BRINCOS – Mundo demonio y carne (1970)

 

Miguel Morales……...………Guitarra y voz

Oscar Lasprilla……...……..Guitarra y teclados

Vicente Martínez….….....Guitarra

Manuel Gonzalez…...…...Bajo

Ricky Morales……………....Guitarra y voz

Fernando Arbex…….……..Batería y voz

1ª Cara:

- Mundo demonio y carne

- Vive la realidad

- Hermano Ismael

- Esa mujer

2ª Cara:

- Jenny, la genio

- Enmancipación

- Carmen

- Butterfly

- Kama-Sutra

En los años 60 la juventud de una España que salía adelante con los polos de desarrollo instaurados por el gobierno de Franco, vivía sus momentos de ocio, sus guateques y sus fines de semana entre discos de Los Brincos, Los Bravos o Formula V, como máximos exponentes de la música Rock de puertas para adentro. Con canciones alegres de letras tiernas, blancas e ingenuas seducían al público más joven haciéndoles soñar con mundos en los que el amor, la amistad y la felicidad eran protagonistas absolutos, la censura no dejaba pie a nada que fuera en contra y si querías continuar en el oficio había que pagar un precio.

A finales de la década el universo musical está desatado, floreciendo movimientos y bandas por doquier, algo que por muy aislados que estuviéramos en España no puede pasar por alto para todos aquellos que se mueven en esa órbita. Los Brincos, cuyo mayor referente son The Beatles, como les sucedía a muchos otros, están influenciados y volcados a cada nuevo paso que dan los británicos. Los ecos de Revolver y Sargeant Pepper…..son tan fuertes y tienen tal repercusión en la escena Rock que no pueden pasar inadvertidos tampoco aquí, justo en una coyuntura social aliviada por un cambio de dirección que permite más aperturismo, los tiempos están cambiando y las arcas crecen gracias a la afluencia del turismo, la gallina de los huevos de oro.

Así pues Los Brincos, tal como indican en el interior de la carpeta del disco, creen que hay que pasar página y evolucionar, no quieren encasillarse y necesitan un salto estilístico. Influidos por el movimiento progresivo que está en plena incandescencia, aunque ellos niegan estar adscritos a ningún estilo, van a crear el primer disco conceptual nacional basado en las debilidades humanas que ellos mencionan como Mundo, demonio y carne. Cantarán en la mayoría de las ocasiones en español, pero también lo hacen en inglés, con la idea de no cerrarse las puertas a Europa.

Tras salir de la formación Juan y Junior se produce un cambio estilístico, siendo sustituidos por Vicente Martínez y Ricky Morales. Se unen también Oscar Lazprilla a los teclados, multinstrumentista colombiano y otro hermano Morales, Miguel a la guitarra, la alteración del equipo es profunda. El álbum se grabará en Wessex Sound, Londres, un intento más de que la atmósfera inglesa les inspire para producir ese cambio que buscan. Una ventaja era que todos ellos componían en mayor o menor grado, llevándose a las islas al conocido director Augusto Algueró para ayudar en las tareas compositivas, producción y arreglos. No están dispuestos a crear un producto del montón, buscan la innovación y la calidad.

Grabado el álbum, el material es bueno, más que bueno, pero la repercusión no es la deseada. La crítica arremete con ellos, el público seguidor no está preparado, no entienden la nueva concepción musical que no tiene nada que ver con lo publicado con anterioridad, es decir canciones sencillas, alegres y entrañables. La sociedad española no tiene los oídos educados para estas nuevas experiencias, demasiado aislamiento. Eso hace que la mayoría de la espalda a este nuevo disco. Y algo muy importante, el sello discográfico que los promociona tampoco ve con buenos ojos la novedad. Todavía los viejos arquetipos rancios que se mantienen en las posiciones de poder siguen en la tónica de otros tiempos, no están dispuestos a tolerar ciertas letras y tampoco composiciones alejadas de los cánones habituales de la industria musical española.

Como resultado de todo lo expuesto es un fracaso total, nadie ha entendido la mutación. Les obligarán a introducir ciertas composiciones que en un principio habían descartado y a su vez, desechar otras que pretendían incluir para que la obra sean moderadamente distribuida. La discográfica no encuentra un éxito para promocionar y tampoco estará de acuerdo con la foto de portada (los músicos desnudos de cintura para arriba), una propuesta de art-work muy moderna en ese contexto, que luego en reediciones posteriores será recuperada.

Comienza con la homónima Mundo demonio y carne surgiendo de las profundidades con un sonido muy progresivo, el ejemplo perfecto de lo que pretenden mostrar con sus nuevos aires de vanguardia, introduciendo efectos y elementos propios del estilo. Además es cantado en inglés y la subdividen en varias partes bien conectadas, consiguiendo con ello que la atención no se disperse y que el oyente no caiga en tediosas fases. La experimentación es un hecho patente en ella con la búsqueda de ambientes diferentes y cambios de fondo. Tal vez influencias de la banda anglosajona MOODY BLUES se quieren dejar entrever en la forma de estructurar el tema. Una de las secciones aporta sonidos hindúes, algo también típico en muchas bandas posiblemente por esa moda de los viajes fugaces a India realizados por los grandes. Por supuesto el Mellotrón, instrumento progresivo por excelencia aparece también aunque de forma tímida, juegos vocales, aportación de flauta en las partes más melódicas y para el final un efecto de sonido, algo clásico entre las bandas progresivas.

Le sigue Vive la realidad, una pieza que no tiene nada que ver con lo anterior. Es muy probable que fuera una de esas composiciones desechadas en un primer momento y que la discográfica rescató. Una melodía simple y seguramente del gusto del público que les seguía hasta entonces. Unas guitarras de acordes alegres conjuntadas con una voz respondida por el coro en formato breve. A continuación Hermano Ismael es una pieza de aires muy “políticamente correctos” en su letra, ya se sabe, cosas de entonces. Construida con una bella guitarra acústica es adornada con pequeños punteos de la eléctrica, la voz y los coros muy melódicos consiguen que sea resultona pero alejada de patrones innovadores. Cerrará la cara Esa mujer, una pieza interesante de carácter melancólico con una guitarra que parece hablar. Nos habla de una relación basada en una diferencia de edad de los amantes (la censura lo dejó pasar). Tiene dos partes bien diferenciadas, la primera en la que se cuenta la historia hilada por la magnífica guitarra y una segunda que explota en un final épico conducido por arreglos de la orquesta en bucle donde destacan los violines de aire muy trágico.

Arranca el lado B con Jenny, la genio que podría haber servido de hit en las emisoras. Una canción muy festiva dirigida por una guitarra con algo de rebeldía, una singularidad en este disco. Tiene cierto gancho con una mezcla de accesibilidad y rock atractivo y un estribillo que repiten una y otra vez. La coda es muy interesante ya que se produce un instante instrumental con un piano desatado y fantástico hasta el final. El siguiente corte se puede decir que era un problema que sigue estando vigente hoy. Enmancipación habla de eso, de la necesidad de construir tu propio camino, y para ello es necesario vivir tu propia vida sin depender de nadie. Elaborada con un órgano y una guitarra de pedal principalmente consiguen una textura interesante e innovadora que se va volviendo más compleja desembocando en un solo de teclas ácidas que nos arrastra a un desenlace de barridos barrocos.

Nuevamente la guitarra nos introduce en una balada en la que conviven la guitarra clásica y un sereno mellotrón de tapiz. En Carmen una vez más el amor es el centro de la letra a través de una melodía muy atractiva. Breve y deliciosa construida sobre acordes sencillos pero elegidos con maestría. Otra el espíritu de Moody blues flota en el ambiente. Butterfly resulta ser una canción alegre y con gancho sobre todo por su pegadizo estribillo. Su letra como la mayoría de las composiciones es muy blanca e ingenua. Trabajada principalmente sobre el órgano tiene cierto ramalazo de psicodelia si quieres….pero muy accesible toda ella, podría haberse creado en su época anterior.

El círculo se cierra con Kama-Sutra, el título ya nos inclina a pensar que vamos a volver a experimentar ambientes de incienso y sítares….. y no te equivocas. Es la secuela de su homónimo, un instrumental dotado de percusiones, cuerdas y mellotrón que nos sumerge absolutamente en los ambientes mencionados. Reminiscencias de otros sonidos escuchados a través de grupos de la corriente Komische musik abanderados por CAN, AMON DUUL, POPOL VUH etc, donde bullía la experimentación y sobre todo la improvisación como una constante, de manera que las piezas podían alargarse hasta límites inesperados, más todavía en los directos. La canción se mantiene en esos términos desvariando en la melodía con disonancias conforme pasa el tiempo dejando que el mellotrón se vaya haciendo cada vez más fuerte y de carácter progresivo en su final.

No se hizo justicia con el álbum, la decepción que vino tras su publicación provocó que la banda diera por terminado su periplo como tales. Fernando Arbex, un visionario, rápidamente se repuso y volvió a triunfar por otros senderos musicales. Es cierto que eran unos novatos en el estilo, pero la base era excelente y seguramente con el tiempo habría dado sus frutos. Pero habían nacido en el país equivocado.

El finiquito de The Beatles

 "En la primera semana de septiembre de 1969, John le había dicho a Paul que quería su canción, una apología sobre la heroína, Cold Turkey, como nuevo single de los Beatles. McCartney le contestó que eso era imposible.

 

Lennon decidió que la negativa de Paul fuera el punto final, el torpedo que hundiría para siempre a los Beatles." John  le contestó a Paul con ira en los ojos. Le aseguró que eso significaba el final de su relación con los Beatles. Así que el 28 de septiembre de 1969 grabó con Eric Clapton a la guitarra, Klaus Voorman al bajo y Ringo Starr en la batería la famosa Cold Turkey que no fue ningún éxito.

 

Pero fue la primera canción que no estaba firmada como Lennon-McCartney. Solo como John Lennon. No era el primer single de la Plastic Ono Band. Anteriormente había aparecido Give Peace a Chance, pero John, esa vez, firmó la canción como Lennon-McCartney."

                                                          (El Sargento Pepper nunca estuvo allí. Julián Ruíz) 

El viejo neoprogresivo

 

"En 1985, la primera oleda del neoprogresivo británico ya llevaba un cierto tiempo dándose a conocer. Galahad surgieron justo a mitad de la década, pero como ellos mismos han reconocido, montaron el grupo más por diversión que con vistas a algo serio, trabajando un poco de material propio pero dándole cancha a versiones de dinosaurios consagrados como Genesis, Rush, Led Zeppelin o Focus.

 

Un tiempo, desde el 85 hasta el cambio de década, en que fueron perfeccionando su estilo y que les llevó a darse cuenta de que estaban alcanzando un gran nivel como grupo y que tal vez era llegada la hora de ponerse a escribir material propio y construir una carrera solvente."

                                                         (Rock progresivo. Eloy Pérez Ladaga) 

STEVE MILLER BAND – The joker (1973)

 

Steve Miller……...……….Voz principal, guitarras y armónica

Gerald Johnson……...….Bajo

John King……………….....Batería

Dick Thompson…...…...Órgano y clavinet

1ª Cara:

- Sugar babe

- Mary Lou

- Shu ba da du ma ma ma ma

- Your cash ain’t nothin’ but trash

2ª Cara:

- The joker

- The lovin’ cup

- Come on in my kitchen

- Evil

- Something to believe in

Este gran guitarrista americano hasta las cachas, tuvo la suerte de nacer en una familia donde la música estaba presente a todas horas, concretamente el jazz puesto que los padres se dedicaban a él. Aprendió a tocar la guitarra con pocos años gracias a Les Paul, un amigo de la familia que los visitaba con mucha frecuencia. Con sus dotes alentó a Steve y el éxito que vendrá en el futuro se lo debe a él. En el colegio fundará su primera banda The Marksmen, allí conocerá a Bob Scaggs, futuro miembro de la Steve Miller Band, al que enseña acordes para que aprenda la guitarra y pueda ingresar en su grupo. Después en la Universidad formaría The Ardells acompañado de Scaggs. Se gradúa y hace un viaje relámpago a Dinamarca, regresa a EEUU y aterriza en Chicago, ciudad de Blues. Conoce su escena y trabaja con Paul Butterfield y grandes Bluesmans como Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Buddy Guy.

Propiciado por el ambiente formará una nueva agrupación, la Goldberg Miller Blues Band junto a Barry Goldberg y le convence para tocar en clubes de Chicago, incluso llegará a coincidir con el mismísimo Chuck Berry. Es la primera vez que firma un contrato con una discográfica, aunque solo grabará un sencillo con ese nombre. Con su recorrido por todos los garitos de la ciudad consigue hacerse una idea del estado del blues en la city, sintiéndose decepcionado con lo que va encontrando y tomando la decisión de marcharse a Texas donde no será admitido en la Universidad de Austin.

San Francisco será su siguiente parada, allí queda gratamente sorprendido por el sonido blues que se respira. Accede a un concierto de la Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane y rápidamente empieza a darle vueltas a la cabeza, tiene nuevas ideas y su primer paso es crear el proyecto. Es 1967 y será la primera vez que se oiga hablar de la Steve Miller blues band, una formación más a sus espaldas, la definitiva, aunque más tarde se abrevia el nombre dejándolo en Steve Miller Band cuyo sonido está arraigado en el blues psicodélico, estilo que entonces abrazaba toda la costa oeste. Además participan en el Monterey Pop Festival, buen escaparate, obteniendo cada vez mejores posiciones en las listas con aumento del números de acólitos.

Después de sus 5 primeros álbumes rezumando psicodelia y blues con canciones muy logradas e interesantes, parece que por fin empiezan a despuntar y su nombre se escucha en foros y emisoras de radio, consiguiendo hacerse respetar por el público en ambientes musicales del momento. En 1971 Steve sufre un accidente de coche, se rompe el cuello y se queda en dique seco durante muchos meses para recuperarse, justo en el peor momento, cuando iban a iniciar una gira por Europa.

Las vicisitudes no detienen a la Steve Miller Band, y siguen editando discos. Ya recuperado de las lesiones Steve vuelve con nuevos bríos y nuevas ideas, llegamos al 8º disco de su carrera, The Joker. Tras su publicación los medios de comunicación coinciden en que este disco supone un punto de inflexión en la carrera de la banda. El Rock se hace más enérgico y rápido respecto a los anteriores, pero las raíces se mantienen y el blues sigue dirigiendo la nave, aunque con nuevos matices y…...ah! no olvidemos que Steve ya no es un novato en la producción. Supondrá todo un éxito en el país alcanzando el puesto n.º 2 de las listas más importantes, se convierte en platino y traspasa fronteras.

Fiel a sus raíces es un hombre al que el pasado le pesa musicalmente y todo lo que vivió y aprendió forja su estilo, y no es otro que el blues en estilo muy puro. Es algo irremediable y trasciende en todo lo que hace. Así cuando comenzamos la escucha Sugar babe entrá directo con una guitarra arraigada en el sur y medio oeste americano, el bajo es una máquina rápida e insistente convirtiendo a la canción en vital y pulsante, la caja de la batería arrecia, el estribillo homónimo resulta machacón y nos lo clava en el oído. Una buena canción de rock con una rica instrumentación. Le sigue Mary Lou, una breve pieza desenfadada y resultona que no llega a los 3 minutos y que gira nuevamente en torno al título, ligera, sencilla, donde la voz tiene el protagonismo y está vestida con un teclado simple y “picoteante”. No se trata de una composición creada, es una versión de Ronnie Hawkins.

Shu ba da du ma ma ma ma es mi composición favorita del disco, muestra dinamismo y diversidad, además contiene un fantástico interludio instrumental creciente y decreciente en su interior y también el solo más duro por parte de Steve a la guitarra, pero majestuoso demostrando su dominio de las cuerdas y donde se intuye pasarlo muy bien. Ya se inicia con una bonita guitarra y un órgano muy blues y nos torpedea con el graciosos título en el estribillo atravesando diversos paisajes musicales a con un ritmo de batería excelente, un mix a nota y contranota. Cierra este lado Your cash ain’t nothin’ but trash donde escuchamos a Steve hablar con sobrealiento antes del 1,2,3,4 y empezamos. Otra versión de Charles Calhoun que comienza con percusiones y por un momento parece que estemos ante una pieza mestiza, pero no, es un rock and roll muy heterogéneo directo y sencillo, construido con la guitarra a pedal y unos zarpazos de clavinet a cargo de Thompson

Al otro lado nos espera el hit que les hizo saltar los peldaños de las listas de 3 en 3. Dando título al álbum the joker es un tema que cala desde el primer momento. La magia reside en la frase de bajo que se repite una y otra vez, magnífica. A eso le sumamos la guitarra acústica de Steve. Deliciosa, le da un toque folk auténtico y cercano situado en el estribillo, que por cierto es muy acertado y engancha. Una graciosa guitarra de pedal se encarga de separar las subpartes de esta breve pieza.

De pronto parece que estamos en otro ambiente, otro disco, suena diferente. El blues más enraizado ha aterrizado. The lovin’ cup es una alabanza al puro sonido americano proveniente de los bluesmans de toda la vida, en él Steve se atreve con la armónica y trabaja la voz para ponerse a la altura de las circunstancias, porque hay que decir que la voz de este hombre es plástica y se adapta a todos los terrenos que pisa. Sonido inherente a las vastas llanuras sureñas del pasado siglo. Igualmente Come on in my kitchen es otra composición que parece fuera del disco, de ambientación blues, intensa pero tocada en vivo a capela prácticamente, acompañado solo de su guitarra acústica y demostrando la capacidad mutante de su voz. Final en seco, aplausos y sin descanso ingresamos en Evil, nuevo blues profundo en el estilo pero acompañado de la banda, a un ritmo muy lento, como antaño. El órgano teje una pantalla bajo la voz que suena potente y sumergida en el estilo y la guitarra llora en sus incursiones blues.

El último tema Something to believe in es una balada ya en estudio con guitarras folk brindando un sonido acogedor y tierno, enriquecido con algunos matices blues y que transmite buenas sensaciones, algo así como “home sweet home”.

Para alguien que no esté iniciado en este grupo, creo que es un trabajo excepcional con el que empezar, reúne de todo un poco a medio camino entre blues y rock. Después, ya con una idea puedes elegir, pero si vas hacia delante, debes saber que en los años 80 las cosas ya no serían igual, como en infinitud de casos.

The Who: El lanzamiento de su 3º disco (1967)

 "La funda debía dividirse en cuatro paneles, en cada uno de los cuales aparecería un miembro de la banda anunciando un producto. Como yo debía salir a torso desnudo con Odorono, me preocupaba que se me viera tan flaco. Roger debía sentarse en una bañera de alubias estofadas (prácticamente congeladas), donadas generosamente por Heinz. Keith salió aplicándose la pomada anti acné Medac, y aunque era proclive a verdaderas eclosiones de granos, aquella vez la espinilla era falsa.

John fue el más favorecido, al posar con una modelo rubia medio desnuda para la academia de culturismo Charles Atlas. Como ya había trabajado en Radio Londres con cancioncillas radiofónicas y en las voces de identificación de emisora, Kit consiguió compactar  debidamente el álbum. Tras el montaje y mezcla finales, nos tiramos de cabeza a la publicidad en radio y televisión, anticipando el lanzamiento."

                                                                       "Who I am. Pete Townshend" 

Que tipo Tippett

Tippett y Fripp

 

 "Keith Tippett es un pianista con un estilo fuertemente jazzístico y esto se nota en sus intervenciones con King Crimson en la presente grabación, Lagarto e Islas. Además, Tippett es uno de los grandes músicos ingleses de jazz libre, con un tremendo talento compositivo.

 

Su supergrupo Centipede contaría con la colaboración y la producción de Fripp en su ambicioso doble Energía de septobre (1971) y varios de sus discos individuales de los años 70 fueron producidos por Fripp. Keith Tippett era tan valorado que se le ofreció pasar a ser miembro estable de la banda. Sin embargo, el pianista no aceptó, quizás queriendo salvaguardar su enorme libertad de creación y argumentando que hubiera sido fichar por dinero y que él respetaba demasiado a King Crimson para hacer eso."

                                                 (King Crimson. Crónica de un malestar. Alejandro Díaz Varón) 

T2 – T2 (1997)

 

Keith Cross……………...……..Guitarra, piano eléctrico

Bernard Jinks….…………..….Bajo

Peter Dunton…………..……..Batería, mellotrón, guitarra acústica, voz

1ª Cara:

- Highway

- Careful Sam

- Timothy monday

- Cd

- The minstrel

2ª Cara:

- Fantasy

- T2

La pieza clave de este trío fue Peter Dunton, compositor y vocalista que antes había pertenecido a PLEASE, donde también le acompañó Bernard Jinks, aunque ambos se separaron por poco tiempo para ir a paraderos diferentes, porque un año después en 1969 vuelven a retomar amistad, pero esta vez Jinks se trae reclutado bajo el brazo al guitarrista de su fugaz banda antecesora BULLDOG BREED, Keith Cross, tercer valor con el que se completaría este engranaje.

John Morphew se ocuparía de financiarles para llevar a cabo la construcción del grupo. Ya los conocía de antes y no tuvo reparo en ponerse al frente de las finanzas y la promoción. No tardó en conseguir el primer contrato para DECCA, pero internamente tuvo encontronazos y disputas con los músicos, por lo que decidió abandonar sin dilación y T2, quedaron a su suerte. Con manifiestas dificultades consensuaron continuar adelante llegando a obtener la grabación y publicación de su primer álbum.

Poco después aparecen como invitados para el Festival de la isla de Wight en 1970, algo fantástico, un escaparate de grandes dimensiones donde darse a conocer. Y no solo eso si no que además confeccionan un anuncio para la BBC 2 tras el que regresan inmediatamente al estudio para la generación y registro de lo que será su segundo long play. Pero el hecho de haber seguido adelante a las bravas llevó consigo que su debut tuviera gran carencia de publicidad y una mala distribución fabricándose una tirada muy corta, la dificultad para hacerse con un ejemplar en las tiendas es complicado, todo esto se traduce en estragos de los que no podrán rehacerse.

Abocados a la disolución, esta llega en 1972 nuevamente por asuntos internos, mientras viven inmersos en la formalización de su segundo Lp. No llegaron a ver su publicación y quedó archivado en el depósito de la discográfica hasta que en los 90 aparece como consecuencia de una reedición inédita. Este hecho provocará una reunión de la primigenia banda, pero sin Cross, llevando la guitarra un tal Moore. Dio frutos, más de lo esperado y en 3 años se inventan 3 álbumes de estudio, efectividad absoluta. La unión se resquebraja y el proyecto vuelve al armario de donde no saldrá más.

Este disco que se publica en 1997 aunque sea realmente de 1970, es precisamente la adhesión de todas las demos que no llegaron a cuajar en el 2º LP, y que como veremos algunas de ellas finalizaban de manera caótica y apresurada, producto seguramente de la falta de tiempo que sufrieron en el momento de la ruptura. Parece ser que Peter, el cerebro del triunvirato, tenía claro que su idea no era copiar a nadie, sino realizar un rock innovador que se separara de tendencias, algo muy difícil de conseguir por otra parte, pero visto los resultados estuvo bastante acertado.

El Rock que llevaron a cabo es original y no vislumbramos semejanzas con otros combos al menos superficialmente, aunque si que es verdad que su sonido con algunas inserciones de jazz se puede catalogar de proto-progresivo con influencia de la psicodelia, muy similar a las bandas en las que habitaron anteriormente. No solo es sonido vanguardista, si no que además podemos decir que fueron pioneros en la forma de tratar las guitarras dentro del hard, un estilo agresivo, pesado y seco que tal vez fuera lo que más adelante se denominará como Stoner, fuente de inspiración para muchos grupos años después dentro de disciplinas como el Hard y el Heavy metal.

Tienen una tremenda facilidad para pasar de un momento durísimo y guitarrero a otro dulce y melódico resultando chocante como son capaces de hacerlo, pero es una dinámica que se repite a lo largo de todo el disco. Guitarras ásperas y oscuras suelen ser creadoras de atmósferas agobiantes, pero su contrario aparece cuando menos lo esperamos con ambientes cuasi-pastorales construidos con flauta, teclados, la voz melancólica de Dunton y la guitarra domesticada con aterciopelados rasgueos. El mellotrón es uno de los instrumentos más utilizados sirviendo para aplacar la furia, proporcionándole ese aire proto-progresivo de la época, pero aunque es el más presente no es el único, el piano eléctrico también tienen intervenciones.

Peter Dunton

En el mundo musical este álbum sin título será conocido como Fantasy o 1970, respecto a su trabajo anterior y debutante hay que decir que difiere en algo, en éste que pretendía ser su siguiente LP, antes de la desaparición se observa mayor endurecimiento del sonido, pero también la eliminación por completo en las composiciones de los metales a la hora de hacer arreglos, de manera que su rock se hace más compacto, pesado y primitivo, un sonido muy directo y cerebral que contrasta con los pasajes relajados que intercalan.

Highway es el primer tema, y ya nos deja claro el estilo que van a trabajar, guitarra dura desde su inicio. Atmósfera muy tensa, nubarrones que se disipan en instantes para volver de nuevo a la crudeza. Careful Sam y Timothy monday son piezas de creación muy similar en las que que emergen melódicas y suaves, pero poco a poco van tornándose más salvajes, la guitarra arrecia hasta el final en una maraña de psicodelia. CD es un corte que parece acercarse al blues y donde la guitarra ofrece uno de los solos más largos y ácidos junto a un bajo recalcitrante que trabaja furioso en la sombra, aquí a mitad a un receso jazzy. Con The Minstrel cierran la primera cara, balada pastoral deliciosa en su mellotrón protagonizada por la voz y la flauta de melodía delicada, una de las mejores.

Para el otro lado del vinilo quedan las suites más largas, solo dos ocupan todo el espacio, pero estaréis conmigo en que son las mejores, puesto que gozan de una composición más elaborada que contrasta con fases de improvisación y muestran diferentes paisajes dotándolas de un rico dinamismo. Con la inquieta batería de Dunton comienza Fantasy, tema donde se refuerza esa característica que demuestran para pasar de instantes agresivos a delicados pasajes en cuestión de segundos y terminada con un final en seco improvisado. La mayor aportación del mellotrón en toda la obra se encuentra en T2, y también aquí el piano eléctrico se deja ver creando conjuntamente un sonido muy prog de la época a través de compases largos. Es el más largo de todos los tracks, pero también el más dinámico, variado y épico donde la guitarra se muestra más comedida y ofrece punteos sin lanzarse al vacío. Es una especie de “In the court of crimson king” bañada en ácido.

De haber seguido adelante es una incógnita saber que derroteros habrían tomado estos muchachos por la senda del Rock, su intención de no tener influencias de nadie no se donde los habría llevado, pero ellos sí que podrían haberse convertido seguramente en influencers…...o puede que hubieran sucumbido a la presión de la industria….quien sabe. A mi lo que me gustaría saber es ¿De donde viene lo de T2?

The watchers

 "Las prisas no son buenas consejeras, pero, en este caso, la casualidad hizo que la presión determinase la elección de la portada del álbum. En un principio el disco no iba a llevar  el título Équinoxe, sino que se iba a titular Venus, y la portada iba a ser un dibujo de dos planetas unidos por una cuerda de tender la ropa. Pero Jarre rechaza rápidamente la idea y su amigo Michel Granger le enseña una serie de pinturas.

 

La elección de Jarre recae en la más que conocida portada del disco, en la que una serie de personas que sujetan unos prismáticos -personajes a los que Jarre, cuarenta años después, se referiría como The Watchers, o los vigilantes, en español- observan algo que sucede encima de un escenario. La presión que Jarre sentía con este disco se reflejaba de sobra en la portada del álbum, lo que él definía como sentirse observado.  La pintura de Granger llevaba por título Le trac (el miedo), pero Jarre decide como título Équinoxe (Equinocio), ese momento del año donde la noche y el día tienen la misma duración y el sol se sitúa en el punto más alto con respecto al observador."

                                                                                 (Jean Michel Jarre. The watcher) 

 

La dualidad Marriott - Frampton

Marriott , Bowie y Frampton

 "No puede decirse que Humble Pie lo pasara bien en su primer año de unión . En un comienzo les costó hallar su identidad musical como núcleo y se dedicaban a componer cada uno por separado, con lo cual el cuarteto venía a ser una autopista de cuatro carriles no siempre concurrentes en la misma dirección. Steve Marriott aportaba su naturaleza salvaje heredada de sus comienzos  en el soul y en el Rhythm & blues. Era una fiera, con una de las mejores voces que han habido para cantar blues y rock. Peter Frampton surgía de un núcleo muy comercial y por si fuera poco no había escrito apenas canciones. Hizo sus primeros escarceos en los primeros discos de Pie y entonces surgió su lado más bien lírico, tranquilo, apacible, lo cual, si bien en un principio formaba el contrapunto de Marriott, acabó por separarle más y mas de él y de la banda."

                                                                 (Peter Frampton. Alive. Jordi Sierra i Fabra) 

 

                                          

LIGHT – The story of Moses (1972)

 

Adri Vergeer……………...……..Piano y órgano, Celeste, mellotrón, sintetizadores, voz

Gerard Steenbergen….……….Guitarra acústica

Joop Slootjes………….….……..Bajo

Hans de Bruin..……………..….Saxo y flauta

Sjaco van der Spel.………....Batería y voz

Colaboradores:

Guus Willemse………………………………....Bajo

Hans Hollestelle…………………….………...Guitarra eléctrica

Marian Schatteleyn y Robbie Dale…...Voces

1ª Cara:

- The water

- The blackberry bushes

2ª Cara:

- White turns into black

- The nuisances

- The desert

- The red sea

Vamos con una de rock cristiano!………..Nooooooo……...no se trata de eso!…… pero si es cierto que es una obra conceptual basada en el episodio bíblico de la salida del pueblo de Israel de Egipto, conducido por el enviado de Dios, Moisés, que los libera de las garras del Faraón, tras una dura tarea a base de plagas, llevándolos por el desierto hacia la tierra prometida. Este es el único disco que dejó esta banda como evidencia de su corta existencia. Surgidos en Países Bajos en los 60, en la ciudad de Gouda (buen queso), se empapan en un primer momento de todos los grupos más sobresalientes que les circundan, allí en su país. EKSEPTION y FOCUS llaman poderosamente su atención pero no son lo únicos, podemos añadir formaciones menos conocidas para los no-adeptos………...BRAINBOX, y ya fuera de sus fronteras CRESSIDA, PROCOL HARUM, etc.

Es difícil encontrar algo de información sobre este fugaz proyecto, tal vez lo más extenso que he podido verificar está en la trasera del la carpeta que alberga el vinilo. Parece ser que en primera instancia se llamaban “Light Formation” y finalmente el nombre se redujo a la primera, coincidiendo con la incorporación al grueso de Hans de Bruin que se ocupará de los instrumentos de viento, y poco más se puede añadir. Ninguna averiguación del porqué de su desaparición.

La historia dividida en 6 piezas, mantiene en la primera cara las más extensas que se reducen a dos. Es una obra que bien podemos llamar sinfónica, puesto que se asemeja a una versión moderna de lo que podría ser un concierto para órgano, puesto que a golpe de este instrumento se construye la mayoría del disco. Predominante de principio a fin junto a actuaciones menores de otros teclados de diversa índole que combina, se puede decir que se lleva todo el protagonismo, dejando al resto de instrumentistas en segundo plano.

Se tiene mucho tiempo para analizar la música escrita en su mayor parte por Adri Vergeer como es obvio, un trabajo con muchas luces y alguna sombra. Las texturas creadas no dejan que caigamos en fases de sopor, ya que son melodías bien pertrechadas y con muchos cambios, que permiten que nuestro oído tenga que estar bastante atento a las variaciones que suscita. Pero no es fácil mantener la calidad y algunos instantes pueden hacernos bajar la guardia, más que nada porque hay que estar conectado con todos los sentidos ya que es un viaje más bien falto de energía, en el sentido de que no son temas con ritmos vivos e intensificados, una carencia que se echa de menos en más de una ocasión. Es un todo al que le hubiera venido muy bien un hit con el que el público se encendiera para quedar atrapado, un éxito que nos enganchase y que nos hiciera sentirnos más vivos…….pero no es así, estamos frente a un magno lienzo situado en un frío museo vacío, carente de vitalidad.

Composiciones muy interesantes en las que se observan tendencias e influencias de todos los colores, desde el blues, la psicodelia hasta el jazz, pasando por la vanguardia que surge en el continente a finales de los 70 así como por la música clásica y en concreto la de Johann Sebastián Bach. Incluso podríamos asociarlos con la familia Canterbury con un sonido muy aproximado en momentos a los exponentes SOFT MACHINE o CARAVAN. Se puede decir que estos chicos tuvieron bien abiertos los ojos y los oídos a todo lo que les rodeaba y lo gestionaron a su manera para construir este testimonio único y original.

La pieza con la que inicia este periplo, The water, nos pone en situación con sonido acuoso y un órgano que comienza a venir desde la lejanía. Una obertura magna y épica que resulta uno de los pasajes más inspirados albergando buenas esperanzas, con una característica intrínseca a todo el volumen que es la solemnidad que desprende el órgano en su estructura. Un sonido muy cercano a Procol Harum en creaciones en las que Mathew Fisher dejaba volar su arte. La guitarra española arpegiada que se observa cuando lo permite el teclado es deliciosa. Se subdivide y entra en una nueva fase tras una invocadora voz que repite un texto como un mantra, nos topamos con las primeras líneas cantadas en un disco mayoritariamente instrumental y después con la incorporación más patente que va a tener la guitarra eléctrica a lo largo de epopeya, conduciendo junto a las voces de la mano hasta el final.

La otra gran composición es the blackberry bushes, con arranque marcial y percusiones latinas que animan estos primeros compases, pero no pasará de ahí, la solemnidad y la sobriedad regresan a un ritmo más vivo saltando de pincelada en pincelada e internándose poco a poco en escenarios de jazz donde se acomoda durante un rato para acabar en unos desarrollos progresivos y psicodélicos calmados y de aires pastorales por la aparición de la travesera y las voces melodiosas que recuerdan a composiciones como I talk to the wind de los Crimson.

Volcamos el vinilo y aparece White turns into black con unas notas de órgano muy reconocibles, juguetean con el eterno e incontestable compás de “In a Gadda da Vida” de los IRON BUTTERFLY con pequeños matices para no levantar ampollas. Un comienzo que tiene continuidad con un ritmo entrecortado y fulgurante del órgano dando paso a la suite que vuelve a sumergirse en terrenos de jazz en los que el bajo tiene un papel estelar junto al teclado y una percusión shuffle. Tras el libre interludio vuelve a tocar suelo progresivo con aguas remansadas y pastorales que bien podrían servir de material inspirador a formaciones posteriores como CAMEL.

Sin silencios, unas sencillas filigranas del órgano nos presentan The nuisances, el siguiente corte, con alto contenido clásico en su atmósfera con bellas aportaciones del Celeste que intensifican aún más el contenido retro en un conglomerado de teclados excepcional. El órgano va a mostrar unas de las líneas más inspiradas, bajo un tapiz de partitura construida sobre escalas ascendentes y descendentes que flirtean con los clásicos.

Una voz fuerte y vehemente de pronunciación consistente abre The desert, una pieza de sonidos enigmáticos donde decae el volumen y resulta más minimalista que ninguna de las otras en su concepción, desembocando en la última parada The red shea, más corta todavía que se confecciona según patrones y escalas de la música tradicional del mundo árabe donde nos quieren dejar muy claro con voz vehemente nuevamente que Moisés ha llegado a tierras del mar Muerto.

Y este es el final, pero sorprenderá al oyente porque tras una creación de este calibre esperamos un final acorde a la grandilocuencia y la magnificencia del evento. Estamos esperando un desarrollo dentro de la épica, un remolino musical que nos eleve y nos transmita esa sensación de importancia y trascendencia del concepto que se ha traducido a lo largo de todo el acontecimiento. Pues no, al contrario es algo que parece inacabado, abrupto y frío, tal vez no sabían como finalizar, no hubo tiempo…….o bueno, creyeron que era la mejor manera.