Je t'aime.....moi non plus

"A mediados del invierno de 1967, el compositor francés Serge Gainsbourg estaba desesperadamente enamorado de Brigitte Bardot. Hasta el delirio de haberle prometido componer la canción más bella de amor que se haya escrito jamás en el mundo. Una de esas tardes de amor y lujo, Serge convence a B. B. de que grabe esa canción perfecta de amor, pero con él.

El tema se llama Je t'aime......moi non plus. Le explica que ambos deben estar cantando como si realmente se estuvieran haciendo el amor. Brigitte se excita con la idea y le dice que sí. Dos días más tarde ambos graban el tema en el estudio B de las salas de grabación de Barclay, en la avenida Hoche, en París. Era el 10 de diciembre de 1967.

 

Luego se ha sabido por boca del ingeniero de aquella sesión de grabación que tanto Serge como Brigitte se estuvieron masturbando para lograr mejores gemidos y susurros sexuales que fueran definitivamente reales. El arreglo era del gran Michel Colombier, al que Madonna contrató para sus temas de James Bond."

                                             (El Sargento Peppers nunca estuvo allí. Julián Ruíz) 

El punk Rock como escape

 "La crisis dejó en Inglaterra tres millones de parados. El problema iba más allá: la nueva generación de chicos y chicas en edad laboral se encontraron con el peor de los futuros.

No es de extrañar, pues, que el lema del punk fuese "No hay futuro". Cientos de jóvenes se lanzaron al ruedo de la música como única oportunidad. Bastaban tres acordes de guitarra y un cantante gritón. Y por supuesto ser provocadores."

                                                                    (Historia del Rock. Jordi Sierra i Fabra) 

MIKE OLDFIELD – Platinum (1979)

 

Mike Oldfield…………...…Voz, guitarras acústica y eléctrica, piano, sintetizadores, secuenciadores, vibráfono, marimba

Colaboradores: (entre otros)

Neil Jason………..….…….Bajo

Wendy Roberts…………..Voz

Pierre Moerlen….……...Batería, vibráfono

Sally Cooper…….……...Campanas tubulares

David Bedford……...….Arreglos vocales

1ª Cara:

- Platinum part 1 - Airborne

- Platinum part 2 - Platinum

- Platinum part 3 - Charleston

- Platinum part 4 – North Star / Platinum finale

2ª Cara:

- Woodhenge

- Into Wonderland

- Punkadiddle

- I got rhythm

Se puede decir de este trabajo, ya su quinto desde que nos deslumbró con Tubullar Bells, que es un disco bisagra, un salto evolutivo para bien o para mal, una transformación en la forma de concebir la música, una nueva manera de comunicarse con el público, un crecimiento personal del autor…….quién sabe si de todo un poco. El niño superdotado con algún que otro gen autista había madurado y ya no era un joven salido de la adolescencia, tenía 26 años y tras su reclusión en Gloucestershire durante dos años, a consecuencia de los problemas de orden psicológico que arrastraba, por fin consiguió encontrar solución a través de cierta metodología. Con ella fue capaz de afrontar la vida de manera equilibrada sin ese sentimiento de menosprecio hacia sí mismo que siempre le había perseguido.

Un personaje que había demostrado en sus primeros discos un espíritu de tendencia ermitaña, amante de la soledad y de llevar a cabo todo él mismo intentando evitar al máximo la ayuda de nadie. De ahí surgen esas obras tan personales, de fuerte carácter introspectivo, construidas desde esa inteligencia y aptitud para manejar la mayoría de los instrumentos, plenas de pasajes hipnóticos, etéreos, ambientales, dotados de una sensibilidad especial, intentando plasmar sobre el pentagrama todo su mundo interior, el cual es inmenso. Después llegaría su crisis, su desaparición del mundo público, su reclusión y su último álbum (doble) realizado según los parámetros anteriores, Incantations.

La revolución llevada a cabo principalmente por el movimiento punk apareció en un momento difícil para Mike, cogiéndole por sorpresa con sus neuronas en pleno desorden. El mundo músical sufrió una ruptura que sorprendió a propios y extraños y todos los pilares bien asentados hasta entonces se vinieron abajo. La juventud vivía una época tumultuosa socialmente hablando y aquella nueva respuesta musical en la que se trataban los problemas sociales y la realidad de las clases más desfavorecidas fue como un resorte para los jóvenes que se sentían totalmente identificados, las composiciones se reducirían a la mínima expresión y el virtuosismo de los músicos caería en picado. El estilo musical de las grandes bandas que hacían alarde de sus desarrollos instrumentales y de álbumes conceptuales lo iban a tener muy difícil. Fue nefasto para todos aquellos que acabarían calificados como dinosaurios.

Mike Oldfield amante de las armonías, las melodías elaboradas y la complejidad en la elaboración músical con amplio espectro para volcar toda su fantasía interior recibió esta reconversión escéptico y con absoluto rechazo. Aquello no iba con él, no entendía otra forma de trabajar que la suya. Después de un tiempo para recapacitar, el niño prodigio se encontró ante la disyuntiva, “renovarse o morir” y eligió inteligentemente la primera ya que si algo nos ha demostrado durante toda su carrera es que no se rinde y que es una persona camaleónica que se adapta a todas las situaciones.

Así pues, tenía que conseguir atraer al público, no defraudar a sus fans, pero a la vez situarse en ese nuevo mercado surgido sin renunciar a su idiosincrasia, por tanto la fórmula utilizada hasta entonces estaba obsoleta. Esto va a suponer cambios drásticos, composiciones cortas y con ritmos, desarrollos e instrumentos acordes a las corrientes que van naciendo tras el punk. De esa necesidad de adecuación emerge Platinum en 1979, donde no aparecerán canciones que ocupen toda una cara. Platinum, por ejemplo que es el tema principal se divide en varias partes claramente diferenciadas e igualmente la cara B está ocupada por diversas canciones. Oldfield muestra un carácter aperturista tras su final de terapia y eso se reflejará en sus composiciones, además otro elemento que denota su nueva actitud frente al mundo es el tutearse con otros músicos de su escena de los que obtiene permiso para incluir una versión en el nuevo disco. North Star que pone fin a la primera cara es obra de Philip Glass. I got rhythm es otra pieza que arrebata del compositor George Gershwin.

Tras su resurgimiento personal fue capaz de llevar a cabo una enorme gira con un elevado número de músicos a su cargo y grabar Exposed que aglutina lo mejor de sus 4 primeros discos, álbum en vivo que precede a Platinum, sin embargo paradójicamente resultó un desastre económico con grandes pérdidas que sufragaría con el lanzamiento del disco en vivo y de Platinum.

Platinum que fue grabado en New York rompe con el patrón del autor. Tiene un afán lúdico y experimental. La música elaborada gana en concreción, los temas se sintetizan con un sonido muy aséptico, limpio, cristalino y con una producción impecable como no podía ser de otra manera. La concepción musical sufre un giro importante. El férreo acercamiento a las nuevas tendencias es innegable, olvidando la identidad de sus anteriores, las nuevas composiciones ganan en viveza y actualidad con un sonido más moderno y elaborado según los nuevos ritmos con unas texturas en muchas ocasiones con sinergia en el tecno-pop y el post-punk y utilizando técnicas que luego serán muy recurrentes como las pregrabaciones de sonidos y ritmos. Se trata de una obra absolutamente dinámica, con constantes variaciones en las melodías, que aunque sencillas muchas veces son bien abrigadas por envolventes instrumentales que aportan constantemente riqueza. El ritmo es alto y en ocasiones nos produce la sensación de no tener tiempo para tomar aire, puesto que son incesantes las modificaciones e incorporaciones, no hay espacio para el silencio…...quién lo iba a decir.

Platinum 1: Airborne es el comienzo a través de un sintetizador que parece secuenciado, luego se van uniendo otros instrumentos como suele ocurrir. Se le asocia un bajo que asciende y desciende entre escalas y da paso a la característica guitarra eléctrica de Mike que con un sonido ambiental domina la composición y a partir de ahí la guiará hasta el final, sistema que es marca de la casa. Los diferentes ambientes plenos de detalles y elementos se van sucediendo sin tiempo a caer en el tedio.

Platinum 2: Platinum es el tema central recurrente que pone en marcha la guitarra eléctrica de Oldfield con un desarrollo que repite en varias ocasiones convirtiéndose en un monólogo. Conducido nuevamente por él es una parte muy directa con un ritmo vivo. Me recuerda en su confección a los instrumentales que siempre incluye en sus discos Alan Parsons Project donde va repitiendo la melodía central e insertando arreglos al fondo que van sufriendo modificaciones al realizar las vueltas de la melodía principal. Se incluye aportación de voces que actúan más bien como un instrumento más.

Platinum 3: Charleston, es una pieza corta que usa sintetizadores con sonido de metales, una batería que también en esta ocasión parece pregrabada y un piano juguetón. El ambiente es muy “Tecno”, se suceden capas de instrumentos con protagonismo para el bajo y la guitarra acústica y unos coros un tanto tenebrosos, en una pieza que en su inicio realmente podría dar lugar a una pieza de charleston si no se desviase.

Platinum 4: North Star, posiblemente el mejor fragmento y más inspirado partiendo de la composición de Philip Glass que nace con una guitarra repitiendo una frase y sobre la que luego se instala la eléctrica en una melodía que va ganando en sonoridad y fuerza nuevamente conductora. El ritmo va ganando en complejidad y con tintes modernos dejando paso al coro y apagando la guitarra por un momento. La actuación de la guitarra se hace cada vez más aguda y tensa. El final lo ponen las voces corales.

Woodhenge, el fragmento más experimental de todo el disco, instrumental hipnótico de apenas cuatro minutos donde se dejan escuchar las imprescindibles campanas tubulares que acompañan la existencia de Oldfield. Está construido sobre sonidos pregrabados en una creación que recuerda a músicos electrónicos coetáneos. Los sintetizadores aportan frases con tintes improvisatorios mientras la guitarra también inserta fragmentos libres sobre un fondo de sonidos inacabables como si de una habitación de relojero se tratase.

Into Wonderland, pieza cantada por Wendy con una suave y sugerente voz. Texturas pop y Tecno. Es completada con una melodía de sintetizador marcada y sencilla como desarrollo central. Pieza animada y poco seria. Final abierto.

Punkadiddle, es el tema elegido por el autor para intentar burlarse del punk, aunque no tengo muy claro como llega a hacerlo. Conducida por una melodía ondulante de carácter naif que se repite una y otra vez como protagonista y que aparece flanqueada por incursiones de aplausos grabados a propósito. La guitarra eléctrica aparece para conexión entre vuelta y vuelta. Camino del final a la par del sinte la guitarra arrecia endureciéndose y convirtiéndose en el momento hard del disco.

I got rhythm, Segunda y última vez que contamos con la voz de Wendy en modo melódico-extended. Bella canción adaptada del maestro Gershwin es elaborada con mimo utilizando un piano eléctrico afincado en la candidez y unos etéreos tejidos de guitarra acústica. Cuando el ritmo se pone en marcha aparece finalmente la firma de Oldfield con la eléctrica en una cadencia ascendente, las campanas tubulares vuelven a sonar de mano de Sally y así como empezó acabará hasta que la tecla fija deja de respirar.

No es ni mucho menos la mejor obra del artista, pero es la demostración de su capacidad de adaptación en un momento clave, consiguiendo una colección de canciones que acercándose al torrente comercial que era demandado, tenga la suficiente calidad para no caer en lo fácil, no solo eso, si no que además mantenga un pulso permitiendo que su personalidad quede prendada en cada uno de los cortes. No había sucumbido, había encontrado otra fórmula, otro idioma, otro medio de comunicación del que sacará provecho en la siguiente década.

GENTLE GIANT

 "Complejos y virtuosos incluso para los ya elevados parámetros del rock progresivo, los miembros de Gentle Giant no sólo eran unos maestros en lo suyo, sino también multiinstrumentistas dotados capaces de extraer magia sonora de Diversas fuentes. Su campo de acción, además, era inusitadamente vasto, en su música concurren folk, rock, jazz y un amplio espectro dentro de la música clásica, desde lo medieval (especialmente en las voces), el romántico y el barroco hasta la música de cámara contemporánea"

                                                    (Rock Progresivo. Eloy Pérez Ladaga) 

Moda pirata

 "El primer gran triunfador de esta moda, sobre todo en los adolescentes de menor edad, fue Adam Ant con sus hormigas. Este grupo representó una revolución en toda la regla, tanto musical como estética, y el slogan "Ant Music for sex people" vendió cientos de miles de copias de su excelente éxito "Kings of the wild frontier".

Los Ants nos brindaban una estética nueva, la de los "nuevos románticos" de encajes pinturas y maquillajes. Adam era un gran fan del glam-rock, heredero de las influencias de los primeros Roxy Music, que ante todo intenta cultivar el sexo adolescente.

 

 

Su estilo musical se apoyó en la vieja música tribal, primitiva, de los bailes festivos, y con él apareció la llamada moda pirata, utilizando unas vestimentas de corsarios que parecían salidas de filmes como "El motín de la Bounty", y que ofrecieron sus primeras manifestaciones en el álbum "Prince charming", el disco que contenía su mágico "Stand and deliver".

                                                                        (1954-1984: 30 años de Rock) 

KAIPA – Solo (1978)

 

Mats Löfgren…………...…Voz principal y percusión

Roine Stolt………..….…….Guitarras acústica y eléctrica, sintetizada, percusión y voz

Hans Lundin…...….……...Hammond, Mellotrón, piano, piano eléctrico, sintetizadores, clavinet y voz

Mats Lindberg……………...Bajo y percusión

Ingemar Bergman……..….Batería, percusión y voz

1ª Cara:

- Den Skrattande Grevinnan

- Sen repris

- Flytet

- Anar Dig

- Frog funk

- Visan I sommaren

- Tajgan

2ª Cara:

- Respektera Min Värld

- En igelkotts död

- Total förvirring

- Sist Pà plan

Cuando por la vieja Europa el estilo estaba ya en decadencia agonizando, acechado por los nuevos frentes abiertos que soplaban con fuerza desde las islas británicas, en la península Escandinava, ese mundo siempre algo distante, una burbuja dentro del continente que siempre ha viajado a otra velocidad, el progresivo gozaba de buena salud, aunque todo llega. Después de su segundo y bien recibido título “inget nytt under solen” dos años atrás, vuelven con más fuerza si cabe para presentar su tercero “Solo” en plena crisis musical del Rock, un álbum donde creo que se plasma todo el buen hacer de esta gente hasta el momento con un Lp repleto de magia donde se concreta todo lo que habían comenzado en el anterior.

Se fundaban a principios de década, en 1973 con el nombre de URA KAIPA, inspirados en el nombre de una novela sueca y su primera trayectoria llegaría hasta 1982, porque como ya he dicho antes, todo llega, y también ellos sucumbieron o les hicieron sucumbir sí o sí a las nuevas corrientes de la new wave, post-punk u otras denominaciones cajón desastre. Casi dos décadas después en 2000 vuelven con nuevos bríos y con intención de hacer lo que realmente les gustaba, es decir progresivo. Y lo van a hacer sin las presiones que tuvieron que soportar en su primer periplo, publicando muchos más álbumes de lo que habían hecho hasta ahora, puesto que siguen vivitos y coleando, de hecho el año pasado registraron su última obra. He seguido esta nueva etapa, no todo lo de cerca que me gustaría, pero tienen cosas muy interesantes.

Tomas Eriksson y Hans Lundin serían los miembros que unieron fuerzas para crear esta empresa. Eriksson sin embargo dejará la banda y no colabora ya en Solo, sustituido por Mats Lindberg al bajo. También entrará en los inicios Ingemar Bergman un tipo con personalidad a las baquetas y un melenas rubio barbilampiño, arquetipo de la raza aria a las guitarras, un muchacho que ha demostrado una profesionalidad y saber hacer indiscutible desde entonces, poco más se sabe de sus vidas.

Realizan una serie de festivales al aire libre para darse a conocer y poco después ya fichan por la discográfica DECCA, en su delegación del Norte. Consiguen hacerse con uno de los puestos principales de la secta progresiva escandinava con una fusión de sinfónico (amantes de Bach) y folclore nacional con clara influencia de grandes de la nación progresiva como Camel, Focus fundamentalmente y pinceladas de Genesis, Pink Floyd, y rock alemán.

Grabarían algunos temas en inglés tras su aclamado inget nytt under solen con la intención de abrir puertas y mercados buscando reconocimiento allende sus fronteras, pero no calaron, la competencia europea era muy fuerte, Suecia ha sido uno de los más galardonados en Eurovisión, pero esto circulaba por otro canal…..nada que ver con la caja tonta…... y además los productores y técnicos de las casas discográficas miraban ya hacia otro sitio. En los 80 la escena progresiva escandinava va a colapsar y con con ella, Kaipa.

SOLO es concebido en los estudios de Estocolmo tras los mencionados cambios de formación, aquí entrará a la voz Mats Löfgren proveniente del grupo Rio-Brazzaville, todo un acierto puesto que va a imbuir la música de un nuevo espíritu, una mayor cercanía al oyente y sobre todo expresividad que dota a la obra de más humanidad, algo que se echaba en falta, de esta manera Lundin podrá dedicarse en cuerpo y alma a las teclas ya que antes tenía que liderar también la voz. Debido a la escasa respuesta recibida tras incluir letras en inglés, vuelven a los orígenes cantando en su idioma natal ya que en principio el álbum se registró con la idea de distribuirlo circunscrito a la península Escandinava.

Ya se sabe lo que dicen las malas lenguas……..Los nórdicos son fríos, secos, distantes, faltos de sentimiento……..¡tonterías !, ¡leyendas urbanas!…...aquí demuestran una sensibilidad muy alta, tal vez tanto que muchas bocas tengan que callar ante este despliegue de matices y sensaciones.

Esto promete, en Den Skrattande Grevinnan nada más empezar a girar en el plato escuchamos a alguien descojonándose, la diversión está servida. Luego un patrón de guitarra se repite con un mecanismo clásico de prog introduciéndonos en la melodía que se abrirá poco después. Nos daremos cuenta enseguida de que la guitarra de Stolt tiene un hondo protagonismo en todas las composiciones. Es un estilo que está formándose con una personalidad singular no explotada todavía, su manera de tocar esta tremendamente influenciada por otros guitarristas de calibre como Andy Latimer o David Gilmour, que pesan mucho en su conciencia, pero se adivina el potencial existente. A mi juicio quién si muestra gran carácter y originalidad en este disco es Hans Lundin con un aluvión de instrumentos de teclado que maneja con su propio arte y que hipnotiza y nos transporta a su mundo interior generando sensaciones novedosas.

Los temas se suceden, algunos son solo instrumentales intercalados con otros cantados en sueco, que oye...no suena tan mal…El sonido de esta banda tiene una característica especial, y es que suena potente cuando los teclados caen como graves losas construyendo un manto grueso, pero a la vez parecen frágiles y delicados dispuestos a que su atmósfera se rompa en cualquier momento. Sen repris y Flyet van de la mano y no hay división entre ellos, parecen uno solo, siendo Flyet la parte instrumental de ambientación muy cálida y cargada de melancolía en las cuerdas de Roine.

Anar Dig es la siguiente, mi preferida, una joya a escuchar con mucha atención. Una pieza que destila sensibilidad de principio a fin, la voz es la primera que lo hace, muy expresiva e introspectiva. Los arreglos de piano son débiles y casi imperceptibles al principio. La guitarra nos dirige hacia una serie de arpegios lentos y penetrantes desatando sensaciones que nos inundan y que no pueden explicarse con palabras.

Con un aire muy Focus desemboca Prog Funk, una canción con gran cantidad de percusiones, repertorio de producción y una guitarra funky simpática, que seguramente da lugar al título. Teclados oscilantes, etéreos y cristalinos conformando un aire espacial . Aquí el trabajo del bajo se luce en su parcela. Nuevamente regresa la introspección en Visa i sommaren que me recuerda a una preciosa nana, como si la tocasen a un volumen idóneo, delicadeza y melancolía en la voz, acompañada de un teclado sinuoso que nos envuelve en una atmósfera recogida y sensible.

El último corte del lado corre a cargo de Tajgan, un instrumental de aires cargados de épica donde Lundin hace un despliegue de ambientación a través de varios teclados y que se remata con la guitarra de Roine cuyo resultado suma una estructura muy floydiana.

Los temas del otro lado tienen más contundencia instrumental y el cuerpo de la composición es más denso con una variedad de teclados amplia. Carga con la caballería Respektera Min Värld con un ritmo de batería lacerante y unos vivos sintetizadores que nos van metiendo de cambio en cambio. La guitarra está sintetizada y se une al grueso de toda la colección, luego se transforma y nos ofrece un solo de lo más hard que se le va escuchar. La coda es una espiral de órgano cantada con coros. En igelkotts död es una instrumental de sonido muy espacial con potentes desarrollos de los teclados y una fuerte carga épica, guitarra sintetizada y momentos tenues y cristalinos intercalados para coger fuerza otra vez. Teclados muy lineales creando capas en un ambiente floydiano.

Con la guitarra de Roine arranca en escalada Total förvirring, una de sus mejores piezas, otro trabajo épico que recuerda mucho a la instrumentación de CAMEL, y en concreto a la guitarra de Latimer y a la base rítmica, con un magnifico solo que precede a la explosión de teclado que se produce después, una delicia musical. Finaliza con Sist Pà plan, que nos sorprende con la guitarra acústica a modo de introducción flanqueada por una suave atmósfera y coros para saltar a otro nivel en la que interviene la guitarra ya eléctrica contenida y que desemboca en una instrumentación llena de rincones delicados hasta que se desata la guitarra y entramos en otra fase de sonidos potentes de abanico de solos de teclados en dialogo con la guitarra sintetizada hasta pulsar el off.

Un disco muy completo sin nada desechable que supone un magnífico ejemplo de lo que se hacía en el norte de Europa con sonido muy fresco, cuando ya el progresivo se encontraba encaramado a los excesos y la desnaturalización y por consiguiente al lógico hundimiento en los países que lo habían visto nacer.