domingo, 20 de septiembre de 2015

SPIRIT OF JOHN MORGAN - Spirit of John Morgan (1969)


John Morgan...........Órgano, piano, teclados y voz.
Mick Walker ...........Batería y voz.
Don Whitaker..........Guitarra eléctrica y voz
Phil Shutt ..............Bajo

1ª cara:
- I want you
- Honky Tonk train blues
- She's gone
- Orpheus and none for ye
2ª cara:
- The yodel
- Shout for Joy
- Ride on
- Yorkshire blues

Éste es el primero de dos y únicos grandes álbumes que van a dejarnos estos chicos británicos que gozan de fuerte personalidad plasmada en su sonido. Hay que buscar sus raíces en el blues puro, siendo ese estilo la esencia y el espíritu de todo el trabajo, pero eso sí, vertebrado por el magnífico órgano de Morgan en unos temas y en otros por el piano o el harpsicord confiriendo la atmósfera progresiva que nos atrae a los fans de esta disciplina.

Cuatro músicos que dominan su instrumento, demuestran a lo largo de todo el disco en ejemplos fantásticos un virtuosismo arrollador, confeccionan un producto variado que engloba un compendio de influencias, desde el blues,  el rock and roll, el garaje, la psicodelia, una muestras de ragtime y por supuesto el progresivo. Una cosa que me sorprende al escucharlos es su capacidad para desarrollar ritmos, el gran sentido del ritmo que surge de sus composiciones es fabuloso; el rock and blues fluye por sus venas y el entusiasmo y el buen ánimo queda reflejado en cada uno de sus canciones.

Un LP que engancha desde el primer momento donde cada corte es distinto al anterior. Encontramos desde un piano solo como si de un viejo "saloon" se tratase, cigarro en boca bajo una lámpara atorada de humo (Honky tonk train blues), pasando por un instrumental con una batería acelerada a lo shuffle (The yodel), rasgos de jazz (she's gone), rock and roll (ride on),  o un blues de los bajos fondos donde se lo pasan en grande (Yorkshire blues).


PUNTUACIÓN: (De 1 a 10): 8,8


lunes, 7 de septiembre de 2015

JACKAL - Awake (1973)


Chris Kellesis..........Órgano
James Kellesis ........Batería
Dave Bernard..........Guitarra
Charlie Shannon......Voz

1ª cara:
- At the station
- For you
- Sunny side of the day
- A new day has arisen
2ª cara:
- How time has flown
- Lost in the world
- In the heavens
- Awake

Formación del otro lado del Atlántico, concretamente de Canadá, con 4 miembros en sus filas, dos de ellos los hermanos Kellesis, peso específico y alma del cuarteto.

Grupo de sonido sólido, pesado, potente que realiza un progresivo sostenido por igual sobre todos los instrumentos formando una amalgama sonora compacta y enérgica, en la que los músicos aportan su labor obteniendo un resultado sin resquicios, denso y bien coordinado. Desarrollan un estilo que si bien en un inicio no lo parece, conforme avanzan los surcos la dureza se va mostrando con más intensidad a través, sobretodo, de unas guitarras graves que emiten riffs muy marcados, categóricos, que en escala mayor dirigen los movimientos hacia los que deriva la melodía acompañados de un Hammond que berrea siempre que le dejan. La tendencia que siguen las guitarras tiene origen en el rock and blues y el órgano vibrante desciende de la psicodelia de finales de los 60.

domingo, 26 de julio de 2015

Confidencias, avatares y vivencias de la gran banda

"Let there be more light nació a partir de referencias de Pip Carter, uno de los personajes más raros de la mafia de Cambridge, ya fallecido. Originario de la zona de los Fens, y con algo de sangre gitana, Pip trabajó para nosotros en alguna ocasión como uno de los ayudantes mas absolutamente ineptos del mundo -un título con multitud de candidatos- y tenía una preocupante tendencia a quitarse los calcetines en el interior de la furgoneta."
                                                                                    ("Dentro de Pink Floyd") 

El nuevo impulso de la segunda generación

"Después de la  gira estaba muy decidido a continuar. Estaba harto, porque todo el mundo decía: oh, Pete era Genesis y yo pensaba, no es así. Vamos a ver qué podemos hacer, les demostraremos que están equivocados. Mike estaba igualmente decidido. No vamos a dejar que esto se acabe ahora. Hemos llegado hasta aquí y podemos hacerlo, podemos hacer música  que sea igual de buena y podemos seguir adelante. No tenía ni idea de como íbamos a conseguir esto pero sentíamos un público muy entusiasta y que seguiría con nosotros. El problema básico era que, por supuesto, no teníamos cantante."
                                                                 ("Genesis: El libro de las revelaciones") 

domingo, 19 de julio de 2015

JULIAN'S TREATMENT - A time before this (1970)


John Dover................Bajo
Jack Drummond..........Batería
Cathy Pruden.............Voz
Julian Jay Savarin.......Teclados y voz
Del Watkins...............Guitarra y flauta

1ª cara:
- First oracle
- The coming of the mule
- Phantom City
- The black tower
- Alda, Dark lady of the outer worlds
- Altarra, Princess of the blue women
2ª cara:
- Second oracle
- Twin suns of centauri
- Alkon, Planet of centauri
- The terran
- Fourth from the sun
- Strange things
- A time before this

Julian Jay Savarin, hombre culto y polifacético es el artífice de este proyecto, en el que asume el liderazgo, y por lo tanto es el escritor ,compositor y director de una obra de corte conceptual basada en una trilogía de libros de ciencia ficción escrita precisamente por J.J. Savarin con un cierto éxito. El hecho de haber escrito esos libros hace que vaya madurando la idea de ponerle música,  y cuando lo hace las composiciones llevan tiempo siendo preparadas, por tanto se trata de un trabajo elaborado y premeditado, fruto de horas de esfuerzo.

domingo, 12 de julio de 2015

El magnífico e incorregible batería de los Who

"Como los demás, se atiborran de anfetaminas, antes de actuar en clubs llenos hasta los topes donde intentan que la gente se mueva un poco con su música. Entonces, se llaman Detours, nombre que muy pronto cambió convirtiéndose en High numbers. Durante horas interpretaban temas clásicos del repertorio del rhythm and blues, en especial canciones de James Brown, que entonces conocía un considerable éxito. En sus comienzos eran relativamente tranquilos, aplicándose a tocar bien las canciones. La llegada de un nuevo baterista, Keith Moon, va a cambiarlo todo. Hace irrupción en el grupo una tarde cuando éste tocaba en la sala de la parte de atrás de un hotel, según la costumbre de entonces. Descontento de la manera de tocar del batería, que él encuentra excesivamente blando para su gusto, Keith se lanza sobre él y le echa de la batería para ocupar su puesto."
                                                                                 (Alain Dister. El Rock inglés) 

La disciplina es contraria al punk

"En 1981 las ideas del Fripp no triunfaron porque la eclosión punk del 77 había devastado todo el estatus musical existente, y la posterior new wave había servido de revulsivo pero a la vez de estabilizadora del movimiento. No era tan obscena, ni grosera y por ello se había asimilado masivamente como réplica al más desordenado y anárquico punk. La nueva ola arrasó cualquier dinosaurio. Y no fueron las teorías de Fripp las que contribuyeron a colapsar los grandes monstruos."
                                     (Robert Fripp & King Crimson: Música de alto riesgo)

domingo, 5 de julio de 2015

SPRING - Spring (1971)


Pat Moran................Mellotrón y voz
Ray Martinez............Mellotrón y guitarra
Adrian Maloney.........Bajo
Pick Withers.............Batería
Kipps Brown.............Piano, órgano y mellotrón

1ª cara:
- The prisoner (eight by ten)
- Grail
- Boats
- Shipwrecked soldier
2ª cara:
- Golden fleece
- Inside out
- Song to absent friends (the island)
- Gazing

Después de escuchar esta gema la conclusión que obtenemos es que el mellotrón es el denominador común, el nexo de unión de toda la obra. Nada menos que 3 miembros de la banda lo utilizan, algo que es difícil de encontrar en otras formaciones. Se sienten a gusto con él y le sacan el máximo partido dando profundidad y cuerpo a sus interpretaciones, sin el cual estarían carentes de fuerza sobretodo en la primera cara, donde la música es suave con cierto aire pastoral a base de flauta y guitarra acústica que hacen que se respire una atmósfera delicada en todo el disco. En este primer lado los temas son sencillos, arropados por el mellotrón a modo de orquesta y con unos ritmos castrenses de batería en muchos casos, que fundados en la idea concepto de la obra, hacen que la caja se comporte de una forma juguetona e inquieta a lo largo de todo el vinilo.

El sonido es muy cercano a cosas como las que hacían MOODY BLUES quienes sacaron mucho partido al mellotrón sobretodo es sus primeros LP's, y a unos CARAVAN del álbum "In the land of grey and pink".

La 2ª cara gana en fuerza, las composiciones se hacen más complejas y el rock se vuelve más ecléctico. Se gana en potencia y en carácter, la guitarra eléctrica entra con mucha más presencia y protagonismo dotando a las canciones de rock más marcado, dejándose entrever algo de psicodelia ya tardía en sus cuerdas. Todo ello se encuentra hilado con un órgano dinámico y el mellotrón que nunca desaparece, produciendo un resultado atractivo para el oyente progresivo.

Se trata de un trabajo realizado con mucho gusto, cuidando los arreglos, estableciendo melodías interesantes e introduciendo algunos cortes de factura intimista que transmiten unas sensaciones realmente positivas.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 8,1



domingo, 28 de junio de 2015

El acierto de una banda agónica: Crime of the century. 2ª parte

"La compañía soltó algo de pasta para que el grupo se marchara un tiempo a una granja a poner a punto su nuevo sonido y desarrollar las canciones. Por fin Hodgson se iba a decidir a soltar alguna de esas viejas composiciones de adolescente que tanto le habían avergonzado en su "periodo progresivo"; era la última oportunidad y si tenía que jugársela, lo haría sin complejos. Supertramp estaba a punto de admitir que sí, que eran un grupo sinfónico, pero sobre todo un grupo de pop. Hodgson y Davies soltaron su mejor material y decidieron que lo firmarían conjuntamente, auque se nota la personalidad que manda en cada tema y, salvo en la larga "Rudy", en la que comparten tareas vocales, ambos tomarían la responsabilidad de cantar en las canciones en las que habían dejado su impronta como compositores. En aquellas sesiones comenzó a verse que la melancolía de uno casaba a la perfección con el ingenuo idealismo pop del otro, que la sección rítmica era tan potente como liviana, que Haliwell podía aportar mucho con sus dibujos de vientos, elegantes pero que podían ser cazados al vuelo por cualquier aficionado al tarareo."
                                                    ("Supertramp y los grandes magos de los 70") 

Bob Dylan: Un hombre que haría evolucionar a la música pop

"Fue en enero del 65 cuando se comenzaron a grabar las 18 canciones de "Bringing it all back home" de Dylan. Tom Wilson, su productor, había buscado los mejores múscos d estudio. Costó mucho acoplarlos, pero luego hubo canciones que se grabaron en una sola toma. Su "It's all right ma", según Jesús Ordovas, "puede ser considerada la 'suma theologica' dylaniana. Es una respuesta visionaria y anárquica a una sociedad enferma". Pero también hay canciones iniciáticas. Su "Mr. Tambourine man" encierra en clave una alegoría al porro. A partir de esta canción Dylan insistirá en sus visiones bajo los efectos del denso humo de un "canuto". Son sus famosos "sueños" inconexos, contrastados, de veloces pinceladas tratando de recomponer una escena cargada de recuerdos. Es la época en que lee, como toda joven a Kerouac y a Ginsgerg. Dylan canta en su disco "mis canciones las escribo con el timbal de la mente" y "yo sólo quiero pintar un cuadro de lo que ocurre por ahí de vez en cuando, aunque no entiendo demasiado bien lo que pasa."
                                                                                    (1954-1984: 30 años de Rock) 

domingo, 21 de junio de 2015

PINK FLOYD - Atom Heart Mother (1970)


Nick Mason.............Batería
Roger Waters..........Bajo,voz
Richard Wright........Órgano y teclados, voz
David Gilmour..........Guitarra eléctrica, voz

1ª cara:
- Atom Heart Mother
                a) Father's shout
                b) Breast milky
                c) Mother fore
                d) Funky dung
                e) Mind your throats please
                f) Remergence
2ª cara:
- If
- Summer '68
- Fat old sun
- Alan Psychedelic breakfast
                a) Rise and shine
                b) Sunny side up
                c) Morning glory

El grande entre los grandes. La banda de progresivo y psicodelia por antonomasia, supieron conjugar a la perfección estos conceptos y plasmarlos magistralmente. Un conjunto de músicos comprometidos e inquietos, buscadores, vanguardistas, dotados para crear mundos originales, excéntricos, fantasmagóricos en los que los ácidos tienen mucho que decir al respecto. Junto a BEATLES y ROLLINGS, los grupos más en boca de la prensa a todos los niveles y en cualquier disciplina del rock, una de las mayores influencias en su estilo en innumerables bandas de todo el mundo.

Después del primer LP se descolgaría el frontman, abandonando por problemas personales al no poder soportar la presión que empezaba a sentir, cuando se dio cuenta que no eran un mero conjunto de amigos sino que la cosa iba en serio. Se marcharía Barrett que era el fundador y principal cerebro dejando paso a David Gilmour. Parecía que todo se acababa.....pero no, ni mucho menos.

Estamos en el 5º de una larga colección. Un trabajo posterior a una banda sonora creada para la película "More" y un directo con inclusión de temas en estudio: "Ummagumma".  El grupo ya bastante cohesionado y con una línea a seguir más marcada, decide embarcarse en su primera gran obra conceptual que ocupará toda una primera cara del vinilo. Se trata de una composición en la que tiene cabida toda una sección orquestal, fundida con la banda en un ejercicio en el que ponen a prueba su coordinación y su prestigio, obteniendo una nota más que favorable. "Atom..." es un tema sobresaliente dividido en partes muy desiguales unas de otras, donde se aprecian pasajes sinfónicos, lisérgicos, coros, devaneos psicodélicos, delirios oníricos, teclados de fondo bajo una voz celestial y la guitarra de Gilmour que fluye paralela a la melodía sin arranques de fuerza, dejándose llevar.  Toda una mezcla de colores que termina como se inició, irrumpiendo la sección de viento de la orquesta.

La 2ª cara está construida a base de temas más tranquilos, con melodías relajadas y suaves en las que han quedado impregnadas las sensaciones y vibraciones que vivieron en el verano del amor. Sumergidos en ese agradable ambiente observamos que todavía está muy patente la figura de Syd en sus creaciones, ofreciéndonos unas canciones que bien podrían atribuírsele; con ese aire que integraba muchas de sus proyectos cargados de melancolía, con olor a flores, a buenas intenciones y a una cierta inocencia, que no quieren perder frente al rodillo de la industria.

Una obra en la que el protagonismo de Wright es claro, composiciones que comienzan a ganar en complejidad en una dualidad piano-órgano, la mayor parte gracias al espíritu creativo de Waters  y en la que la guitarra de Gilmour, todavía un poco tímida, no termina de dejar claro cuál es su estilo, sin momentos explosivos ni solos, marca de la casa.

La psicodelia baja en intensidad en favor de melodías más abiertas y accesibles, perdiendo algo de la oscuridad de álbumes anteriores. Posiblemente uno de los LP's más sinfónicos de toda su carrera.


PUNTUACION: (De 1 a 10): 8,4












domingo, 14 de junio de 2015

El regreso del hombre esquizofrénico: Discipline

"El disco tenía una leyenda en la contraportada: 'La disciplina nunca es un fin en si misma sino una forma de conseguir un fin'"
                                       (Robert Fripp & King crimson: Música de alto riesgo)

Nacimiento de The yardbirds

"Comenzaron a actuar con el nombre de Metropolis Blues Quintet hasta que Keith Relf encontró, en una novela de Jack Kerouac (autor favorito de la juventud Beatnik), un nombre mucho menos aburrido: The Yardbirds (que vivían a lo largo de las lineas de ferrocarril en E.E.U.U, viajando de polizones, en los años 30"                                        
                                                                                   (Londres 1960-66) 

sábado, 6 de junio de 2015

EMERSON, LAKE & PALMER - Tarkus (1971)


Keith Emerson.......Hammond, órgano de la iglesia de Sant Marks, piano, celeste, sintetizadores moog
Greg Lake.......... ...Bajo, guitarra eléctrica y acústica, voz
Carl Palmer............Batería y percusiones

1ª cara:
- Tarkus:
                a)Eruption
                b)Stones of years
                c)Iconoclast
                d)Mass
                e)Manticore
                f)Battelfield
                g)Aquatarkus
2ª cara:
- Jeremy Bender
- Bitches crystal
- The only way (Hymn) Tocata in F and prelude VI: Bach
- Infinite space
- A time and a place
- Are you ready Eddy?

Se va a producir una reu nión de tres ex-miembros de bandas consolidadas: THE NICE, KING CRIMSON y ATOMIC ROOSTER. El resultado iba a ser espectacular y su calificación por parte de la prensa: Un supergrupo. Y es que esta formación iban a romper esquemas e iba a causar sensación en todo el mundo. Su nuevo formato de trío sin inclusión de guitarra principal suponía un planteamiento diferente al de todas las bandas del momento. Se trataba de una triada brutal. 

Con unos miembros como EMERSON y PALMER auténticos virtuosos de su instrumento iban a ser capaces de cualquier cosa. Rock sinfónico de gran altura donde combinan elementos clásicos con estructuras basadas en el rock con un resultado pretencioso, recargado, llegando a ser barroco en ocasiones y con una aureola épica siempre flotando. Esta combinación les llevaría a lo más alto de la fama subiendo a velocidades vertiginosas. Pero también les condujo a situaciones en que la presión les acuciaba que junto a la necesidad de éxitos por parte de su compañía que pedía más y más y a las largas giras realizadas, produjo fuertes tensiones entre los miembros, mucho cansancio y falta de ideas.

Tras su primer disco que obtuvo un brillante resultado vendría "Tarkus" incluyendo una suite de más de 20 minutos que da título al vinilo y que es la pieza clave del álbum. Tema dividido en partes musicalmente bien diferenciadas. Se inicia con un ritmo trepidante por parte de todos que ya no abandonará hasta el final, aunque incluye fases más tranquilas para volver a la carga. Emerson despliega todas sus armas y nos deleita con un surtido de teclados varios de forma comedida llevando la batuta de las melodías. Palmer nos demuestra la capacidad que tiene tanto física como creativa a las baquetas y Lake se ocupa de enlazarlo todo con su bajo y guitarra incluida su magnífica voz, profunda y clara.

En este Lp todavía no habían destapado el tarro de las esencias que llegarán más adelante pero si es cierto que con el corte "Tarkus" nos mostraron su enorme creatividad y las posibilidades que albergaba esta formación.

La segunda cara es muy diferente. Supone un compendio de temas muy variados en los que el piano toma el protagonismo que hasta ese momento tenía el Hammond y el Moog. En mi opinión no son temas que estén a la altura de la primera cara. "Jeremy Bender" parece una canción de salón del Oeste Americano a través de un piano Honky tonk, "The only way" está grabado con el órgano de la Iglesia de San Marcos bajo una melodía en la que se retrata la obra de Bach; y el último bloque es un rock and roll fanfarrón y poco serio a modo de relleno.
Grupo de gran influencia que iba a crear escuela siendo imitado en mayor o menor medida por muchos otros.


PUNTUACION: (De 1 a 10): 7,9 












domingo, 31 de mayo de 2015

Clapton versus Mayall

"Basta con escuchar a Clapton con los Cream para comprobar hasta qué punto difiere su pensamiento musical del de Mayall. En uno es la ponderación, la calma y el respeto por los pioneros, mientras que en el otro todo es llama, torbellino de ideas, deseo vital de encontrar nuevos caminos"
                                                                                    (Alain Dister: El rock inglés)

Genesis: La primera y mejor etapa llega a su fin

"Nadie aparte del grupo y el círculo inmediato del grupo, sabía que Pete se iba y que éste podría ser nuestro último concierto para siempre. Y al ser el último concierto los ayudantes tenían que pasárselo bien. Hubo un momento en el concierto, en el que Pete estaba en el extremo del escenario y un muñeco en el otro extremo, y las luces estroboscópicas los iluminaban de tal manera que no sabías cuál era cuál. Y, por supuesto, para el último concierto uno de los ayudantes apareció desnudo en el otro extremo y ocupó el puesto del muñeco...Había gente mirando esto, mi mujer por ejemplo, practicamente llorando porque pensaban que éste podría ser el último concierto que hiciera el grupo y teníamos a un ayudante desnudo en el escenario. ¿Así era como iba a terminar todo?"
                                                                                                (Tony Banks) 
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