La estafa del Rock I

"Las grandes compañías, las majors, y sus editoras discográficas, veían en las pequeñas compañías una competencia desleal. Era la lucha del poder establecido contra la agresividad de lo joven y nuevo. No entendían que el mundo había cambiado y ya no volvería atrás, aunque lograran detenerlo unos años. 

 

La ASCAP denunció a cientos de disc jockeys, emisoras de radio y cadenas de televisión acusándolos de recibir dinero a cambio de radiar esos discos o programar a los cantantes. De la noche a la mañana las denuncias llegar a todos los rincones de los Estados Unidos. Podía ser cierto en algunos casos (las compañías siempre han tratado a cuerpo de rey a los críticos musicales), pero no en todos.

 

En 1959 un subcomité del Senado investigaba los apaños en los concursos de televisión (hubo un caso flagrante, llevado al cine, en el que se potenció a un concursante blanco y de buena familia para que no ganara un judío de escaso atractivo), y la ASCAP lo aprovechó para hacer limpieza también en el mundo de la música. La sacudida fue brutal, disc jockeys despedidos y miedo.

 

A finales de 1959 se creó un subcomité para investigar el Payola y decenas de DJ fueron declaradas culpables. El 8 de febrero de 1960 llegaron las primeras sentencias"

                                                                       (Historia del Rock)

Lo auténtico deja paso a lo público.........

"A semejanza de lo que ocurrió con el rock'n'roll (y posteriormente con la nueva música pop), se inició muy pronto un proceso de comercialización, hábilmente acompañado por nuevas etiquetas y nuevas olas.'Comercialización' significa que la música es arrancadas de su campo de referencia social, con el fin de reducirla a las exigencias del mercado, al mecanismo de la compra-venta. Dentro de este proceso desempeñan un principalísimo papel los conjuntos sucedáneos, que son lanzados al mercado con el fin de explotar parte de los nuevos alicientes bajo un envoltorio popular. 

 

Ahora bien, al tiempo que sucede este proceso comercializador, la música original y pura sigue subsistiendo, aunque por regla general no llega a tener entre el público amplio la difusión de que gozan sus sucedáneos. De ahí se deduce que todo aquello que no puede ser explotado comercialmente, no podrá ser conocido por el público. No se informa sobre ello, aduciendo que no está a la venta. Y de esta forma nace la impresión de que la música original no existe."

                                                                 (El mundo de la música POP)

AINIGMA - Diluvium (1973)

Willy Klüte.......................Órgano y voz líder

Wolfgang Netzer..............Guitarra, bajo y voces

Michael Klüter.................Batería

1ª cara:

- Prejudice

- You must run

- All things are fading

2ª cara:

- Diluvium

- Thunderstorm

Único testimonio de su paso por el circo de la industria musical y dentro de esa sopa espesa de bandas que no volverían a dar señales de vida. AINIGMA formado solo por un trío de integrantes y dos de ellos hermanos van a alumbrar "Diluvium", una criatura que por la lista de tracks, podríamos atrevernos a calificar de "conceptual", pero no estoy seguro de ello, no tengo toda la información.

Obra incluida dentro del género Krautrock, como germanos que son, de carácter descarnado y oscuro. Desde un principio se muestran tal y como son, disco primitivo con una exigua producción, una voz que no alcanza el aprobado y sin ningún tipo de arreglos. Solo batería, bajo, guitarra y teclados, nada más, algo que le concierne una aureola de autenticidad a la vez que rudeza. Su irrupción es atronadora y abrupta en donde solo hay lugar a la crudeza en un entorno similar a un páramo desolado con un sonido pesado proporcionado por el órgano duro y aguerrido, que se acrecienta por una guitarra sucia sumida en la distorsión, que proviene del abuso en el pedal "fuzz", sin abandonarlo ya hasta el final.

El estilo dentro del Krautrock más próximo al progresivo, tiende hacia terrenos y elementos de garaje bañados en sustancias psicodélicas, estando a caballo entre ambos. No se prodiga en diversidad de variaciones y seccionado de los temas, más bien al contrario y por supuesto se aleja de cualquier intento de crear armonías, sumergiéndose en atmosferas oscuras y decadentes, casi agobiantes.

Sesiones construidas sobre una base simple de cuatro compases muy marcados, con muros de sonido potente sobre los que se levantan con piruetas de órgano y guitarra, castillos de naipes para derribarlos y regresar a la frase inicial. Solos de teclado (amigo de los barridos) y guitarra que se intercalan pero no enfocadas al dialogo, incluyendo aspectos improvisados y echando mano a la inspiración.

Mención especial para Michael que trabaja una batería magnífica, rica en ritmos, cuya labor es esencial para llevar el peso de la robusta maquinaria creada por sus compañeros, evitando caer en un discurso demasiado lineal en la interpretación de la música.

"Thunderstorm" es un tema que en el álbum original no constaba, ocupando la homónima "Diluvium" toda la segunda cara en un Lp algo corto de minutos. Su producción es peor que la del resto, estando a la altura de una maqueta casera.

Trabajo dentro de la esfera de otras bandas casi inéditas cuyo objeto era alumbrar sus ideas primigenias, tal como BODKIN, EXCALIBUR o unos iniciados HAWKWIND  con un sonido cercano al "Stoner".

La estación de los zombies

"Nadie podía preverlo, y a los músicos todo parecía irles de mal en peor. Terry Quirk, encargado de la portada, cometió una épica errata en lo que debiera ser "Odyssey", colocando "Odessey" en su lugar.

 

No había tiempo ara cambiarlo, y los integrantes, para cubrir el fallo, dieron explicaciones misteriosas y ambiguas en entrevistas, pretendiendo que era intencionado y relacionándolo con La tempestad de Shakespeare. cuando estuvo terminado la discográfica no quería sacarlo, y fue tras mucho esfuerzo que vio la luz, pero en ese entonces la banda ya se había separado, al ver que lo suyo no llevaba a ninguna parte.

Dadas las bajas ventas creyeron no haberse perdido mucho, hasta que la última canción Time of the season, tuviera un éxito masivo como single en 1969."

                                                                            (Malas hierbas) 

Sin mirar atras.....

"Pese a lo dicho, Duke no participa del sentido de obra conceptual, cuanto menos en su globalidad. 'Misunderstanding' y 'Please don't ask', sendas composiciones surgidas fruto de un proceso de asimilación de la nueva realidad personal de Collins -su ruptura matrimonial hizo mella en el estado anímico del batería y cantante al punto que la escritura y un ritmo de trabajo intensísimo se formularía como una terapia plausible-, indicaban la puerta de salida del rock progresivo del que habían participado en el primer tramo -si exceptuamos su pieza bautismal- de su andadura profesional.



En frente de la misma se localizaría la que les ubicaría de lleno en el pop-rock edulcorado a través de la cálida voz de Collins y sus melodías sencillas que cautivaban a un público muy amplio. 

Sin la publicación de Duke no se podría observar con claridad ese fenómeno musical llamado Genesis, en que la supervivencia del grupo conllevaría el sacrificio de buena parte de las esencias del mismo."

                                                                 (Historia del rock sinfónico)

GROUNDHOGS - Hogwash (1972)

Anthony McPhee................Guitarras, mellotrón, sintetizadores y artilugios electrónicos de todo tipo

Peter Cruikshank................Bajo

Clive Brooks......................Batería

1ª cara:

- I love you Miss Ogyny

- You had a lesson

- The ringmaster

-3744 James Road

2ª cara:

- Sad is the hunter

- S'Ones song

- Earth shanty

- Mr. Hooker, Sir John

Agrupación compuesta de 3 miembros de los cuales McPhee es el líder absoluto, siendo como en otro ejemplos, el único que no varía dentro de las diferentes formaciones. Es quien se encarga de escribir casi al 100% todas las composiciones y también se ocupa de la producción, por lo tanto casi se puede decir que los demás están bajo sus órdenes. Y es que además este trabajo, ya avanzado dentro de la carrera del proyecto de las "marmotas" es una especie de álbum "made in McPhee", es decir hecho a su medida, aunque eso llegará todavía más explicito en el siguiente volumen.

Desde el primer momento McPhee toma el mando y se presenta con una serie de guitarras desnudas y poco más, sin ningún acompañamiento, salvo su defectuosa voz, alcanzando la recta final de la canción con acústicas que dotan de algo más de cuerpo a un compuesto que no da concesiones a la melodía armónica. Tras el primer mutis, nuevamente reaparece la guitarra descarnada con riffs que se repiten con celeridad arropados por acompañamiento de otras guitarras y haciendo acto de presencia el mellotrón para sacarnos un poco de la monotonía de las cuerdas.

Tony grabará varias pistas de guitarra en la conformación de la obra, creando una estructura enmarañada con una atmósfera peliaguda y abrupta, exacerbada como consecuencia de la pírrica producción. De ello resulta que el  sonido puro de la guitarra nos parece tenerlo delante de nuestras narices en un ejercicio que podría haberse grabado en un rincón de la casa de McPhee.

Llegamos a un mix de poco más de un minuto sin pies ni cabeza que es clara improvisación a base de una batería muy activa y una serie de sonidos marcianos provenientes de los sintetizadores de todo tipo inventados o no que aglutinan en el estudio. Y para terminar el lado A, una creación experimental improvisada a base de guitarras nuevamente con riffs hipnóticos dentro de un ambiente hostil y lisérgico con una extraña voz. Pulso de guitarra haciendo lo que le place bajo un constante latido de dos notas que se alarga hasta el final.

Tras darle la vuelta al vinilo nos encontramos con la composición más elaborada hasta el momento reforzado por una instrumentación más rica en matices con una base rítmica pesada a la manera de LED ZEPPELIN.  La guitarra muy hard sigue marcando los tempos, distorsiona y usa efectos diversos en un nuevo ejercicio marca de la casa probando todo tipo de formulas y caprichos.

Se anima a utilizar sonidos espaciales de fondo sobre las guitarras que cubren el vacío y aborda el que posiblemente es el corte más progresivo del disco, con profusión por el mellotrón que se encarga de trenzar la melodía en una cadencia decreciente junto a la acústica y el chelo.

El último corte es un homenaje a John Lee Hooker, un blues clásico purista con la única intervención de la voz y la guitarra en algo que de nuevo es fruto de la inspiración del momento a base de arpegios entrecortados en un intento de llegar a lo más hondo del viejo espíritu de Hooker, un hombre al que admira y con él que llegó a trabajar en algún episodio de su vida.

Álbum directo y natural que brota del blues anclado en la forma musical de un hombre que hace lo que le gusta sin pensar demasiado en las formas y más en el fondo.