en solitario, componiendo para su propio grupo fuera de TEN YEARS AFTER. ANDROMEDA  como tal dejaría su firma en este homónimo trabajo, y luego desaparecería de la manera ya mencionada. John Du Cann se engancharía a las huestes de Vincent Crane y Mick Hawksworth entraría en la banda de Alvin Lee a finales de los 70, cuando la carrera del guitarra estaba en horas bajas, pero antes ya había participado en la banda de blues rock KILLING FLOOR, con una trayectoria errática y corta. En cuanto a Jack Collins nada más se supo, solo que fue miembro fundador y que luego fue sustituido rápidamente por Ian McLane.

 

Nuestros tres amigos grabaron un álbum que dejó huella y que serviría como guía a muchos grupos que más adelante se internarían por la senda del hard rock y blues rock, aunque siempre se les incluye como pioneros del progresivos o como distinguen "proto-prog". Lo cierto es que su fórmula es explosiva y conlleva muchos elementos que innovaban en el terreno del power rock. Lo primero que llama la atención es su base rítmica, un dúo brutal de batería y bajo, este último hace un trabajo descomunal dotando a los temas de un vigor que ya no desaparecerá, su presencia es envolvente y palpitante. La guitarra de Du Cann es el componente esencial, poderosa y salvaje en ocasiones se  torna suave  en otros pasajes, pasando de una situación a otra de forma instantánea, ofreciendo contrastes marcados (Now the sun shines, When to stop), con distorsión y fuzz a puñados se encarga de establecer una textura que rellenará todos los huecos de manera que el sonido es compacto y potente. Sus guitarrazos son hirientes, con arranques inesperados que se traducen en punteos agudos y de una velocidad endiablada.

 

El contenido del disco es heterogéneo y permite descubrir todas las posibilidades del tridente. El abanico de estilos es amplio dentro de su música, hard rock, blues, garaje, psicodelia, progresivo, hace que no haya una definición clara por la que se encaminen y está muy empapado de las tendencias del momento. En concreto la guitarra muestra pasión por un Hendrix que había emergido hacía poco menos de 2 años o un Alvin Lee de los mejores TYA, recordando en otros fragmentos a unos Zeppelin de su primer álbum.

 

Las melodías se revelan ásperas, rabiosas, rock en estado natural, sin aderezo, sin arreglos, salvo momentos puntuales en que insertan coros que suavizan las rugientes atmósferas. When to stop o Return to sanity destapan la faceta más progresiva de la banda, en una 2ª cara más inclinada a esta disciplina.

FREE - Fire and water (1970)

 

Paul Rodgers...............Voz principal y piano

Paul Kossoff.................Guitarra eléctrica

Simon Kirke.................Batería

Andy Fraser.................Bajo y piano

 

1ª cara:

- Fire and water

- Oh I wept

- Remember

- Heavy load

2ª cara:

- Mr. Big

- Don't say you love me

- All right now

 

Banda con corto recorrido en el mundo del rock, apenas 5 años, algo que con el paso del tiempo no supone nada, y sin embargo dejarán una huella que quedará para el recuerdo. Y es que el combo estaba formado por 4 personajes con una personalidad brillante, de una u otra manera. Comenzaban en 1968 debutando con su primer disco Tons of  sobs,  basado desde el principio en el blues. Pero ni con este ni con su segundo titulado simplemente Free, conseguirán el propósito. Tienen temas interesantes, pero necesitan un empujón para salir del maremágnum de grupos que tocan el mismo estilo en esa época de finales de los 70.

 

"Fire and water" su tercer plástico, no difiere mucho de los anteriores, pero porta escondida al final del todo una joya que conseguirá que se les abran las puertas de la mediocridad y consigan el deseado reconocimiento, All right now, es el corte estrella y entrará a velocidad supersónica en las radio fórmulas, llegando al puesto nº 2 en las listas inglesas y al nº 5 en las americanas. Será la escusa perfecta para conocer más a fondo a una formación que no solo atesora esa canción, sus composiciones van a ser escuchadas más atentamente y se van a revalorizar.  Lo mejor que les puede ocurrir es participar en el festival de la 'Isla de Wight' ante 600.000 personas dando a conocer su éxito All right now obteniendo el resultado esperado. Su popularidad sube como la espuma y la venta de sus discos se dispara brutalmente. Han pasado en cuestión de 1 año prácticamente del anonimato a un reconocimiento a nivel mundial, ese salto abrupto les pasará factura como se verá más adelante.

 

Paul Rodgers hasta entonces desconocido, no dejará de triunfar allí a donde vaya. Todos los proyectos, que son varios, en los que ha recalado han sido siempre positivos, para los grupos y para él.  Su voz es muy importante en FREE, es un todoterreno que se adapta a todas las situaciones, convence y lo hace en una forma muy expresiva, algo que agradece el receptor, ofreciendo diversas caras dentro de un mismo tema, transmitiendo proximidad y dando mucha vida a la línea emocional que desprende la música.

 

Paul Kossoff guitarra de la banda, es un hombre frágil con una gran personalidad al instrumento. Está empapado de blues y rhythm and blues y sus fundamentos son sólidos y enraizados en ellos. Capaz de construir muros con arpegios largos (Mr Big), o realizar solos magníficos, su forma de tocar es sencilla pero con un contenido esencial. La fama que obtuvo en tan poco tiempo no pudo digerirla bien y empezó a tener problemas con las drogas, poco tiempo después siendo todavía joven, 25 años, moría a consecuencia de ellas.

 

Fuego y agua

El Lp al que hacemos referencia  rezuma autenticidad, natural en sus formas y confección, sin aditivos, puro rock de guitarra blues con una producción reducida, se centra en los sonidos guitarreros de Kossoff, que junto a la voz de Rodgers son los elementos que resaltan sobre todo lo demás, no obstante las composiciones calan con ese espíritu honesto. Apenas encontraremos algunos pasajes de piano y rastros de sección de cuerda engrosando los pocos arreglos.  Sin duda tuvieron el acierto de crear All right now, que cierra la obra y que lo tiene todo: Un riff que nos atrapa desde el inicio, un solo de guitarra magistral intercalado "in crescendo" a la par con el piano, y un estribillo que se queda en nuestra memoria, siendo la pieza mejor y más trabajada.

KEEF HARTLEY BAND - Halfbreed (1969)

 

 Mille Anderson............Voz principal y guitarra

Gary Thain...................Bajo

Spit James...................Guitarra eléctrica

Keef Hartley.................Batería

Peter Dines..................Órgano y piano

 

1ª cara:

- Sacked

- Confusion theme

- Halfbreed

- Born to die

- Sinnin' for you

- Leavin' trunk

2ª cara:

- Just to cry

- Too much thinking

- Leave it'til the morning'

- Think it over

- Too much to take

 

Formación forjada y liderada por su batería Keef Hartley, no dudó en denominarla con su propio nombre aplicándole el término "Band" para incluir a los compañeros que había escogido. Y es que ya andaba curtido en esto de las agrupaciones y disponía de cierta experiencia para establecerse por su cuenta. En su pasado entre otros había sustituido a Ringo Starr cuando este se marchó muy acertadamente para unirse a THE BEATLES, o también estuvo tocando con John Mayall quién terminaría despidiéndole.

 

Banda de principios basados en el blues rock donde hay más de blues que de rock, aunque hay que decir que no es un grupo muy al uso en sus formas, puesto que incorpora una capa de barniz en forma de jazz y soul que es bastante poco habitual.

"Halfbreed" es el primer disco que se lanza bajo su tutela, un trabajo que si bien está encaminado por la senda del blues, lo cierto es que resulta bastante ecléctico en su conjunto, cada tema tiene su miga que sorprende con algo novedoso en cada composición,  y que recoge un abanico de tendencias que existen en esos momentos en el mundo de la música rock. El resultado final es más que aceptable. Tiene un sonido personal y muy interesante.

 

El órgano de Peter Dines tiene un papel decisivo en el entramado (Halfbreed) , y por supuesto la batería de Keef Hartley tiene momentos magníficos con juegos de timbales y ritmos de tiempo fantásticos, siempre muy comedido en las formas. Las secciones de viento están a la orden del día sobretodo a la hora de realizar los arreglos, que aportan ese aire soul a los temas.

 

También vamos a encontrar blues clásico (Born to die), al estilo del I can't quit you baby, Babe I'm gonna leave you de nuestros queridos ZEPPELIN, con una guitarra que se lamenta en comunión con la suplicante voz de Mille, teclados de fondo y el inconfundible ritmo de blues. Sinnin' for you, es un corte caracterizado por sus constantes entradas de metales tanto en arreglos como en melodías y donde el bajo golpea sin piedad, muy soul a pesar de la guitarra bluesera que finaliza con una inesperada flauta.

 

Una pieza con los cánones del Rock and roll nos lleva a terminar la primera cara del vinilo, Leaving trunk nos muestra un órgano vibrante en versión psicodélica que escupe ácido en pequeños asaltos, mientras que la guitarra descarga y va creciendo en sus evoluciones. Just to cry inicia la segunda cara con una conformación peculiar y diferente que bien podríamos encontrar en la esfera de bandas asociadas al "sonido canterbury". CARAVAN, CRESSIDA o incluso SPRING estarían en condiciones de avalarla. No encontramos ni rastro de blues, más bien aires progresivos con unas guitarras atravesadas por efectos que las deforman y unos desarrollos que nos hace suponer cierta experimentación e improvisación. El órgano está omnipresente sujeto a 2 acordes.

Partiendo del festival de Woodstock

 

Vamos a encontrar sorpresas nuevamente con Too much thinking, donde el violín que hasta entonces no había aparecido, lo hace por una sola vez, para tomar el mando y llevar el peso junto a las secciones de viento construyendo una melodía que lo convierte en un corte triste. Think it over , nuevamente bajo un patrón de rock and roll se cimenta en una guitarra potente pasada a través de la pedalera wah wah donde se ceba especialmente. El órgano vuelve a subirse al carro de los ácidos y el bajo palpitante nos pone en tensión.

 

Hay que decir a modo de anécdota que el disco se abre y se cierra con una conversación telefónica entre Keef Hartley y John Mayall. En el de inicio, Mayall le comunica a Hartley que no continuará. En la comunicación final, es Hartley quien despide a Mayall.  A mi entender toque de humor de carácter sarcástico por parte de Keef Hartley.

GARY WRIGHT- Extraction (1970)

 

Hugh McCraken........Guitarra

Alan White................Batería

Gary Wright..............Teclados, voz

Klaus Voorman..........Bajo

Mick Abrahams.........Guitarra

Mike Kelly..................Batería

Trevor Burton............Bajo

1ª cara:

- Get on the right road

- Get hold of yourself

- Sing a song

- We try hard

- I know the place

2ª cara:

- The wrong time

- Over you now

- Too late to cry

- I've got a story

Durante su permanencia en SPOOKY TOOTH como miembro al cargo de los teclados, Gary inició su particular carrera musical en solitario. Al parecer tenía capacidad para jugar a ambas bandas y no quiso desaprovecharlo. Para ello se rodeó de un elenco de artistas cercanos a los círculos en los que se movía. Su nuevo y primer álbum tenía que causar buena sensación, y los miembros que formaron parte de la banda inicial fueron músicos con pedigrí. Así contaron con Alan White futuro batería de YES, que había fundado la PLASTIC ONO BAND. Otro de ellos Mick Abrahams que dejó en sus prolegómenos a JETHRO TULL  para formar su propia banda, Klaus Voorman, hombre polifacético que también hacía las veces de bajista, aunque su fuerte era el diseño, faceta que le sirvió para ponerse al servicio de BEATLES y realizar la cubierta de Revolver. McCraken, guitarrista y arreglista que estuvo inmerso en innumerables proyectos y grabaciones de diversas bandas, o Kelly y Burton ex-miembros de SPOOKY TOOTH y PLASTIC ONO BAND.

 

Gary Wrigth con George Harrison

Queda patente que su intención era triunfar desde el primer momento y asumió la producción, una forma más de controlar el producto final. Su pertenencia a SPOOKY TOOTH desde luego va a marcar la trazada por la que dirigirá sus pasos en el álbum, con un sonido dentro de la órbita del rock clásico con cierta inclinación por el acento sureño que muestra en varias de las composiciones.

 

Cuenta con una potente sección rítmica y los temas se desarrollan en parámetros normales de rock, terminando la mayoría de ellos con una guitarra que interpreta un solo, arrastrando a todos los demás instrumentos hacia un final difuminado. Es interesante la sociedad que se abre a veces entre guitarra y órgano configurando un muro sonoro que contribuye a que las piezas adquieran gran solidez. Destaca "I know the place" temazo, con unos riffs de guitarra y órgano omnipresente que arrebatan nuestra atención de principio a fin. "Over you now" es sin duda la parte más floja del disco, un corte algo insulso que se cae del resto, en calidad.  El resultado final es un buen Lp cargado de buenas canciones y de calidad más que buena.

 

Especial atención también a los arreglos de piano en el conjunto, que aportan valor a la obra. La voz de Gary busca la melodía y sus semejanzas en el timbre con Steve Winwood, son plausibles. A mediados de década comenzó a trabajar más a fondo con los sintetizadores lo que le valió para dar un giro a su carrera acercándose a esferas más próximas a sonidos etéreos, atmósferas envolventes y búsqueda de nuevos sonidos que junto a su voz lo harían más asequible al gran público.

JOSEPH - Stoned age man (1970)

Joseph Longeria................Guitarra y voz

Glen Spreen.......................Teclados

Mark Jones........................Batería

 

1ª cara:

- Trick bag

- I ain't flattenin' no more frogs for snakes

- Cold biscuits and fish heads

- Stoned age man

2ª cara:

- I'm gonna build a mountain

- Mojo gumbo

- The house of rising sun

- Gotta get away

- Come the sun tomorrow

 

Curioso y extraño disco, difícil de clasificar. Único bajo la denominación de JOSEPH, que viene del proyecto liderado por Joseph Longeria, un tipo americano de Texas, particular y original, descubierto por casualidad en un concurso de blues. Grabó el álbum con músicos de sesión en muy poco tiempo con composiciones de su propia cosecha y con la inclusión de alguna que otra versión adaptada y modificada  por él. Después desconozco cual fue su paradero.

 

Al escuchar este disco de "la edad de piedra" la primera conclusión que se puede sacar es que se trata de un conglomerado, un crisol de tendencias contemporáneas que Longeria supo aunar muy eficazmente creando una obra diversa y singular dentro de un sonido dominado por el blues como elemento unificador. Caracterizado por ser un trabajo sobrio con letras extrañas cuenta con una portada y título cavernícola que le viene que ni pintado.

 

Llama la atención la voz de Joseph Longeria, desgarrada, expresiva y fuerte llegando a ser salvaje. Muy apropiada con la música de cierta crudeza y la temática que trata en sus piezas, imprimiendo mucho sentimiento y personalidad. El rock es proto-progresivo muy acentuado en el apartado blues, incluye pasajes de psicodelia, garage, costa oeste, beat, constituyendo una variedad que sorprende a cada tema que va sonando.

 

Las guitarras oscuras en la mayoría de los casos, contienen distorsiones y acido en dosis fuzz, el órgano psicodélico muy presente en los inicios va perdiendo fuerza para ir quedando más como melodía de fondo hacia el final y ganando el protagonismo la guitarra prehistórica de Longeria. La base rítmica es muy contundente y el bajo marca la pauta muy incisivo. Los cortes se suceden sobre composiciones sencillas tratadas con aspereza, sin arreglos, sin elementos envolventes, tal como son, naturales, logrando con ello transmitir una sensación de autenticidad, donde el autor ha plasmado sus pensamientos sin presiones.

 

Genuino trabajo que todavía desprende frescura,  me recuerda en su producción y libre creatividad al de sus parientes TOUCH, quienes también fueron muy sinceros y desinhibidos en su música.