LONE STAR – Horizonte (1977)

 

Pere Gené…………..…….Voz, piano

Alex Sánchez………….….Guitarra eléctrica

Ricardo Acedo….………..Bajo

Luis Masdeu………..……Batería

1ª Cara:

- Introducción
- Quien no anda, no se mueve
- Papel social
- No será….?

2ª Cara:

- Horizonte

- Noria de feria

- Tiempo

- Introducción

Su creación data nada menos que de 1958, cuando todavía no íbamos ni en pañales, ni se sabía lo que era eso. Pere Gené líder indiscutible desde el primer momento retorna a Barcelona tras un año viviendo en las islas británicas justo en el momento de explosión del Rock and roll, algo que le marcó y le influenció de manera determinante a la hora de entender como trabajar el Rock.

Reunió a compañeros suyos del conservatorio del Liceo de Barcelona donde había estudiado piano y formaron rápidamente un combo. Se llamarían LONE STAR, como hizo años más tarde otra banda norteamericana que desconocía que ya se hubiera utilizado esa denominación. Como ocurría en aquel entonces iniciaron su andadura por salas de fiestas barcelonesas, discotecas y boites realizando mucho trabajo en directo, lo que les supuso gran aprendizaje y tablas. Solían tocar composiciones de Ray Charles, alguien desconocido en un país aislado como era España en ese momento.

Ya en 1962 por fin EMI pone su atención en ellos y firman un contrato con el que se vinculan a la discográfica con unas condiciones que más tarde lamentarán. Graban su primer EP en inglés, inaudito en la época en nuestro país. Más tarde harían adaptaciones de temas muy conocidos a nivel mundial. En 1966 consiguen grabar su primer LP, un disco con un 50% de versiones y otro de piezas propias. Aquí es cuando se darán cuenta en EMI del éxito que obtienen con las composiciones de su propia cosecha, concediéndoles a partir de aquí más libertad creativa.

Siempre basándose en esta década en el movimiento del rock clásico y el Rhythm and blues, también alternaron actuaciones como grupo de Jazz, un hecho casi único no solo en España, sino en cualquier lugar del planeta realizándolo de una forma natural. En la siguiente década de los 70, los vientos empiezan a soplar diferentes en todos los ámbitos. Se embarcan en una gira por CentroEuropa grabando Spring 70, un directo muy sorprendente, donde el sonido es más blues con tendencias progresivas y con una agresividad en la parte vocal de Pere fuera de lo común hasta entonces.

En 1972 se desvinculan de EMI, una separación muy dolorosa para la formación, puesto que se quedan sin recibir ni una mísera moneda por los derechos de los EP’s grabados, quedándose en bancarrota. No les queda otra que seguir adelante buscando donde poder grabar, para ello se asociaran en pequeñas discográficas independientes como Unic, Diplo y Phonic, en esta última es donde registrarían el álbum Horizonte. En Unic firmarán su mayor éxito, Adelante rock en vivo, directo obtenido de una sola toma y que se convertirá en el disco más vendido por ellos y el más mítico.

Reciben varios premios y son acreditados como el mejor grupo nacional, pero una vez más la mala suerte se cebará y el dueño del pequeño sello se fugará con el dinero conseguido y nuevamente sin compañía y sin cobrar royalties tienen que volver a empezar. Y tras unos cuantos éxitos ganados con discos como “Es largo el camino” y “Síguenos”, donde ya muestran la energía y la experiencia de una banda veterana y con un sonido más indicado a la década, llegamos al que nos concierne, Horizonte, grabado en 1977, en plena transición política española, una situación que sin duda queda muy reflejada en las letras del disco. Ansias de encontrar la libertad después de una largo periodo oscuro, reflejo de la sociedad trabajadora, incertidumbre por el futuro, desconfianza de la clase política, búsqueda de la identidad, necesidad de recuperar el tiempo perdido….Todo ello viene incluido a lo largo de los temas escritos.

Abandonado definitivamente hace ya unos años ese sonido del rock de los 60, con voces suaves, guitarras amables y esa ingenuidad típica de las bandas que nacían a la sombra de lo que se hacía en el extranjero, nos encontramos con un rock pesado y contemporáneo construido sobre estructuras de 4 compases clásicos del rock, muy cerca del hard rock con pinceladas progresivas, tal vez por encontrarse en un escenario especial entre el rock urbano que estaba surgiendo con bandas como ASFALTO, TOPO, LEÑO, etc y por el sur el auge del rock andaluz y de raiz de bandas como TRIANA, ALAMEDA, CAI, etc, hizo que unieran en cierta forma los estilos realizando un rock potente con gran proliferación de guitarra eléctrica con secciones duras y un gran trabajo instrumental. Si hubieran militado en una discográfica de calibre, posiblemente la producción hubiera sido más destacada. Pero es encomiable el duro esfuerzo realizado dentro del pequeño sello Phonic establecido en Barcelona, con una ingeniería muy correcta. También nos va a servir para descubrir a Alex Sánchez, un guitarrista que no ha tenido la repercusión que debería, y que nos deja con la boca abierta en más de una ocasión a lo largo del álbum.

Los tiempos que corren son demasiado importantes y como consecuencia van a plantear su primer álbum conceptual y también el último, dentro de su carrera. Quedando muy bien plasmadas las inquietudes que les sacuden van a escribir una obra, un tanto crítica y con un aire un tanto triste, reflejo de los sentimientos que se respiran en el aire de la sociedad de entonces. Arranca con una pieza titulada Introducción, y en efecto su primera estructura instrumental llena de misterio envuelta en un frio viento no deja duda sobre su papel, dibujando un paisaje de esperanza y unas notas de piano de Gené que son como dulces lágrimas. Tal vez una alegoría del Ying y el Yang. Al final del disco nuevamente aparece con el mismo título, tal vez, deberían haberlo cambiado por el de Coda, más acertado, el sonido el mismo, pero más corta y sin letra, colofón que cierra el círculo.

Tras ella, una hosca guitarra contundente, recia y machacona en su grave riff nos sumerge en Quien no anda, no se mueve, una pieza dura y oscura que nos invita a reflexionar sobre nuestro lugar en la sociedad. La ruda melodía incesante se repite a lo largo de toda la pieza donde todo gira en torno a esa guitarra, rota solo por un magnifico solo hard de Alex en la parte central, retornando nuevamente al runrun que se apaga con incorporación de una pregrabación de voces recogidas en algún punto de una ciudad, por cierto, en inglés, no fuera a ser que se oyese algo impropio para la censura todavía existente.

Llega algo de relajación en el sonido con Papel social, un corte breve que presenta una guitarra comedida construyendo la melodía, con una instrumentación suave que nuevamente se eleva con el solo central de Alex , incluye unos arreglos de piano eléctrico muy sencillos y desapercibidos, nuevamente con la temática de la sociedad y nuestro sitio en ella.

El cierre de la primera cara a cargo de No será…? Nos muestra la cara más abierta de la banda, con un tema pegadizo en su estribillo, suena rock urbano 100% en un alegato contra la injusticia y el egoísmo que sufren las clases bajas del país, una pieza más festiva y menos cerebral con grandes desarrollos de guitarra nuevamente por parte de Alex, que en este disco está hecho un hacha. Es muy posible que de esta fuente bebiese un inicial Joaquín Sabina, una pieza que podría ser de su factoría perfectamente.

Ya con más flema comienzan la cara B con un corte donde el trabajo del bajo es patente en la creación de los compases, nueva crítica social en la letra desgañitándose una vez más Gené, que parece que se vaya a romper en cualquier momento alguna cuerda vocal. El título que da nombre al LP nos ofrece otro estribillo pegadizo acompañado de un concienzudo solo de guitarra. Después Noria de Feria nos hace una descripción de la vida cotidiana con un conjunto musical pesado a cargo del bajo y una guitarra vibrante. Es la pieza más larga y por tanto está dividida en una primera parte grave y otra donde cambia radicalmente el ritmo con un sonido más anárquico y un trabajo de guitarra hard y de rock and blues. El ambiente es más dinámico y más ligero terminando sin silenciar y enlazando con el 3º tema Tiempo, donde por fin Gené se luce a las teclas con un magnifico y sugerente solo de piano eléctrico tras el primer movimiento cantado, volcado hacia estructuras más jazzys en su definición, dando luego paso a unos arreglos combinados con el eterno solo de Alex para volver al inicio donde el autor pide algo que hoy en día todavía sigue vigente, incluso más…………...tiempo.

Finaliza con la 2º parte de introducción, un instrumental que es continuación del inicial, una forma de decir que el trabajo está hecho, la denuncia social se ha llevado a cabo y hay que cerrar el círculo. Un gran álbum reflejo de los tiempos políticos y musicales de la escena llevado a cabo siempre con clase para esta banda que siempre dio el do de pecho a pesar de los tropecientos cambios de personal que sufrió a lo largo de su vida.

The Herd con Peter Frampton

THE HERD

"Herd fue el sueño de la juventud. En 1967, al año de entrar en la banda, ya teníamos nuestro primer éxito en listas. Yo tenía 17 años y esto para mí fue algo fantástico.

Quiero decir que uno en ese momento puede morirse de gusto porque todo parece fácil a partir de ese instante. A pesar de ello pronto aterricé, a poco de que nuestro segundo single volviera a entrar en el top 20 inglés. Vi a mi alrededor a los muchos grupos que habían tenido una racha de impactos y que ahora estaban acabados y sin posibilidades, porque el beat, los éxitos comerciales, pasaban pronto, te daban dinero y fama pero no te hacían músico." 

                                                 

                                                 (Peter Frampton....Alive!: Jordi Sierra i Fabra) 

Anyone's daugther

 

"Anyone's Daughter dieron sus primeros pasos interpretando versiones de bandas británicas de finales de los sesenta, orientadas hacia la psicodelia y el rhythm n' blues. Un aspecto que en el caso que nos ocupa se ve reflejado incluso en el hombre del grupo, tomado de la canción de mismo título incluida en el Fireball (1971) de Deep Purple".

 

Tras sus primeros 3 álbumes exitosos llegaron In Blau (1982) y Neue Sterne (1983) - ahondaron en lo conseguido hasta el momento, pero en 1984 la partida de su vocalista Harald Bareth para cumplir el servicio militar hizo que la banda tomara la resolución de separarse. Ulmer y Karpa protagonizarían un fugaz regreso en 1986 con otros músicos para dejar un último y no demasiado destacable testamento con Last Tracks (1986)

                                                   (Rock Progresivo: Eloy Pérez Lazaga) 

BARRABÁS – ¡Soltad a Barrabás! (1974)

 

J. Luis Tejada………….…….Voz principal

Enrique Morales…………….Guitarra eléctrica y acústica y coros

Miguel Morales……………..Bajo, guitarra acústica y coros

Tito Duarte…………...……..Saxofón, flauta y percusiones

Joao Vidal………………..….Teclados

J. María Moll…………....…..Batería

The Waters…………………..Coros

1ª Cara:

- Hi-Jack
- Mad love
- Funky Baby
- Lady love

2ª Cara:

- Susie Wong

- Humanity

- Tell me the thing

- Fly Away

- Concert

Si nos dicen que una banda triunfa en EEUU en los años 70, llegando a las primeras posiciones de las listas de música negra con un sonido denominado como “afrobeat” o “música mestiza” , manejando estilo funky y precediendo a la música disco que triunfará en la segunda parte de la década, lo último que nos vendría a la imaginación es que fueran españoles…….pues si señores, eran españoles. Es el grupo que ostenta el galardón de ser el combo español más vendido en EEUU, Canadá y Alemania.

Fue tal la cuota de éxito que obtuvieron en tierras yankees, que para que no descubrieran que se trataba de personas de raza blanca, no aparecían nunca en las portadas y contraportadas del álbum o de sus singles. Y es que estaban convencidos de que una música así tenía que ser realizada por personal de raza negra. Je, y lo que son las cosas!, aquí en nuestro país, al escucharlos cantando en inglés, pensábamos todo lo contrario, que se trataba de alguno de tantos grupos de origen estadounidense, pre-fiebre del sábado noche. Si es que ya lo dice el refrán: “Nadie es profeta en su tierra”

Era su 3º disco y debido al acierto conseguido ya con su segundo, se marcharon a grabar a los Angeles, nada menos que a los estudios joliwudienses de Metro Goldwyn Mayer, saldría su obra un año después en 1974 y el efecto fue inmediato llegando al n.º 1 en ventas, pero la versión internacional del título sería “Release Barrabas”. Es posible que muchos de vosotros abráis los ojos con incredulidad pensando que como pudo ser posible aquello, siendo que España por norma general nunca obtuvo repercusión mediática en lo musical, salvo pequeñas excepciones………. yo también me lo pregunto. Pero no hay nada como reunir a un conjunto de personas con mucho talento para que se obren milagros.

La persona clave en todo esto fue Fernando Arbex, ex-Brincos y ex-Alacrán, que cuando decidió terminar su trabajo de músico, paso a la sombra como un profesional de la producción realmente dotado. Un tipo atento siempre a las vanguardias, ya en ALACRÁN, como músico había practicado con bases latinas popularizadas por SANTANA, además de como productor dentro del grupo. Por desgracia no hubo apoyos de ningún tipo de las discográficas españolas y sin actuaciones en directo desistieron con un único LP en su carrera.

Arbex no se rindió y siguió buscando la manera de poder llevar a cabo su proyecto. Comenzó a buscar músicos afines a sus ideas reclutando a Tito Duarte (Cubano), los hermanos Morales (filipinos) y Joao Vidal (portugués) un combinado exótico, que unidos a J.L. Tejada y J. María Moll terminarían cuajando en los fantásticos BARRABÁS, a quienes se consideran los precursores del sonido disco en Europa, vendiendo como decía en sus contraportadas, música caliente. Fernando colaboraría en la composición, pero con la producción como objetivo principal.

El padre de Tito Duarte era el director internacional del sello RCA, eso facilitaría el contacto de la formación con la discográfica de manera inmediata. El camino está allanado y se ponen a trabajar sin dilación grabando un primer disco homónimo que ya muestra la senda a seguir donde las criticas serán favorables. Con su segundo, “Power” estallan y la popularidad empieza a crecer con un álbum muy completo. Sus vidas se ven salpicadas de nuevas sensaciones, el punto culminante de sus carreras fue cuando se les ofreció ser teloneros de sus satánicas Majestades y lo rechazaron porque era preciso mudarse a los EEUU. Se votó y se decidió seguir cerca de las familias. A partir de entonces la decisión fue un lastre y se crearon tensiones, como consecuencia a finales de la década se separaron, aunque poco después en 1981 se reunieron para grabar un nuevo álbum, Piel de Barrabás, de cierta calidad, no obstante el paisaje musical estaba cambiando y la repercusión fue mucho menor, apostando por otro tipo de formaciones, solo en Europa mantuvo un buen nivel de ventas.

Para cuando grabaron este ¡Soltad a Barrabás! Las cosas no podían irles mejor y todavía estaban lejos las discrepancias y malos rollos. La música que se incluye realmente esta llena de talento compositivo y en cuanto a la producción, Fernando realizó un magnífico trabajo que queda patente desde el primer momento de la escucha. Se inicia con Hi-Jack, que serviría como presentación del LP a través de su venta en single, posiblemente el tema más accesible para captar adeptos, que desde un primer momento nos muestra un conjunto de percusiones , algo que no desaparecerá ya, un bajo juguetón que tendrá un papel preponderante a la hora de marcar el tempo y el ritmo y coros, muchos y variados tanto de ellos como de el trío femenino que participa. La música se impregna de sensualidad, calidez y ritmo, cantando en un inglés mejorable y con unos estribillos a base de coros. En las zonas centrales entran los instrumentos a realizar solos, variados en su ejecución y muy bien elegidos, sin excesos y más bien cortos en el tiempo dejando un regusto que sabe a poco, un acierto para mantener el interés en la escucha.

Con el segundo corte Mad love, en el inicio por un momento el bajo nos engaña y parece que vaya a sonar “Papa was a rolling stone” de TEMPTATIONS, pero no, su base es muy negra, se produce un dialogo de declaración y réplica entre voz y coros femeninos, la guitarra suena muy funky y nos regala en la parte central un fantástico solo. Funky baby, como indica el título, nos ofrece de entrada una guitarra funky con un fraseo que ejecuta repetidamente, los coros masculinos y femeninos se suceden en los estribillos y nos trasladan hasta el final, en un tema muy corto incluyendo armónica en la melodía. En el siguiente y último de la primera cara, la batería se presenta marcando el pulso a golpe de platillo y después con la entrada del teclado y la guitarra acústica se genera una dinámica que crea el armazón principal de la canción. Lady love, contiene un sinuoso teclado maravilloso y melancólico. Es la primera aparición de flauta en los arreglos, hay cierto aire de ambientación brasileña en su espíritu, luego hacia el final se entra en otra sección en la que el bajo acelera el tempo terminando la pieza.

Al otro lado del plástico nos espera Susie Wong, el primero de los cortes que arranca con unos coros femeninos muy al estilo, guitarra funky con protagonismo encargada del solo instrumental, una composición muy obsesiva que gira en torno a una frase de la guitarra. Un tema engañoso es Humanity, que comienza con una voz cálida y muy suave pero se torna más agitada. Es la pieza más dura del disco de hecho. Muy vanguardista incluye saxo en su melodía con un toque de Jazz, las percusiones resuenan potentes bajo el órgano y la guitarra se muestra fuerte, aunque no da tiempo a más. Tell me the thing es un tema muy ligero y cálido con gran introducción de travesera. Fly away lleva un gran trabajo instrumental en el que el tempo va de la mano del bajo y el órgano omnipresente flota durante toda la composición, la guitarra nos regala un magnífico solo en la parte central y otro al final, muy cortos, dentro de una estructura algo más compleja que de costumbre. Y ya para cerrar este excelente disco nos ofrece como coda Concert, para mí una de las mejores. El órgano se muestra presente nuevamente a lo largo de toda la pieza, una veces ambiental en muro sonoro y otras haciendo un fraseo a modo de guiño repetidamente, luego la flauta nos concede un interesante solo en la parte central y final dejándonos con ganas de más.

Barrabás es una banda que independientemente del gusto del oyente es atractiva e interesante porque algo que tiene Calidad y talento no puede pasar desapercibido para ningún amante de la música y yo soy de los que reniega de la música disco. Así que si alguna vez lo tenéis a mano, pensadlo y no lo dejéis pasar, no os defraudará.

El único traje que le cabía a Elvis

 "Elvis quería huir, escaparse. Estar solo. Donde sus buitres particulares no desvariasen. Era tan indiferente al futuro como el tener un pie en el umbral de la eternidad.

 

Es absolutamente falso que fuera Elvis quien tomara un avión rumbo a Buenos Aires dos horas después de su muerte oficial, utilizando el seudónimo de John Barrows que tanto había usado para hoteles y viajes.

 

Todavía  en la actualidad se vigila su tumba en Graceland, como si la vigilia del cuerpo del último rey tuviera el poder de la resurrección, como si realmente no estuviera muerto. En realidad, Elvis sigue vivo."

                                                                      (El Sargento Pepper nunca estuvo allí. Julián Ruiz)

 

Contracultura

"La Psicodelia y el primer Rock progresivo son, por ende y en este final de la década de los 60, textos de un contexto superior que los abarca y emparenta, el de la Contracultura (esa subcultura que excede su propia categoría). Dicha filiación, como la que remite a ambos a las necesidades expresivas de una nueva generación, la del Baby Boom, es insoslayable para comprender sus motivaciones y desarrollo, así como un buen número de rasgos comunes e intersecciones.

Sin caer en la simple sucesión diacrónica (el discurrir en paralelo de ambos géneros llegaría hasta la fecha), apuntamos su imbricación, la de Psicodelia y Rock progresivo, en los años finales de la década de los 60, especialmente entre 1967 y 1968, coincidiendo además con la primera difusión global de ambos." 

                                                   (Rock en progresión. Eduardo G. Salueña) 

https://www.youtube.com/watch?v=nR8tDP6Tr7Q

FRANK ZAPPA – Apostrophe (1974)

 

Frank Zappa……………………......…….Guitarras, bajo, voz, arreglista y productor

Colaboraciones destacadas………….Jean Luc Ponty, Ian Underwood, Bruce Fowler, Jack Bruce, Sal Marquez Jim Gordon, Aynsley Dunbar, Tina Turner and the Ikettes

1ª Cara:

- Don't Eat The Yellow Snow
- Nanook Rubs It
- St. Alfonzo's Pancake Breakfast
- Father O'Blivion
- Cosmik Debris

2ª Cara:

- Excentrifugal forz

- Apostrophe’

- Uncle Remus

- Stink-foot

Este tío es “Juan Palomo, yo me lo guiso, yo me lo como”, hace de todo y además un elemento tan inquieto es imposible que guarde mucho tiempo una misma formación. Su discografía en solitario demuestra el aluvión de gente con la que llegó a trabajar. Nace en Baltimore (EEUU), siendo el mayor de 4 hermanos, constantemente cambiaba de domicilio debido al trabajo de su padre, sintió la llamada del arte pronto, y enseguida se decantó por tocar la batería en la escuela secundaria. Amante del Rythm’n’blues de los 50 y de autores como Edgar Varese con quien se obsesionó bastante, Igor Stravinsky y Anton Weberz. Fue siempre muy crítico con la religión, el establishment político, y la corriente musical generalista, además de defensor de la libertad de expresión.

En el instituto llegó a conocer y hacerse amigo de Don Van que adoptó el nombre de “Captain Beefheart”, unidos por el interés en el Rock and blues, influyéndose mutuamente a lo largo de sus carreras. Entró como batería de THE BLACKOUTS, que contaban en sus filas con miembros de los futuros MOTHERS. Su interés como arreglista y compositor creció y en los últimos años de escuela, componía, arreglaba y dirigía piezas de avantgarde.

Acabado el instituto, ingresó en la Universidad, pero duró poco. Realizó conciertos, grabó bandas sonoras y compuso y produjo para otros músicos. Trabajó poco tiempo como guitarra en un power trío, actuando en bares y locales, y ya en 1965 le invitaron a unirse a una banda que cambiaría su nombre a MOTHERS OF INVENTION, donde tocar la guitarra y ser vocalista, algo que nunca había considerado. El productor Tom Wilson decidió ocuparse de ellos y al año siguiente lanzaron su álbum de debut “Freak out!. Su éxito comercial fue sobretodo en Europa y eso supuso que pudo ser independiente durante su trayectoria.

Lo que viene después, todos los que nos interesamos por el rock, sabemos en mayor o menor medida lo que ocurrió. Comenzó una carrera meteórica que no se detendría a no ser por la muerte temprana que le llegó, fue en 1993 debido a un cáncer de próstata. Músico abrumador, de los que cuando naces rompen el molde, incomparable, no ha habido nadie como él. Con un físico reconocible entre cientos, fue Prolífico, provocador, innovador, inclasificable, virtuoso, bizarro, sarcástico, irónico, humorístico, excéntrico, exhibicionista, experimental y no se cuantas cosas más se podrían decir de este monstruo del Rock.

Su discografía amplia y compleja, es diferente según la época abarcando todos los géneros y se ha convertido en un espejo en el que mirarse para muchos músicos posteriores. Reconozco que no consigo hacerme a su música, demasiado densa y concentrada, me cuesta asimilarla mucho y no soy capaz de valorarla en su juicio justo, demasiada información en tan corto periodo de tiempo. Siempre se me ha resistido, y no he escuchado su discografía en gran número. Por eso he elegido este disco para comentar, un disco accesible que recomiendo tanto a los amantes de Zappa como a los que sean simplemente amantes del buen Rock.

Se trata del 6º álbum en solitario y el 18º de toda su producción. Está compuesto mayoritariamente por él, producido y arreglado (Salvo el primero, todos los demás fueron producidos por él). Llegó hasta el 10º puesto en las listas de éxitos comerciales, la mejor posición obtenida nunca y que se convirtió en disco de oro dos años después. Su resultado fue la mezcla de grabaciones recientes y otras de archivo. La primera cara del álbum fue grabada al mismo tiempo y con la misma banda que el que fue su antecesor “Over nite sensation”. Los cortes de la 2ª cara son sesiones de 1972 con sobregrabaciones de 1973.

En cuanto al aspecto musical del álbum no es fácil explicar con palabras el perímetro en el que se mueve, ya que aborda todo tipo de estilos, y lo hace meteóricamente, ya que pasa de un ritmo a otro en cuestión de nada y las fronteras no son discernibles. La velocidad y le virtuosismo es algo que van unidos de la mano y nunca puedes afianzarte en la escucha de un fragmento porque los cambios son numerosos e inesperados. El comienzo se lleva a cabo con unas ráfagas de viento, un vendaval en toda regla que nos pone alerta del “vendaval” que se nos viene encima, y que por otra parte es normal viniendo de Zappa.

Cuando acaba la ventisca, entra un pieza corta “Don't Eat The Yellow Snow “ en la que el bajo y la batería establecen un ritmo sugerente, aparecen coros, la voz de Zappa y una serie de metales que conceden un aire muy soul, pero sin tiempo pasa al siguiente, “ Nanook Rubs It” un tema también bastante vertiginoso, histriónico con burla y humor, algo común, una tónica en su forma de entender la música. Música densa, cargada donde no da tiempo a percibir todos los matices que van pasando sin cesar con un montón de arreglos, produciendo un rock concentrado. La guitarra trabaja con notas de escala altísima en las partes de los solos, que resultan ser como una cuchilla afilada moviéndose a una velocidad endiablada, dignos del Heavy Rock, mientras el tipo nos adereza con una retahíla parlanchina llena de efectos guturales. “ St. Alfonzo's Pancake Breakfast” es otra pieza que se mueve en los mismo cánones que la anterior, muy corta y simpática, una especie de anuncio del pancake.” Father O'Blivion” acelerada, sin respiro con percusiones finales muy latinas desembocando en el último corte de la primera cara “Cosmik Debris”, otra composición con ritmo y piano eléctrico sugerentes a los que se une la voz del genio en los mismos términos, se mueve entre el soul y el blues con introducción de cuñas que nos sacan de la ensoñación. De fondo nos acompaña un xilófono y la guitarra plena de ácido.

Cuando le damos la vuelta al vinilo, la atmósfera cambia, y es que como he dicho ya, no son composiciones que correspondan al mismo periodo de grabación que las de la cara 1. Nos vamos a encontrar con tracks de más duración y con una estructura en su ejecución más propia del Rock al que estamos acostumbrados fuera de la órbita Zappa.

El sonido es mas serio, dejando apartado la vena ocurrente bastante más apartada. Arranca con la rápida “Excentrifugal Forz”, un excelente entrante de ritmo adictivo que desemboca sin tiempo en la pieza clave del este álbum y que se llama igual “Apostrophe”, composición completa, muy rockera donde por primera vez encontramos riffs de guitarra que se repiten, hasta ahora inédito. Aires hard y progresivos es lo que más transmite incluyendo un largo desarrollo instrumental con solo de guitarra mostrando diferentes matices en las cuerdas en un monólogo extenso, bajo la acidez del bajo de Jack Bruce que no se esconde y que demuestra porque es un bajista de categoría. “Uncle Remus”, tal vez es el track más prescindible y el que menos aporta, para acabar con “Stink-foot” otro largo pasaje lleno de buena música en la que el bajo establece un riffs atractivo que se pasea hasta el final y sobre el que van sucediéndose arreglos blues del piano, una guitarra lejana soltando zarpazos ácidos y una sección rítmica también atractiva. Conforme se acerca al final se van acelerando todos los instrumentos y surgen coros de voces con unos cánticos muy africanos que ponen el punto final al disco.

Un personaje tremendo, con material infinito e insondable donde hay que tener narices para llevar a cabo prospecciones, nunca se le sacó tanto jugo a seis cuerdas.

Crises what crises

"Mike Olfield fue el artista individual más sorprendente, porque su primer LP, Tubular Bells, lo grabó integramente tocando él todos los instrumentos, que fueron 28, en 80 tomas de estudio hechas por separado. Un trabajo de ingeniería que marcó una época.

Tubular bells apareció justo antes del estallido de la crisis en la que, entonces, era la primera apuesta de una nueva discográfica, Virgin Records. Virgin eran las tiendas de mayores ventas de discos, y Richard Branson, su dueño, también quiso su editora. Gracias a Tubular bells la convirtió en una potencia y él acabaría siendo multimillonario.

 

Mike y Richard

Cuando estalló la crisis el disco se quedó sin existencias y no pudo ser reeditado ni repuesto en las tiendas por falta de vinilo. Pareció morir sin más, hasta que la música fue incluida en la banda sonora de la película El exorcista, la más vista de entonces y, esta vez sí, su reedición lo llevó al nº 1 en todo el mundo. A partir de aquí Oldfield se convirtió en uno de los grandes, con una serie de álbumes impecables."

                                                                   (Historia del Rock. Jordi Sierra i Fabra) 

Reválida del prog

 "Los padres fundadores del rock sinfónico obtuvieron la gloria. Pasaron merecidamente a los anales de la música como superbandas. Fueron un huracán que arrasó con lo establecido creando una nueva forma de entender la música.

Generaron una gramática musical, con la que las bandas de los 80 y 90 crearon sus canciones. La segunda hornada no tuvo nunca el alcance ni la repercusión de sus predecesores. Los nombres  de esas bandas permanecen en el anonimato para la mayor  parte del público, o ligadas a algún que otro éxito comercial, como en el caso de Asia.

No obstante, fueron bandas que depuraron el sonido de los padres fundadores. Su música era más clara y contundente, pero carecían de lo fundamental: el efecto sorpresa."

                                         (Historia del Neo Rock Progresivo: Christian Aguilera) 

REG KING – Reg King (1971)

 

Reg King……………...…….Guitarra rítmica, voz, piano y teclados

Brian Godding……..…….Guitarra solista

Mick Evans……..………...Bajo

Roger Powell…..…..…...Batería

Colaboraciones destacadas………………..Ian Whiteman, Marc Charig, Elton Dean, Mick Taylor, Brian Auger, Nick Jones, Peter Dale

1ª Cara:

- Must be something else around

- You go have yourself a good time

- That ain’t living

- In my dreams

- Little boy

2ª Cara:

- 10.000 miles

- Down the drain

- Savannah

- Gone away

Antes de publicar en solitario este álbum, Reggie estuvo al frente de ACTION, un grupo de la órbita ‘mod’, de hecho el preferido de los mods, menos pop que sus contemporáneos THE WHO o SMALL FACES, pero siempre clandestinos, lo que los hacía más atractivos, a pesar de contar con un numeroso público. Seguramente debido a esto nunca llegaron a las listas de éxitos, siempre desconocidos hasta el resurgimiento del estilo mod en los años 80 y 90.

Reggie King había dejado la escuela en Hamstead (Londres) a los 16 años y tras realizar trabajos sencillos, decidió unirse a Roger Powell, Alan King y Mick Evans junto a la cantante Sandra Barry, para forma THE BOYS, que practicaban beat. El amor al Soul provocó que dieran un giro musical y formaron ACTION, tocando versiones en un principio. Pero en 1965 consiguen un contrato discográfico con Parlophone, donde realizaron una serie de sencillos, en los que destacaba la voz de Reggie muy acorde a los cantantes de soul americano que tanto gustaban a éste.

Ya en 1967, los sonidos limpios de soul quedaban obsoletos y King que había quedado impresionado con “Pet sounds” de BEACH BOYS, comenzó a interesarse por la psicodelia, y la influencia de THE BYRDS, fue básica. El problema es que no consiguieron grabar un álbum completo con Parlophone por dificultades dentro del sello, que se mantenía a duras penas. Además de esto, después de un lamentable concierto en el club Blue Lagoon, que acabó con multa por desperfectos, Reg abandonó la banda.

Intentaría continuar como productor y vocalista de sesión, pero nunca consiguió sobresalir con su trabajo. Su álbum se vendería muy mal, cayendo un el olvido. Reg se proclamó compositor, arreglista y productor para su obra en solitario. Y desde luego escuchándolo puedes dar fe de que su producción fue un desastre, no hace falta ser un experto en música para darse cuenta.

A pesar de haberse rodeado de grandes músicos del momento que colaborarán, más unos que otros, en todas las canciones el resultado no fue nada brillante. A King la producción le quedó como el culo, sin más. La grabación ya muestra muchas carencias, la ambientación es extraña y oclusiva provista de un sonido áspero que permanece hasta el final. La energía no está bien focalizada y se producen altibajos en el volumen en la entrada en acción de los instrumentos, algo que avisa de una producción defectuosa. Existe cacofonía y confusión cuando los instrumentos funcionan al completo y algunos finales son precipitados acabando de manera brusca o sin bajar la intensidad de volumen de forma correcta. Leyendo los créditos de la contraportada descubro que entre el colectivo de ingenieros que participaron en la grabación hay un tal “Eddie Offord”, casi nada. Seguro que no recordará esa labor con mucho interés, ni quiera hablar de ella, como si nunca hubiera existido.

Si nos centramos exclusivamente en el aspecto compositivo y musical del disco, hay que decir que todos los cortes están escritos por Reg y Peter Dale. La versatilidad es patente, mucha variedad, las influencias que recibe a lo largo de su carrera aparecen dibujadas en sus temas. Rock de raíz, soul, música negra, percusiones, riffs explosivos, swing, distorsión, estilo británico de los 60 con gran aderezo de su pasado mod, y mucho, mucho arrojo y sentimiento.

La fuerza del músico se observa en sus entradas con la guitarra rítmica que forja la estructura temporal de la composición sonando en muchos casos, más potente incluso que la guitarra solista, algo extraño, que tal vez podemos asociar a la también inaudita producción del mismo. A pesar de su grabación sorprende gratamente la autenticidad musical y la frescura que derrochan las piezas que se van sucediendo. Estamos ante un conjunto de buenas composiciones. Los arreglos mayoritariamente son realizados por el piano, pero también encontramos los instrumentos de viento. Su función unas veces más acertadas que otras, puesto que en algún caso los arreglos de piano son ocultados por instrumentos que enciman. También se observan guitarras desafinadas (That ain’t living ,Down the drain) que discurren paralelas por otro universo lo mejor de todo es su voz racial y emocional cercana a la de Rod Stewart de FACES.

Cuando llegamos a Savannah, descubrimos que sin duda es su mejor corte, y además el más largo, con casi 12 minutos nada menos, pero también es donde se aprecia muy bien su fracasada producción con un batiburrillo instrumental hacia el final donde no hay quien se aclare, un coctail de buena música pero donde no somos capaces de descubrir los sabores. Nada más empezar con una calma en la guitarra que precede a la tempestad, King empieza a generar un riff rítmico que ya no abandonará y que sustenta todo el bloque. Energía en estado puro que va “in crescendo” sumando instrumentos y decibelios. Es el momento en el que Brian Auger se luce al órgano siguiendo la endiablada guitarra o haciendo solos con enormes barridos, algo que gusta mucho a Brian. Una pieza machacona que atraviesa varias fases donde el riff cada vez es más incendiario llegando a un tope sónico en el que reina la indefinición y la cacofonía. Los solos de la guitarra de Godding se suceden entre secciones, al igual que las intervenciones del órgano. Podríamos calificar Savannah como el transcurso de una tormenta. Una introducción dura, la fase de descarga y un final donde poco a poco va amainando con una lluvia que acaba por cesar.

La coda como dice su título Gone away, nos lleva lejos, una maravilla protagonizada por el órgano con una cadencia descendente y una performance que bien podría pertenecer a PROCOL HARUM, y con similitud a títulos como “Homburg” ó “pilgrim progress”. Su estilo esta alejado de la fuerza empleada en piezas como “Savannah”, mostrando el lado más soñador y sensible de Reggie.

Su andadura musical tuvo un trágico final ya que sufrió un accidente cayendo por una escaleras que le provocó una lesión por la que fue operado con cirugía neural. Esto sucedió al poco de haberse unido a la banda BB BLUNDER. Moriría a los 65 años, pero a causa de un cáncer. Un hombre que tal vez nunca supo encontrar su sitio y que atormentado se quedó a medio camino.