Je t'aime.....moi non plus

"A mediados del invierno de 1967, el compositor francés Serge Gainsbourg estaba desesperadamente enamorado de Brigitte Bardot. Hasta el delirio de haberle prometido componer la canción más bella de amor que se haya escrito jamás en el mundo. Una de esas tardes de amor y lujo, Serge convence a B. B. de que grabe esa canción perfecta de amor, pero con él.

El tema se llama Je t'aime......moi non plus. Le explica que ambos deben estar cantando como si realmente se estuvieran haciendo el amor. Brigitte se excita con la idea y le dice que sí. Dos días más tarde ambos graban el tema en el estudio B de las salas de grabación de Barclay, en la avenida Hoche, en París. Era el 10 de diciembre de 1967.

 

Luego se ha sabido por boca del ingeniero de aquella sesión de grabación que tanto Serge como Brigitte se estuvieron masturbando para lograr mejores gemidos y susurros sexuales que fueran definitivamente reales. El arreglo era del gran Michel Colombier, al que Madonna contrató para sus temas de James Bond."

                                             (El Sargento Peppers nunca estuvo allí. Julián Ruíz) 

El punk Rock como escape

 "La crisis dejó en Inglaterra tres millones de parados. El problema iba más allá: la nueva generación de chicos y chicas en edad laboral se encontraron con el peor de los futuros.

No es de extrañar, pues, que el lema del punk fuese "No hay futuro". Cientos de jóvenes se lanzaron al ruedo de la música como única oportunidad. Bastaban tres acordes de guitarra y un cantante gritón. Y por supuesto ser provocadores."

                                                                    (Historia del Rock. Jordi Sierra i Fabra) 

MIKE OLDFIELD – Platinum (1979)

 

Mike Oldfield…………...…Voz, guitarras acústica y eléctrica, piano, sintetizadores, secuenciadores, vibráfono, marimba

Colaboradores: (entre otros)

Neil Jason………..….…….Bajo

Wendy Roberts…………..Voz

Pierre Moerlen….……...Batería, vibráfono

Sally Cooper…….……...Campanas tubulares

David Bedford……...….Arreglos vocales

1ª Cara:

- Platinum part 1 - Airborne

- Platinum part 2 - Platinum

- Platinum part 3 - Charleston

- Platinum part 4 – North Star / Platinum finale

2ª Cara:

- Woodhenge

- Into Wonderland

- Punkadiddle

- I got rhythm

Se puede decir de este trabajo, ya su quinto desde que nos deslumbró con Tubullar Bells, que es un disco bisagra, un salto evolutivo para bien o para mal, una transformación en la forma de concebir la música, una nueva manera de comunicarse con el público, un crecimiento personal del autor…….quién sabe si de todo un poco. El niño superdotado con algún que otro gen autista había madurado y ya no era un joven salido de la adolescencia, tenía 26 años y tras su reclusión en Gloucestershire durante dos años, a consecuencia de los problemas de orden psicológico que arrastraba, por fin consiguió encontrar solución a través de cierta metodología. Con ella fue capaz de afrontar la vida de manera equilibrada sin ese sentimiento de menosprecio hacia sí mismo que siempre le había perseguido.

Un personaje que había demostrado en sus primeros discos un espíritu de tendencia ermitaña, amante de la soledad y de llevar a cabo todo él mismo intentando evitar al máximo la ayuda de nadie. De ahí surgen esas obras tan personales, de fuerte carácter introspectivo, construidas desde esa inteligencia y aptitud para manejar la mayoría de los instrumentos, plenas de pasajes hipnóticos, etéreos, ambientales, dotados de una sensibilidad especial, intentando plasmar sobre el pentagrama todo su mundo interior, el cual es inmenso. Después llegaría su crisis, su desaparición del mundo público, su reclusión y su último álbum (doble) realizado según los parámetros anteriores, Incantations.

La revolución llevada a cabo principalmente por el movimiento punk apareció en un momento difícil para Mike, cogiéndole por sorpresa con sus neuronas en pleno desorden. El mundo músical sufrió una ruptura que sorprendió a propios y extraños y todos los pilares bien asentados hasta entonces se vinieron abajo. La juventud vivía una época tumultuosa socialmente hablando y aquella nueva respuesta musical en la que se trataban los problemas sociales y la realidad de las clases más desfavorecidas fue como un resorte para los jóvenes que se sentían totalmente identificados, las composiciones se reducirían a la mínima expresión y el virtuosismo de los músicos caería en picado. El estilo musical de las grandes bandas que hacían alarde de sus desarrollos instrumentales y de álbumes conceptuales lo iban a tener muy difícil. Fue nefasto para todos aquellos que acabarían calificados como dinosaurios.

Mike Oldfield amante de las armonías, las melodías elaboradas y la complejidad en la elaboración músical con amplio espectro para volcar toda su fantasía interior recibió esta reconversión escéptico y con absoluto rechazo. Aquello no iba con él, no entendía otra forma de trabajar que la suya. Después de un tiempo para recapacitar, el niño prodigio se encontró ante la disyuntiva, “renovarse o morir” y eligió inteligentemente la primera ya que si algo nos ha demostrado durante toda su carrera es que no se rinde y que es una persona camaleónica que se adapta a todas las situaciones.

Así pues, tenía que conseguir atraer al público, no defraudar a sus fans, pero a la vez situarse en ese nuevo mercado surgido sin renunciar a su idiosincrasia, por tanto la fórmula utilizada hasta entonces estaba obsoleta. Esto va a suponer cambios drásticos, composiciones cortas y con ritmos, desarrollos e instrumentos acordes a las corrientes que van naciendo tras el punk. De esa necesidad de adecuación emerge Platinum en 1979, donde no aparecerán canciones que ocupen toda una cara. Platinum, por ejemplo que es el tema principal se divide en varias partes claramente diferenciadas e igualmente la cara B está ocupada por diversas canciones. Oldfield muestra un carácter aperturista tras su final de terapia y eso se reflejará en sus composiciones, además otro elemento que denota su nueva actitud frente al mundo es el tutearse con otros músicos de su escena de los que obtiene permiso para incluir una versión en el nuevo disco. North Star que pone fin a la primera cara es obra de Philip Glass. I got rhythm es otra pieza que arrebata del compositor George Gershwin.

Tras su resurgimiento personal fue capaz de llevar a cabo una enorme gira con un elevado número de músicos a su cargo y grabar Exposed que aglutina lo mejor de sus 4 primeros discos, álbum en vivo que precede a Platinum, sin embargo paradójicamente resultó un desastre económico con grandes pérdidas que sufragaría con el lanzamiento del disco en vivo y de Platinum.

Platinum que fue grabado en New York rompe con el patrón del autor. Tiene un afán lúdico y experimental. La música elaborada gana en concreción, los temas se sintetizan con un sonido muy aséptico, limpio, cristalino y con una producción impecable como no podía ser de otra manera. La concepción musical sufre un giro importante. El férreo acercamiento a las nuevas tendencias es innegable, olvidando la identidad de sus anteriores, las nuevas composiciones ganan en viveza y actualidad con un sonido más moderno y elaborado según los nuevos ritmos con unas texturas en muchas ocasiones con sinergia en el tecno-pop y el post-punk y utilizando técnicas que luego serán muy recurrentes como las pregrabaciones de sonidos y ritmos. Se trata de una obra absolutamente dinámica, con constantes variaciones en las melodías, que aunque sencillas muchas veces son bien abrigadas por envolventes instrumentales que aportan constantemente riqueza. El ritmo es alto y en ocasiones nos produce la sensación de no tener tiempo para tomar aire, puesto que son incesantes las modificaciones e incorporaciones, no hay espacio para el silencio…...quién lo iba a decir.

Platinum 1: Airborne es el comienzo a través de un sintetizador que parece secuenciado, luego se van uniendo otros instrumentos como suele ocurrir. Se le asocia un bajo que asciende y desciende entre escalas y da paso a la característica guitarra eléctrica de Mike que con un sonido ambiental domina la composición y a partir de ahí la guiará hasta el final, sistema que es marca de la casa. Los diferentes ambientes plenos de detalles y elementos se van sucediendo sin tiempo a caer en el tedio.

Platinum 2: Platinum es el tema central recurrente que pone en marcha la guitarra eléctrica de Oldfield con un desarrollo que repite en varias ocasiones convirtiéndose en un monólogo. Conducido nuevamente por él es una parte muy directa con un ritmo vivo. Me recuerda en su confección a los instrumentales que siempre incluye en sus discos Alan Parsons Project donde va repitiendo la melodía central e insertando arreglos al fondo que van sufriendo modificaciones al realizar las vueltas de la melodía principal. Se incluye aportación de voces que actúan más bien como un instrumento más.

Platinum 3: Charleston, es una pieza corta que usa sintetizadores con sonido de metales, una batería que también en esta ocasión parece pregrabada y un piano juguetón. El ambiente es muy “Tecno”, se suceden capas de instrumentos con protagonismo para el bajo y la guitarra acústica y unos coros un tanto tenebrosos, en una pieza que en su inicio realmente podría dar lugar a una pieza de charleston si no se desviase.

Platinum 4: North Star, posiblemente el mejor fragmento y más inspirado partiendo de la composición de Philip Glass que nace con una guitarra repitiendo una frase y sobre la que luego se instala la eléctrica en una melodía que va ganando en sonoridad y fuerza nuevamente conductora. El ritmo va ganando en complejidad y con tintes modernos dejando paso al coro y apagando la guitarra por un momento. La actuación de la guitarra se hace cada vez más aguda y tensa. El final lo ponen las voces corales.

Woodhenge, el fragmento más experimental de todo el disco, instrumental hipnótico de apenas cuatro minutos donde se dejan escuchar las imprescindibles campanas tubulares que acompañan la existencia de Oldfield. Está construido sobre sonidos pregrabados en una creación que recuerda a músicos electrónicos coetáneos. Los sintetizadores aportan frases con tintes improvisatorios mientras la guitarra también inserta fragmentos libres sobre un fondo de sonidos inacabables como si de una habitación de relojero se tratase.

Into Wonderland, pieza cantada por Wendy con una suave y sugerente voz. Texturas pop y Tecno. Es completada con una melodía de sintetizador marcada y sencilla como desarrollo central. Pieza animada y poco seria. Final abierto.

Punkadiddle, es el tema elegido por el autor para intentar burlarse del punk, aunque no tengo muy claro como llega a hacerlo. Conducida por una melodía ondulante de carácter naif que se repite una y otra vez como protagonista y que aparece flanqueada por incursiones de aplausos grabados a propósito. La guitarra eléctrica aparece para conexión entre vuelta y vuelta. Camino del final a la par del sinte la guitarra arrecia endureciéndose y convirtiéndose en el momento hard del disco.

I got rhythm, Segunda y última vez que contamos con la voz de Wendy en modo melódico-extended. Bella canción adaptada del maestro Gershwin es elaborada con mimo utilizando un piano eléctrico afincado en la candidez y unos etéreos tejidos de guitarra acústica. Cuando el ritmo se pone en marcha aparece finalmente la firma de Oldfield con la eléctrica en una cadencia ascendente, las campanas tubulares vuelven a sonar de mano de Sally y así como empezó acabará hasta que la tecla fija deja de respirar.

No es ni mucho menos la mejor obra del artista, pero es la demostración de su capacidad de adaptación en un momento clave, consiguiendo una colección de canciones que acercándose al torrente comercial que era demandado, tenga la suficiente calidad para no caer en lo fácil, no solo eso, si no que además mantenga un pulso permitiendo que su personalidad quede prendada en cada uno de los cortes. No había sucumbido, había encontrado otra fórmula, otro idioma, otro medio de comunicación del que sacará provecho en la siguiente década.

GENTLE GIANT

 "Complejos y virtuosos incluso para los ya elevados parámetros del rock progresivo, los miembros de Gentle Giant no sólo eran unos maestros en lo suyo, sino también multiinstrumentistas dotados capaces de extraer magia sonora de Diversas fuentes. Su campo de acción, además, era inusitadamente vasto, en su música concurren folk, rock, jazz y un amplio espectro dentro de la música clásica, desde lo medieval (especialmente en las voces), el romántico y el barroco hasta la música de cámara contemporánea"

                                                    (Rock Progresivo. Eloy Pérez Ladaga) 

Moda pirata

 "El primer gran triunfador de esta moda, sobre todo en los adolescentes de menor edad, fue Adam Ant con sus hormigas. Este grupo representó una revolución en toda la regla, tanto musical como estética, y el slogan "Ant Music for sex people" vendió cientos de miles de copias de su excelente éxito "Kings of the wild frontier".

Los Ants nos brindaban una estética nueva, la de los "nuevos románticos" de encajes pinturas y maquillajes. Adam era un gran fan del glam-rock, heredero de las influencias de los primeros Roxy Music, que ante todo intenta cultivar el sexo adolescente.

 

 

Su estilo musical se apoyó en la vieja música tribal, primitiva, de los bailes festivos, y con él apareció la llamada moda pirata, utilizando unas vestimentas de corsarios que parecían salidas de filmes como "El motín de la Bounty", y que ofrecieron sus primeras manifestaciones en el álbum "Prince charming", el disco que contenía su mágico "Stand and deliver".

                                                                        (1954-1984: 30 años de Rock) 

KAIPA – Solo (1978)

 

Mats Löfgren…………...…Voz principal y percusión

Roine Stolt………..….…….Guitarras acústica y eléctrica, sintetizada, percusión y voz

Hans Lundin…...….……...Hammond, Mellotrón, piano, piano eléctrico, sintetizadores, clavinet y voz

Mats Lindberg……………...Bajo y percusión

Ingemar Bergman……..….Batería, percusión y voz

1ª Cara:

- Den Skrattande Grevinnan

- Sen repris

- Flytet

- Anar Dig

- Frog funk

- Visan I sommaren

- Tajgan

2ª Cara:

- Respektera Min Värld

- En igelkotts död

- Total förvirring

- Sist Pà plan

Cuando por la vieja Europa el estilo estaba ya en decadencia agonizando, acechado por los nuevos frentes abiertos que soplaban con fuerza desde las islas británicas, en la península Escandinava, ese mundo siempre algo distante, una burbuja dentro del continente que siempre ha viajado a otra velocidad, el progresivo gozaba de buena salud, aunque todo llega. Después de su segundo y bien recibido título “inget nytt under solen” dos años atrás, vuelven con más fuerza si cabe para presentar su tercero “Solo” en plena crisis musical del Rock, un álbum donde creo que se plasma todo el buen hacer de esta gente hasta el momento con un Lp repleto de magia donde se concreta todo lo que habían comenzado en el anterior.

Se fundaban a principios de década, en 1973 con el nombre de URA KAIPA, inspirados en el nombre de una novela sueca y su primera trayectoria llegaría hasta 1982, porque como ya he dicho antes, todo llega, y también ellos sucumbieron o les hicieron sucumbir sí o sí a las nuevas corrientes de la new wave, post-punk u otras denominaciones cajón desastre. Casi dos décadas después en 2000 vuelven con nuevos bríos y con intención de hacer lo que realmente les gustaba, es decir progresivo. Y lo van a hacer sin las presiones que tuvieron que soportar en su primer periplo, publicando muchos más álbumes de lo que habían hecho hasta ahora, puesto que siguen vivitos y coleando, de hecho el año pasado registraron su última obra. He seguido esta nueva etapa, no todo lo de cerca que me gustaría, pero tienen cosas muy interesantes.

Tomas Eriksson y Hans Lundin serían los miembros que unieron fuerzas para crear esta empresa. Eriksson sin embargo dejará la banda y no colabora ya en Solo, sustituido por Mats Lindberg al bajo. También entrará en los inicios Ingemar Bergman un tipo con personalidad a las baquetas y un melenas rubio barbilampiño, arquetipo de la raza aria a las guitarras, un muchacho que ha demostrado una profesionalidad y saber hacer indiscutible desde entonces, poco más se sabe de sus vidas.

Realizan una serie de festivales al aire libre para darse a conocer y poco después ya fichan por la discográfica DECCA, en su delegación del Norte. Consiguen hacerse con uno de los puestos principales de la secta progresiva escandinava con una fusión de sinfónico (amantes de Bach) y folclore nacional con clara influencia de grandes de la nación progresiva como Camel, Focus fundamentalmente y pinceladas de Genesis, Pink Floyd, y rock alemán.

Grabarían algunos temas en inglés tras su aclamado inget nytt under solen con la intención de abrir puertas y mercados buscando reconocimiento allende sus fronteras, pero no calaron, la competencia europea era muy fuerte, Suecia ha sido uno de los más galardonados en Eurovisión, pero esto circulaba por otro canal…..nada que ver con la caja tonta…... y además los productores y técnicos de las casas discográficas miraban ya hacia otro sitio. En los 80 la escena progresiva escandinava va a colapsar y con con ella, Kaipa.

SOLO es concebido en los estudios de Estocolmo tras los mencionados cambios de formación, aquí entrará a la voz Mats Löfgren proveniente del grupo Rio-Brazzaville, todo un acierto puesto que va a imbuir la música de un nuevo espíritu, una mayor cercanía al oyente y sobre todo expresividad que dota a la obra de más humanidad, algo que se echaba en falta, de esta manera Lundin podrá dedicarse en cuerpo y alma a las teclas ya que antes tenía que liderar también la voz. Debido a la escasa respuesta recibida tras incluir letras en inglés, vuelven a los orígenes cantando en su idioma natal ya que en principio el álbum se registró con la idea de distribuirlo circunscrito a la península Escandinava.

Ya se sabe lo que dicen las malas lenguas……..Los nórdicos son fríos, secos, distantes, faltos de sentimiento……..¡tonterías !, ¡leyendas urbanas!…...aquí demuestran una sensibilidad muy alta, tal vez tanto que muchas bocas tengan que callar ante este despliegue de matices y sensaciones.

Esto promete, en Den Skrattande Grevinnan nada más empezar a girar en el plato escuchamos a alguien descojonándose, la diversión está servida. Luego un patrón de guitarra se repite con un mecanismo clásico de prog introduciéndonos en la melodía que se abrirá poco después. Nos daremos cuenta enseguida de que la guitarra de Stolt tiene un hondo protagonismo en todas las composiciones. Es un estilo que está formándose con una personalidad singular no explotada todavía, su manera de tocar esta tremendamente influenciada por otros guitarristas de calibre como Andy Latimer o David Gilmour, que pesan mucho en su conciencia, pero se adivina el potencial existente. A mi juicio quién si muestra gran carácter y originalidad en este disco es Hans Lundin con un aluvión de instrumentos de teclado que maneja con su propio arte y que hipnotiza y nos transporta a su mundo interior generando sensaciones novedosas.

Los temas se suceden, algunos son solo instrumentales intercalados con otros cantados en sueco, que oye...no suena tan mal…El sonido de esta banda tiene una característica especial, y es que suena potente cuando los teclados caen como graves losas construyendo un manto grueso, pero a la vez parecen frágiles y delicados dispuestos a que su atmósfera se rompa en cualquier momento. Sen repris y Flyet van de la mano y no hay división entre ellos, parecen uno solo, siendo Flyet la parte instrumental de ambientación muy cálida y cargada de melancolía en las cuerdas de Roine.

Anar Dig es la siguiente, mi preferida, una joya a escuchar con mucha atención. Una pieza que destila sensibilidad de principio a fin, la voz es la primera que lo hace, muy expresiva e introspectiva. Los arreglos de piano son débiles y casi imperceptibles al principio. La guitarra nos dirige hacia una serie de arpegios lentos y penetrantes desatando sensaciones que nos inundan y que no pueden explicarse con palabras.

Con un aire muy Focus desemboca Prog Funk, una canción con gran cantidad de percusiones, repertorio de producción y una guitarra funky simpática, que seguramente da lugar al título. Teclados oscilantes, etéreos y cristalinos conformando un aire espacial . Aquí el trabajo del bajo se luce en su parcela. Nuevamente regresa la introspección en Visa i sommaren que me recuerda a una preciosa nana, como si la tocasen a un volumen idóneo, delicadeza y melancolía en la voz, acompañada de un teclado sinuoso que nos envuelve en una atmósfera recogida y sensible.

El último corte del lado corre a cargo de Tajgan, un instrumental de aires cargados de épica donde Lundin hace un despliegue de ambientación a través de varios teclados y que se remata con la guitarra de Roine cuyo resultado suma una estructura muy floydiana.

Los temas del otro lado tienen más contundencia instrumental y el cuerpo de la composición es más denso con una variedad de teclados amplia. Carga con la caballería Respektera Min Värld con un ritmo de batería lacerante y unos vivos sintetizadores que nos van metiendo de cambio en cambio. La guitarra está sintetizada y se une al grueso de toda la colección, luego se transforma y nos ofrece un solo de lo más hard que se le va escuchar. La coda es una espiral de órgano cantada con coros. En igelkotts död es una instrumental de sonido muy espacial con potentes desarrollos de los teclados y una fuerte carga épica, guitarra sintetizada y momentos tenues y cristalinos intercalados para coger fuerza otra vez. Teclados muy lineales creando capas en un ambiente floydiano.

Con la guitarra de Roine arranca en escalada Total förvirring, una de sus mejores piezas, otro trabajo épico que recuerda mucho a la instrumentación de CAMEL, y en concreto a la guitarra de Latimer y a la base rítmica, con un magnifico solo que precede a la explosión de teclado que se produce después, una delicia musical. Finaliza con Sist Pà plan, que nos sorprende con la guitarra acústica a modo de introducción flanqueada por una suave atmósfera y coros para saltar a otro nivel en la que interviene la guitarra ya eléctrica contenida y que desemboca en una instrumentación llena de rincones delicados hasta que se desata la guitarra y entramos en otra fase de sonidos potentes de abanico de solos de teclados en dialogo con la guitarra sintetizada hasta pulsar el off.

Un disco muy completo sin nada desechable que supone un magnífico ejemplo de lo que se hacía en el norte de Europa con sonido muy fresco, cuando ya el progresivo se encontraba encaramado a los excesos y la desnaturalización y por consiguiente al lógico hundimiento en los países que lo habían visto nacer.

El dilema de Woodstock

"la revista Other Scenes de Nueva York dice en un informe sobre el trasfondo económico del Festival de Woodstock:  

El festival de Woodstock no fue una victoria para la gente; fue una victoria para los negociantes, quienes sacan beneficios económicos explotando la cultura juvenil....Ya no necesitamos festivales de rock de varios días de duración y entradas carísimas, esos festivales del amor que se transforman en festivales de beneficio."

 

En su libro Woodstock Nation, Abbie Hoffman dice del festival de Woodstock: ¿Fuimos peregrinos o moribundos? ¿Fue aquello el principio de una nueva civilización o el síntoma de una moribunda? ¿Estuvimos a punto de crear una zona liberada o de penetrar en un campo de concentración? 

                                                                           (El mundo de la música pop)

Jarre, un zorro

 "En el MIDEM de 1979, celebrado en Cannes, Jarre realiza un espectáculo en La Croisette a base de música, pirotecnia y proyecciones. Con esta experiencia, a Jarre le entran más deseos aún de hacer un espectáculo visual y sonoro en París para la fecha del Equinoccio, el 21 de marzo, a las orillas del Sena. Sin embargo, los promotores no ven con buenos ojos las excentricidades de Jarre y cancelan el proyecto.

 

Nuestro protagonista, decepcionado, les ofrece su concepto de espectáculo a los ingleses. Poco después, el concejal de turismo, Jean de Prëamount, se entera de ello, y en seguida se pone en contacto con Jarre y le dice que en qué sitio de París quiere hacer su espectáculo -de sobra conocida la enemistad entre británicos y franceses-, Jarre, ni corto ni perezoso, elige La Place de La Concorde para el evento.

 

Tiene en mente hacer una ópera multimedia cuajada de música, láseres, proyecciones y pirotecnia, siendo la fecha elegida el 14 de julio de 1979, el día de la fiesta nacional francesa. En seguida Francis Dreyfus y Jarre se ponen a trabajar para conseguir los permisos burocráticos necesarios y el dinero preciso para poder sacar el show adelante. "

                                                (The Watcher. JJ Tobal Cayuela, J. Moragón y A. G. López) 

AMBROSIA – Ambrosia (1975)

 

David Pack…………………...…Guitarra, teclados y voz principal

Christopher North…….…….Teclado y voz

Joe Puerta….………………....Bajo, voz principal

Burleigh Drummond………..Percusión, fagot, voz

1ª Cara:

- Nice, Nice, Very Nice

- Time waits for no one

- Holdin’ on to yesterday

- World leave me alone

2ª Cara:

- Make us all aware

- Lover arrive

- Mama frog

- Drink of water

No fue hasta cuatro años después de su creación que este cuarteto californiano diera lugar a su primer álbum debutando por todo lo alto con una obra sólida y madura como es esta. Esos años atrás en que convivieron les sirvió para ir acumulando conocimientos, analizando el panorama Rock que les rodeaba, absorbiendo y aprendiendo de los distintos estilos que bullían apenas iniciada la década. Descubiertos por fortuna nada menos que por el Director de la Filarmónica de Los Ángeles Zubin Mehta, incluso los incluyó en el concierto All American Dream concert. Esto sucedía en 1971, cuatro años antes de tener un reconocimiento dentro del mundo musical.

En los ambientes underground de los grupos de L.A. despiertan admiración del público con interés en el Rock progresivo. Sus influencias serán Beach Boys, King Crimson, Beatles…..pero yo con quién más semejanzas me parece que entroncan es con Yes. En mi opinión el espíritu de Anderson y compañía está constantemente presente flotando en el ambiente y dejando huella en gran parte de las estructuras de las composiciones con elementos y recursos característicos de los británicos. La manera de trabajar las voces, el ritmo de batería en conjunción con el bajo….los dúos guitarra, bajo…..los tiempos….no se, me suenan a los británicos.

A consecuencia de la interviú con Zubin Mehta tuvieron una audición para Help Albert, ¿Quién es este señor?, pues nada menos que la A de A&M Records. El resultado de la presentación fue algo agridulce, no estuvieron muy acertados, se les convocó para un segundo intento donde mejoraron, pero no será con esta compañía finalmente con quién fichen sino con la 20 th Century Fox Records. Seguidamente se ponen manos a la obra y comienzan a grabar a finales del 74 su homónima opera prima con un resultado más que bueno. En la configuración va a participar como ingeniero y productor Alan Parsons que todavía no se había puesto a trabajar para salir a los escenarios con su banda. Sorprendido por la calidad de los músicos llegó a decir “es rock americano que suena como el inglés”.

Así pues, estaban convergiendo en la creación varios elementos a la vez que podían anticipar y garantizar un gran éxito. Unos músicos muy profesionales y con unas voces a cual mejor, un productor e ingeniero de alcance, el gusto por las armonías vocales siendo admiradores de Crosby, Still, Nash and Young, y la necesidad y capacidad para hacer una música ambiciosa instrumentalmente hablando. El nombre que acabaron atribuyéndose, AMBROSIA, que significa “néctar de los dioses”, no es fruto de la casualidad, sino fiel reflejo de lo que presentarán.

La primera impresión que transmite su sonido es frescura, después de esto la profesionalidad, sobriedad y madurez que comprenden los temas del disco. Las armonías vocales inundan las canciones y con razón, puesto que son magníficas todas ellas y la voz llega a convertirse en un instrumento más de la orquesta. Los entramados instrumentales de las composiciones son intrincados, más aún por los cambios constantes de ritmo que se producen en muy poco espacio de tiempo, apenas permiten que se genere una estructura melódica que consigamos memorizar.

Sin embargo la riqueza melódica es tremenda, el despliegue de instrumentos es enorme, proporcionando con ello un constante movimiento de innovación en la pieza que corresponde. Es música condensada por el trabajo que se observa en su creación, aporta volumen y cuerpo, compases recargados con barroquismos de guitarra, pero no supone pesadez ni tedio en ella.. A todo esto, hay que sumarle la variedad y labor de los arreglos, que son muchos y como en todo buen grupo progresivo de la época la incorporación de sonidos de nuestro mundo diario que hacen que entremos ambientados y con más profundidad en la música que nos están ofreciendo, la sombra de Alan Parsons es alargada y de una calidad garantizada.

Aunque Parsons dijese aquello, no terminan de sonarme como los grupos de estilo británicos, si que es posible que haya un acercamiento, pero percibo en este disco el espíritu americano, una atmósfera más accesible y festiva, menos introspectiva como suele ser característico en bandas del nuevo continente, falta la flema más oscura y trascendental de los ingleses. Podrían asemejarse a una combinación de Rock de bandas próximas como Starcastle y Kansas.

Disco repleto de buenos momentos, Nice, Nive very Nice es un buen comienzo para engancharnos al tren, una pieza que podría haber servido de lanzamiento en las emisoras de radio con un rock prog que bien puede bordear el soft Rock o el pop Rock de manera que puede interesar a un mayor número de oyentes. Gran variedad de cambios rítmicos en la melodía con unos arreglos brillantes que no se si lo son o simulan de viento a través del sinte. Luego sigue con Time waits for no one, otro corte interesante que incorpora recursos estilísticos, un bonito juego de voces, buen dialogo guitarra-bajo y explosividad en la onda Yes. Uno de los platos fuertes es Holdin’ on to yesterday, que nos sumerge con un bonito groove, muy sinfónica con arreglos magníficos de cuerda y piano, vistosos coros nuevamente por parte de todos los componentes como eje protagonista, una producción elaborada con mimo y un órgano comedido que en algunos instantes llega a realizar barridos. Para finalizar una cara lo hacen con World leave me alone, una pieza con vena rockera donde la guitarra se erige elemento principal, se muestra más agresiva de lo habitual en algunas partes y la melodía se reduce en pos del sentimiento más sencillo del espíritu rock.

Arrancamos con Make us all aware el descanso; surge de la oscuridad un fresco piano que aletea durante todo el tiempo y que trabaja en los arreglos sutilmente en un trabajo sin fases instrumentales ambiciosas. Se combina con otros teclados que aportan un aire retro a la pieza, similitud a un clavicémbalo o un clavecín. Las voces como siempre son fundamentales. Sin dejar morir la anterior empalma con Lover arrive otra joya en forma de balada que elige una melodía preciosa en la que se pueden explayar a sus anchas las fantásticas voces y coros con una inspiración de piano cautivadora. Un poco de intimidad a disfrutar en silencio.

Tal vez es en Mama frog donde podemos detectar cierto acercamiento a sus venerados Crimson aportando formas libres y más experimentales en su creación, aunque yo denoto también cercanía con ELP. Es aquí donde encontramos ambientes muy diferentes unos de otros, incluso se puede hablar de posible improvisación dirigida con pasajes instrumentales más disonantes y alejados de las melodías que suelen presentar incorporando instrumentos muy variados. Todo esto forma el cuerpo central de la composición, luego retorna a la melodía inicial en una estructura circular para terminar de forma cortante. Cerramos el espectáculo con Drink of water, posiblemente la que más progresividad encierra hablando en términos de estructura clásica del estilo. La más épica de todas con un trabajo instrumental muy potente y ambicioso por parte del órgano y sintetizadores varios. Producción fantástica que me recuerda enormemente a otras de Kansas.

Una delicia de disco a tener en cuenta por todos aquellos que aman el prog y también por aquellos que no tanto, y es que no se debería clasificar de ninguna manera aunque lo hagamos, porque cuando la música es buena no importa nada más.

El acierto de Humble Pie

"Las cosas comenzaron a marchar mejor cuando después de la primera gira americana Marriott se dio cuenta del camino a tomar. En Estado Unidos palpó el ambiente rock y también el éxito de sus conciertos  contrastando con el nulo de sus discos. El tercer LP, una vez superado el problema de no tener editora, fue la primera asimilación de lo que hacían en vivo adaptado al disco, y ahí comenzó la auténtica correlación entre los Pie de los discos y los de las tormentas en vivo. No lo lograron del todo hasta el quinto álbum, el doble en directo, y ya para entonces Peter Frampton iba a marcharse, pero al menos siguieron un ascendente camino que, al margen consideraciones, nos legó cuatro estupendos discos, como veremos en la segunda parte de este libro."

                                                                              (Peter Frampton: Alive)

El mundo de Disney

"May Pang cuenta en su libro que John leyó y releyó cada página del legajo sobre la disolución total de los Beatles, Apple y todos sus negocios conjuntos. Aún no estaba contento con una de las cláusulas y se puso en contacto con uno de los abogados de George, que aclaró satisfactoriamente sus dudas.

Entonces, convencido de que el final era irremediable, fue cuando Lennon le dijo a May que tomara su cámara de fotos y que captara ese momento histórico para la posteridad. Su firma de la disolución de los Beatles. May cuenta que en aquellos momentos  fue como si los ojos de John estuvieran viendo paso a paso los momentos claves de la historia de los Beatles.

 

Por fin, John cogió un bolígrafo y dio por liquidada para siempre la existencia del grupo más famoso en la historia de la música con una simple rúbrica.: Firmado, John Lennon. John Lennon estaba sentado en una mesa del Hotel polynesian Village de Disney World en Orlando. Walt Disney era una especie de testigo del fin de los Beatles." 

 

                                                  (El Sargento Pepper nunca estuvo allí: Julián Ruiz) 

THREE MAN ARMY – Two (1974)

 

Adrian Gurvitz……...…Guitarra eléctrica, slide, órgano, mellotrón y voz

Paul Gurvitz……...…….Bajo, guitarra acústica y voz

Tony Newman….….....Batería

1ª Cara:

- Polecat woman

- Today

- Flying

- Space is the place

2ª Cara:

- Irving

- I can’t make the blind see

- Burning angel

- In my eyes

Hubo unos años en que estos hermanos parecían estar en varios sitios a la vez. Es impresionante lo que les cundía a esta pareja, metidos en todos los saraos progresivos reconstruidos que surgían por las islas británicas alejados de la élite comandada por las viejas glorias. Debían tener una relación familiar muy cohesionada porque donde iba uno, iba el otro, un hecho que dentro del Rock tampoco es fácil encontrar, salvo honrosas excepciones. Y es que ya empezaron juntos en esto con su primera banda GUN que por entonces su disco pasó sin pena ni gloria y eso que tiene el privilegio de haber sido vestido por un entonces desconocido Roger Dean.

En 1970 tras la desaparición de la banda, continúan en el ambiente militar y forman nueva banda, llamada esta vez Three man Army, les viene al pelo porque serán un power trío de Rock potente y duro compuesto por Adrian, Paul y a las baquetas Tony Newman un músico que ya tenía cierto nivel tras haber participado en varios combos entre ellos con Jeff Beck. Lanzarán su primer disco en 1971 con un contenido espléndido, pero sin llegar a entrar en listas ya que se mueven en mercados underground, y pasando bastante desapercibidos, poco de publicidad y nada de televisión. Su discográfica, Pegasus, decide que aquello no va a ningún lado y los deja plantados. Sin desanimarse, consideran que hay que seguir adelante con las ideas claras y la misma formación, llaman la atención y serán fichados por Warner Bros con quienes rápidamente darán lugar a un nuevo Lp, su segundo trabajo, esta vez menos hard y más abierto al blues. En 1972 realizarán una gira por EEUU teloneando a otros donde se dan a conocer y obtienen ciertas ganancias para la Warner pero siguen sin entrar en listas. Al año siguiente con nuevas composiciones dan lugar a su tercer álbum al que llaman Two, ya que era el segundo con su nueva compañía y en el contrato se mencionaba la obligación de dos discos, pero ya lanzado en 1974.

Los efectos siguen siendo los mismos, buen material, pero no hay nada que hacer contra los grandes del hard, Led Zeppelin, Deep Purple, Humble Pie etc, son una competencia difícil y juegan en una liga superior, y los Gurvitz y compañía siguen en el inframundo intentando despuntar y entrar en listas, algo que se resiste. No se les presenta oportunidad de festivales, tanto a un lado como al otro del Atlántico ni aparición en medios, y además el sello tampoco les brinda mucho apoyo. Tienen nuevas creaciones, llevan en mente realizar una opera Rock, pero después de una serie de grabaciones de prueba todo va a quedar archivado, Tony Newman, cansado, abandona y los hermanos Gurvitz no plantean sustituirlo, simplemente desisten y no siguen adelante. Pero la carrera armamentística no termina y se asociarán con el batería Ginger Baker para crear la Baker Gurvitz army, otra gran aventura que pone punto y seguido.

El punto de mira aquí, es su disco Two, un magnífico redondo que hay que rescatar porque lo merece. El hecho de que no trascendiera en su gestación lo ha convertido en una obra de culto. Es una obra hard rock progresivo que no tiene desperdicio, densa, sólida y compacta. Paul Gurvitz, es un guitarrista de los que llaman en la red “underrated”, un mercenario, no del dinero sino de la buena música, un tipo inquieto que no ha tenido el reconocimiento que debiera, culpa con toda seguridad de su situación siempre en la sombra, detrás de los grupos reconocidos. A mi particularmente me gusta mucho, con una técnica depurada y un estilo que lo hace singular, y es que al sonido de su guitarra enseguida se le reconoce dentro de las canciones, da igual en que banda toque. Su hermano Paul también tocaba la guitarra pero no estaba a la altura de Adrian y eso le llevó a emplearse en el bajo. Si el público se detuviera a analizar con qué personajes reconocidos llegaron a tocar seguramente cambiaría la visión sobre estos músicos. También hay que preguntarse si la aportación de un segundo guitarra u otro cuarto miembro en la formación habrían aportado más brillo….pero eso ya nunca lo sabremos.

Polecat Woman es la canción de despegue, contundente de principio a fin con un sonido pesado de guitarra, Adrian está demoledor como en todas las composiciones siendo el hilo que enhebra todo el lp. Nos mete de lleno con una guitarra rítmica brutal marcando el ritmo y la batería de Newman agitada y vivaracha con gran cantidad de percusión, marcándose un solo que no llega al medio minuto, gracias a Dios, no estoy por lo solos de batería. La recta final es un solo de guitarra, marca de la casa, que va entrando suave para acabar agudo y rápido. Un temazo de hard sin concesiones con una voz salvaje y desgarrada.

La calma, aunque engañosa, llega con Today que tiene como base una guitarra arpegiada de notas espaciadas, muy melódica que va creciendo en belleza y fuerza con un tempo cada vez más elevado donde se respira un ambiente espacial en ciertos pasajes gracias a la guitarra de Adrian que se va haciendo incisiva hacia el final, con unos escarceos en la performance que me recuerdan a Kerry Livgren de Kansas.

De trepidante se puede calificar Flying sobre todo por la guerrera batería. Aunque luego la pieza navega mucho por lo melódico en cierta manera accesible con elementos atractivos en la voz, podría haber servido de hit para lanzar en las emisoras con sonido fácil de entender, el corte más popero que vamos a encontrar que termina con el solo de guitarra desatado de tinte espacial.

Una suave y melódica guitarra con el sello de Adrian nos conduce al centro de esta pieza que cierra la primera cara, algo más extensa que el resto, Space is the place, de corte muy progresivo incorpora un teclado muy marcado y lineal de fondo arropado con arreglos orquestales a cargo de violonchelos y violines. Es una balada construida sobre un estribillo protagonista de la composición y título del tema que se repite en bucle invocando un mantra en el que nos sumimos. Los arreglos son una innovación progresiva que resulta muy positiva con un potente aroma al estilo ELO que se respira en ella.

Un ritmo eléctrico trepidante nos pone en guardia con Irving nada más comenzar la segunda cara, con una combinación guitarra-batería saltando chispas y que acabará desembocando en un solo de bajo al mejor estilo “Squire” bajo una lluvia de platillos, invocando a Deep Purple en una pieza que corta la respiración que para en seco, todo un chute de energía, Rock duro con mayúsculas. Para contrarrestar el subidón de pulsaciones a continuación nos entregan I can’t make the blind see, otra balada de características similares a Space is the place, es decir con orquestación de cuerda en los arreglos y experimentando con vientos, lo que parecen ser fanfarrias en el estribillo, arreciando cada vez más poderosa la orquestación conduce a un final de efecto doppler, un corte breve que sin detenerse ensarta con Burning angel otro temazo, en mi opinión el mejor, muy duro, en la línea de Polecat woman con una voz desgarrada nuevamente, la guitarra rítmica dominando la situación y la batería de Newman trabajando a ritmos complicados. Sin duda esconde en su interior el pasaje instrumental más valioso de todo el disco, pura energía de hard progresivo con intervención del órgano que pone los pelos de punta. Energía en estado puro, una delicia señores!

Para finalizar dejan In my eyes, composición que aparenta ser una balada inicialmente, pero luego se complica y sube el voltaje convirtiéndose en un corte grave y pesado en las guitarras clamando con un estribillo en ascenso donde la melodía aparece en forma de coros por parte de los componentes. La guitarra de Adrian nos brinda un solo con un comportamiento muy juguetón. El final despista un poco, pareciendo que nace una nueva composición, pero no, termina diluyéndose.

Y eso es todo. Recomiendo encarecidamente su escucha, es uno de esos discos que hay que descubrir, no lo dejes pasar, no te penará. Si te gusta este estilo duro, estás delante de un gran descubrimiento, y aprovecha que lo han reeditado si lo quieres comprar en vinilo, porque estás de suerte y no tendrás que pagar un riñón por él. Últimamente no se que está pasando pero para comprar un vinilo vamos a tener que acudir al banco a pedir préstamos…….y eso que es tecnología del siglo pasado…...en fin, no lo entiendo.