"Jethro Tull, fue una de las formaciones con la que YES coincidiría en una gira de conciertos en los Estados Unidos: Vi a Ian Anderson, era muy bueno. Lo veía todas las noches. Me dí cuenta de que el objetivo es adoptar una postura en el escenario. Se tiende a hacer lo mismo todas las noches. Como una rutina. Es como el teatro. Yo sabia al escenario y hacía lo que sabía, aporreaba la batería, meneaba las maracas o le daba a una pandereta plantado en el escenario. Estaba en medio de toda esa música y no dependía de mí proyectarla. Pero cuando vi a Ian Anderson fue genial. Era un maestro. Tenía a todo el mundo por detrás y era fácil de entender. Creo que Yes, como grupo, lo entendió y cuando salimos al escenario cada un desempeñaba su papel."(Historia del Rock Sinfónico)
Un análisis personal de una colección de vinilos que engloba el progresivo desde sus inicios y la década de los 70
lunes, 4 de noviembre de 2019
Yes vs Jethro Tull
domingo, 3 de noviembre de 2019
Uno entre 50
"King Crimson no es un grupo como los otros, sino una especie de taller de creación colectiva, donde cada cual puede ir si tiene necesidad de aprender, más allá de sus hábitos. Si Fripp viene a proponerte tocar con la banda, es algo que no se puede rehusar. "Palabras de Bill Bruford que definen a uno de los grupos más extraños del rock de la década de los 70"(1954-1984. 30 años de Rock)
domingo, 27 de octubre de 2019
JADE WARRIOR - Last autumn's dream (1972)
Tony Duhig......................Guitarra
eléctrica
John Field........................Flautas,
congas, percusiones
Glyn
Havard....................Bajo, guitarra acústica y voz principal
Allan
Price.......................Batería
David Duhig.....................Guitarra
principal invitado en 2 temas
1ª cara:
- A winter's tale
- Snake
- Dark river
- Joanne
- Obedience
- Morning hymn
2ª cara:
- May queen
- the demon trucker
- Lady of the lake
- Borne on to the
solar wind
Una de las pocas bandas dentro
del progresivo cautivada absolutamente por la música tradicional japonesa,
hasta el punto de ponerse de nombre una referencia nipona inconfundible y arraigada
como es la del guerrero "Jade" . Las portadas de los Lp's muestran
también esa influencia con dibujos y pinturas inspirados en su arte. No solo
tienen cabida las influencias orientales, incluyendo instrumentos clásicos del
país del sol naciente, también hay sitio para ritmos y percusiones de origen
africano y países caribeños ("Dark
river"/"Obedience"....), por supuesto el pop británico
coetáneo se deja notar a través del mito BEATLES,
descubriendo instantes que nos alertan en cortes como "A winter's tale", con un estribillo que se repite en la
última parte, cuya estructura recuerda poderosamente al estribillo inserto en
bucle en "Hey Jude" de los
escarabajos. Hay lugar para los sonidos orquestales en "Borne on to the solar
wind", inspiración e improvisación en jams libres ("Snake" y "Dark
river") e incluso cierta dureza en las cuerdas de la guitarra en "Snake".
"May
queen" es representativo de la línea que se convertirá en tónica en
posteriores álbumes, una pieza de carácter ambiental que revive la música
oriental de los ancestros en la que dominan los aspectos relajantes y la
quietud, inherentes a la filosofía de la sociedad tradicional japonesa.
El elemento contradictorio a
todo esto, que rompe y desgarra de alguna manera esa delicadeza musical es la
guitarra de Tony Duhig, poniendo la nota ácida y agresiva en la mayoría de sus
intervenciones desgarrando los temas. Se muestra ruda, dura y primitiva creando
un efecto contrapuesto que resulta extraño y a la vez mágico.
La voz se acomoda a las circunstancias
y se acopla perfectamente a la espiritualidad que rezuma la música, una música
intimista, reflexiva, ecléctica y bucólica donde la flauta travesera juega un
papel fundamental para producir esa esencia mística que se respira.
domingo, 20 de octubre de 2019
Cuidado que vienen los Stones!
"La aparición de los Stones y su leyenda de rebeldes labrada en pocos meses les convirtió en los enemigos públicos número uno. La frase ¿Dejarías a tu hija casarse con un Rolling Stone? se hizo famosa.
De pronto, los Beatles eran los limpios y ellos los sucios. Cuando eran detenidos por orinar en público, se les tildaba de gamberros y nadie prestaba atención al hecho de que en ese lugar no les hubieran querido dar la llave de los lavabos. Fueron multados con tres libras y quince guineas por cabeza. La respuesta de Mick fue que Iba a apelar al Supremo. Esto, en 1965 y en la puritana Inglaterra, tan tradicional y de pronto espectadora atónita de todo lo que sucedía con la nueva música. "(Historia del Rock)
Y así empezó todo....
"En ese momento tomo una decisión repentina, y en un frenesí demente vuelvo a arrojar una y otra vez la guitarra contra el techo. Lo que antes era una simple fractura, ahora es un astillado estropicio. Sostengo la guitarra ante el gentío con gesto triunfal. No la he machacado: la he esculpido para ellos. Despreocupado, arrojo la guitarra hecha añicos al suelo, agarro una Rickenbacker nueva de doce cuerdas y prosigo el espectáculo.
Aquel martes por la noche di con algo más potente que las palabras, algo más emotivo que mis tentativas de chico blanco por tocar blues. Y como respuesta recibí la unánime aclamación del público. Algo así como una semana más tarde, en el mismo local, me quedé sin guitarras y derribé la pila de amplificadores Marshall.
Poco amigo de quedar en segundo plano, Keith Moon se sumó a la fiesta pateando su batería. Roger empezó a raspar el micrófono contra los platillos quebrados de Keith. Algunas personas contemplaron la destrucción como un ardid publicitario, pero yo sabía que el mundo estaba cambiando y estábamos mandando un mensaje. La vieja manera, convencional, de hacer música ya nunca iba a ser la misma."(Memorias. Pete Townshend)
domingo, 13 de octubre de 2019
GOLDEN AVATAR - A change of heart (1976)
Michael Cassidy..........................Voz
principal y guitarra
Carl Bezzemer & David
Stout..........Piano
Barry Goldsman..........................Órgano
y sintetizadores
Carl Lange & Steve
Pinkston...........Bajo
Drew Lawrence..........................Batería,
percusión
Bob Conti.................................Congas
ETC.
1ª cara:
- World beyond the sky
- Questions, questions
- Bhagavad-Gita
- Seers on the truth
- You're not that body
2ª cara:
- A change of heart
- Swetadip
- Oh Govinda
- Time for going home
Esta obra que tratamos es una de
esas en la que se consigue reunir a todo un regimiento de músicos para la
ocasión, que casi siempre es idea y empeño de uno de ellos, que a base de empuje y motivación logra
cumplir con su sueño, plasmar sus composiciones a lo grande. Una congregación
de tal volumen, la mayoría de las veces, es artificial y como nos ha enseñado
la historia, su duración es muy limitada.
Aquí el iluminado de turno fue Michael
Cassidy, poco conocido en el panorama del momento, aunque hay que reconocer que
realizó un trabajo sobresaliente, pulcro, perfeccionista y lleno de
composiciones que brillan, más que nada, por toda la labor que encierran en lo que se
refiere a orquestación y arreglos, y también las constantes texturas que tejen
las voces con momentos fantásticos. Brillantes y abundantes intervenciones a
través de instrumentación de viento, son uno de los secretos que hace que la
formula resulte exitosa.
El disco gira en torno a la
temática espiritual, se podría decir que se trata de un álbum conceptual, con
letras trascendentales que siempre hacen referencia a la materia , ya que
Michael está totalmente imbuido de las creencias hinduistas, y es algo que nos
va a acompañar en todo el viaje.
La música resulta excelente, a
pesar de estar envuelta en una vorágine de instrumentos, orquesta de cámara y
arreglos de todo tipo, no resulta excesiva, aunque sí es cierto que goza de
pomposidad en muchas ocasiones. Se mezclan fases o episodios solemnes, sobrios
y grandilocuentes con otros íntimos, distendidos que incluso resultan muy
inocentes, como si de un cuento se tratase.
El sonido en muchas ocasiones y
debido a los arreglos completos de secciones de metal parece estar dentro de
los patrones del funk o el soul pisando de vez en cuando territorio de jazz,
pero siempre dentro de una aureola de sinfonía con fuegos de artificio en la
que proliferan violines, guitarras acústicas, flautas, etc.
No hay que olvidar que la banda
es americana y eso suele acarrear implícitamente en la mayoría de los casos de
este tipo una cierta accesibilidad en la escucha, una dosis de comercialidad y
corrección que en este lp no impide buena calidad de las composiciones, pero es
justo decir que se echa de menos algo de energía.
La música de GOLDEN AVATAR se puede asimilar a unos MOODY BLUES ya talluditos, o unos RENAISSANCE
en sus momento más líricos.
domingo, 6 de octubre de 2019
El nacimiento de una gran banda
"De todos los integrantes de la formación original de 1968, el único que ha sobrevivido en la actualidad es Chris Squire, en la enésima de refundación del grupo.
En palabras del espigado bajista, 'La idea era convertirse en un grupo con un gran respaldo instrumental y una voz muy poderosa'. Esa voz no sería otra que la de Jon Anderson, quien ha sido el segundo (tras Squire) en registrar un mayor número de presencias en las incontables alineaciones de Yes,
ya desde un álbum de debut que serviría para ir diseccionando las habilidades de una banda que trataba de distinguirse dentro de un panorama musical británico invadido por los efectos de la psicodelia al que había sucumbido, entre muchas otras formaciones, The Syn."(Historia del Rock Sinfónico)
Nuevas fórmulas
"Sandie Shaw alcanzó fama europea gracias a su victoria en el festival de música melódica Eurovisión 1967. Con la institución de este festival, los empresarios del mundo del espectáculo, comerciantes y hombres de la televisión querían oponer a la música joven una lucrativa moda de canciones al estilo de nuestros abuelos."(El mundo de la música pop)
domingo, 29 de septiembre de 2019
JEAN MICHEL JARRE - Oxygene (1976)
Jean M. Jarre..........................Órgano,
sintetizadores, teclados, farfisa, mellotrón, programación rítmica.
1ª cara:
- Oxygene I
- Oxygene II
- Oxygene III
2ª cara:
- Oxygene IV
- Oxygene V
- OxygeneVI
Jean Michel, francés, hijo del
que sería famoso compositor para películas de gran envergadura en Hollywood, Maurice Jarre, al principio siguió un
poco los pasos de su padre. Sus primeros escarceos con la electrónica recaerían
en piezas cortas para anuncios y cuñas. Experimentación por los 4 costados,
nada que se le parezca a su posterior trayectoria. Tras un buen montón de
rarezas consiguió dar música a un film, algo que paso bastante desapercibido
pero que significó de alguna manera su debut en el ruedo. Hasta que se sentó en
el cuarto de estar de su casa rodeado de aparatos electrónicos de toda clase, y
la lió parda, dando lugar a un engendro maravilloso y artesanal que todavía tiene
vigencia. Un revulsivo dentro del mundo de la música electrónica que supone una
nueva vía, un nuevo formato lejos de la escuela alemana que sentaba cátedra ya
hacia unos años.
"Oxígeno", es como
dice "un balón de oxígeno".
Una forma distinta de afrontar la electrónica que al igual que la doctrina
alemana, también recoge de alguna manera una forma de sentir de la sociedad.
Así como los germanos estaban anclados en la oscuridad, la obsesión, la
mecánica, como reflejo de un país que tiene que salir adelante, olvidar,
reconstruir, asumido en las vidas de sus músicos desde niños, Jean Michel
también nos muestra esos años de contacto con los emigrantes de las colonias
del Magreb de su infancia y juventud traducido en ritmos y sonidos de raíz
étnica que inserta (Oxigeno V y VI)
dentro de sus composiciones, en los años 80 todavía será más explicito en su
álbum "Revolutions"
La música de este Lp es muy
ambiental , envolvente, fresca. Consigue transmitirnos la idea de expansión, espacios
abiertos, limpios, sensaciones gratificantes, con el sonido del mar como
elemento que fluye a lo largo de toda la obra. Sus influencias entroncan con
autores clásicos (Bach), con coetáneos como VANGELIS y con sonidos de raíz árabe. Por supuesto para lograrlo
utiliza todos los instrumentos puestos a disposición en el mercado: grabadoras, programadoras, osciladores, etc.,
creando los típicos bucles y pregrabaciones.
El acercamiento a sonidos más
accesibles es evidente. Las melodías son fácilmente reconocibles pero están
envueltas en una masa esponjosa en constante movimiento que le otorga esa
performance interesante y atractivo que te atrapa. De hecho "Oxigene IV", que es la parte más
conocida, apareció como single, y le valió para salir del anonimato con una
gran aceptación. El origen latino de su
persona pesa y se demuestra en los ritmos escogidos, opuestos a la frialdad y
falta de alma de las piezas de grupos como TANGERINE
DREAM, KLAUS SCHULZE, ASH RA TEMPLE, etc.
La experimentación o tal vez
improvisación no llega a las cotas de los Teutones. Jean Michel indaga más bien
en buscar como plasmar sus inquietudes, en hacer partícipe al espectador, en
comunicar, en conectar. Para ello elige estados que nos son reconocibles. En
"Oxigene VI", el último
episodio, nos muestra un mar de olas agitadas que van y vienen, cada vez más
profundo, hasta conseguir que ese vaivén se convierta en una inspiración y
expiración correspondientes a la respiración humana.
Se puede catalogar de obra
conceptual, que se convertirá en inspiración para muchos otros músicos dentro
de la disciplina.
domingo, 15 de septiembre de 2019
El hombre de las mil gafas
"Su exotismo excéntrico va alcanzando cada vez dimensiones mayores y en 1976 alcanza el máximo renombre con su doble álbum 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', y abandona sus célebres gafas cósmicas para colocarse unas lentillas que hacen más juego con su poco pelo y su aspecto ya mayor.
Una de sus mejores particularidades es que su voz se ha sabido acoplar siempre a los tiempos, y ha cantado desde baladas a temas pop con garra y rock'n'rolls fuertes. Incluso tuvo una época en la que experimentó con sintetizadores, y hay que reconocer que es además de excelente cantante un gran músico, que trató de igualar las mágicas epopeyas de Keith Emerson, vistiendo y tocando parecido con su joven banda formada por Nigel Olsson, batería; Dee Murray, bajo; Caleb Quaye, guitarra, y James Newton-Howard teclados."(1954-1984. 30 años de Rock)
PSICODELIA
"Los primeros en introducir la palabreja en una canción fueron The Holy Modal Rounders, en 1964, cuando eran un grupo de folk underground de Nueva York, en una versión del famoso 'Hesitation Blues' a la que añadieron varias estrofas, entre ellas Tengo mis pies psicodélicos / en mis zapatos psicodélicos (pronunciado en el inglés original como psycho-delic, en lugar de psyche-delic como se impondrá finalmente).
El año siguiente a esta referencia marginal la veda de los títulos se levantaría con la aparición de la banda The Psychedelic Rangers (luego The Doors) y la palabra comenzará a aparecer hasta en la sopa".(Malas Hierbas)
domingo, 8 de septiembre de 2019
DEREK & THE DOMINOS - Layla and other assorted love songs (1970)
Eric
Clapton..........................Voz, guitarras
Bobby
Whitlock....................Órgano y piano, guitarra acústica y voz.
Carl Radle.............................Bajo,
percusión
Jim Gordon...........................Batería,
percusión y piano
Duane Allman.......................Guitarra
eléctrica y slide (invitado)
1ª cara:
- I looked away
- Bell bottom blues
- Keep on growing
- Nobody knows you
when you're down and out
2ª cara:
- I'm yours
- Anyday
- Key to the highway
3ª cara:
- Tell the thruth
- Why does love got to
be so sad?
- Have you ever loved
a woman
4ª cara:
- Little wing
- It's too late
- Layla
- Thorn tree in the
garden
Seguimos de cerca nuevamente los
pasos de uno de mis guitarristas favoritos del rock, y es que todo lo que
tocaba Clapton lo convertía en oro. Tras acabar su fugaz estancia en BLIND FAITH se enrolaría con una serie
de músicos de solido bagaje bluesero para modelar un nuevo proyecto de rock and
blues. Puro feeling y una inyección contundente de blues, rock y me atrevería a
decir de rythm'n' blues.
Doble álbum cargado de versiones
de bluesmen venerados por el prodigio Clapton por un lado y por otro piezas
escritas por él mayormente, con la colaboración de todos los demás, en especial
de Whitlock. Un segundo trabajo se quedó en puertas sin llegar a grabarse en
estudio, solo un directo, magistral por cierto. Y es que las tensiones internas
de la banda que no terminaba de encontrar la armonía y la guerra de egos que
manaba de su núcleo, hicieron que saltase por los aires. Las formaciones por
las que Eric Clapton ha transitado
fueron tan espectaculares como corta su existencia, rodeado siempre de músicos
de gran calidad, pero las ansias por ir más allá del genio eran tales que
enseguida se sentía estancado. Aquí tendrá el placer de tener en la
colaboración a otro de los grandes de la guitarra, Duane Allman, que aparcará por una temporada a sus brothers.
El resultado es un buen puñado
de canciones, todas ellas de nivel alto en la disciplina del blues y el ritm'n'
blues. Melodías con un torrente de sentimientos que hacen que nos impliquemos
en muchas ocasiones, momento mágicos en los que Clapton acaricia la guitarra
para luego tornarse más salvaje, electrificada, sobre todo cuando Allman entra
en acción, construyendo pasajes que sobreviven a la memoria y nos retrotraen
riffs que de pronto reconocemos, ocultos en algún rincón perdido de nuestra cabeza.
Algunas composiciones están muy
impregnadas del rock sureño, disciplina que practicaba el bueno de Duane
Allman, y más todavía cuando se pone con la guitarra "slide". Las marañas guitarreras que se tejen entre Clapton y
Allman terminan resultando difíciles de seguir en una serie de diálogos
fabulosos, ofreciendo instantes de alto octanaje, todo bien engrasado, unas
veces por el órgano y otras por el piano de Bobby que hace una labor eficaz sin
lucimiento personal, que no es sencillo de valorar y apreciar.
La ordenación de los temas hace
que se intercalen los escritos por ellos con las adaptaciones de otros, que
suelen ser las que incorporan lo más cercano al rythm'n'blues en la mayoría de
los casos con unos tempos muy marcados y alineados a los patrones más puristas.
Esos tracks se extienden en duración y si no estás muy habituado al Rythm'n'
blues como yo, terminan haciéndose tediosos.
Y cuando parece que todo se
acaba, surge como un relámpago "Layla", que parecía ya
olvidada, tema estrella por meritos propios, incluye uno de los riffs de
guitarra más famosos del rock de todos los tiempos, intuitivo y reconocible a
la primera. Composición que se distingue por tener 2 partes muy notoriamente
definidas, la primera que no ceja en repetir una y otra vez el susodicho riff
con una guitarra encendida, hasta llegar a un punto de cambio de aires donde la
guitarra se vuelve lánguida y es el piano el que toma las riendas, construyendo
el fragmento más sensible de Layla.
La despedida, un broche, balada
delicada y sencilla de Whitlock donde Clapton le pasa el testigo. Será Bobby
quién punteará suavemente una acústica que nos acompaña a la puerta de salida
con una sensibilidad y sentimiento exquisitos.
Lección de guitarra que no
debemos perdernos.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)