"Un cambio de sello, de WWA a Chrysalis y una voluntad de sonar ligeramente más accesibles llevaron a Free Hand (1975), su último disco clásico, que obtuvo buena acogida en los charts estadounidenses. Siempre sólidos y epatantes en escena, valor seguro en los escenarios europeos y americanos, darían testimonio de ello con Playing the fool (1977), un doble directo incendiario, pero su declive en estudio, iniciado con Interview (1976) iría a más. Buscando infructuosamente la comercialidad y acortando los temas, sus últimas entregas antes de separarse en 1980 no harían honor a su nombre ni sus capacidades."
"El auge en los años 60 de grupos como The Shadows o The Ventures evidenció un interés por parte de los músicos en ahondar en el tratamiento instrumental, hasta el punto de asumir las melodías principales y de introducir nuevos timbres en la plantilla de los grupos. Así, el incremento gradual de los pasajes instrumentales favoreció la experimentación formal en la composición, incidiendo en aspectos como su duración, su textura o su estructura.
En el caso de la Psicodelia, fueron comunes los largos pasajes improvisatorios en directo, en los que a menudo se incorporaban efectos sonoros procesados electrónicamente en combinación con juegos de luces estroboscópicas, Sheila Whiteley, entre otros, establece una analogía con las alteraciones perceptivas producidas por el LSD en extensas piezas instrumentales como Interstellar overdrive, de Pink Floyd, que servían como base para una exploración muscial de sonido y luz."
Gino campanini...........Guitarra acústica, eléctrica y voz
Franz Dondi.................Bajo
Piero Canavera............Batería,
guitarra y voz
Bernardo Lanzetti.......Guitarra
acústica, eléctrica y voz
Mauricio Mori.............Teclados y
voz
1ª cara:
- Morning
comes
- Comic strips
- Science
fiction suite
2ª cara:
- Song from a
picture
- Education
story
- Going out
- Three hands
man
Sería con su segundo y último Lp
con el que de alguna manera se darían a conocer en el mundo del
progresivo. El gran error fue realizar su opera prima, y por
dificultades en la grabación debido al uso del inglés, en un país
como Italia que no tenía ninguna tradición entonces en que los
grupos cantasen en otro idioma que no fuese el italiano, les llevó a
editarlo de cualquier manera, con la mala idea de hacerlo con una
distribución solo a nivel nacional. La consecuencia fue bastante
desastrosa, anonimato casi total en el país transalpino por cantar
en extranjero y por realizar un rock con semejanzas y empatía
europeas que se alejaba de las directrices marcadas por el insurgente
progresivo italiano que crecía como la espuma. En el resto del
continente y EEUU pasó sin pena ni gloria.
Su nacimiento se debe a que tres de
sus miembros, Lanzetti, Campanini y Canavera ya habían realizado una
primera unión que se denomino Gil inmortali (Los
inmortales) llegando a lanzar un single en 1967 nada menos. Ese
grupito se convirtió en el embrión de lo que luego sería la banda
actual, la cual tras reclutar el resto de miembros aceptaron en
cambiar el nombre y dejarlo en ACQUA FRAGILE.
Desde el principio se observa una
decidida intención por seguir el camino abierto por bandas del
calibre de GENESIS y GENTLE GIANT, lo que nos hace suponer que su
sonido va a caracterizarse por constantes cambios de ritmo y una
imaginación que dejará paso a grandes momentos de inspiración. El
calado de las huestes de Peter Gabriel es notable en su música, pero
concretando más aún, yo diría que el sonido de Trespass fue
fuente clara de inspiración, sus ambientaciones y el gusto por la
guitarra y la forma de tocar de Anthony Phillips. Morning comes
podría estar junto a Looking for someone o Vision of
angels sin problema, identificándose como un corte más de
Trespass. Lo mismo ocurriría con Song
from a picture o Three
hands man.
Pero la afinidad con la
idiosincrasia de Gentle Giant, es también de gran peso en el
quinteto. Sin llegar a las enrevesadas líneas de los hermanos
Shulman, lo cierto es que practican un progresivo que se acerca
mucho, con diversidad constante en las partituras que nos hacen
disfrutar porque la frescura de los temas es deliciosa, los juegos de
voces no llegan al nivel tan elevado de los Gentle pero son
suficientes para crear buenas armonías, sumándole que la voz de
Bernardo Lanzetti tiene un timbre y un hacer que
recuerda mucho a Derek Shulman al frente de los británicos,
mezclada con la de Roger Chapman de FAMILY. Piezas
como Comic strips ó Education story son
testigos de ese interés por la culta y complicada obra de Gentle
Giant.
Para llevar a cabo esta empresa sin
quedarse en el camino o desentonar hay que estar muy seguro de
hacerlo bien. La categoría de los músicos demuestra a través de su
trabajo que estaban preparados para ello. El nivel profesional del
grupo no deja lugar a dudas, había compenetración obtenida del
beneficio de una alianza de años, pero su mala fortuna a la hora de
realizar los negocios, fue un muro en su avance entre otras cosas,
porque también es cierto que triunfar en ese país cuando salían
formaciones progresivas de cualquier rincón no era fácil. Con su
segundo "Mass Media", no volverían a tropezar de
nuevo, la solución lanzarlo en el mercado americano. Efectivamente
la respuesta fue mucho más numerosa, también la música se hizo más
concreta, dejando los experimentos atrás.
Pero la película duró poco más de
2 años, después a Lanzetti, hombre clave, le surgió la posibilidad
de entrar a participar en uno de los consagrados, PFM, donde sin
dudarlo en 1975 se embarcaría hasta donde le dejasen. La
inestabilidad se adueñó de la banda y con el peso de la
incertidumbre que les acompañaba desde sus inicios, se dio por
terminado. Este álbum es una pieza interesante para todo amante del
progresivo en general, muestra la innovación de unos nóveles que
querían destacar del resto de paisanos realizando un rock progresivo
muy heterogéneo a pesar de moverse en los cánones, vivo, repleto de
movimientos interesantes y con melodías incesantes en cambios
demostrando su capacidad creativa.
"A mediados del invierno de 1967, el compositor francés Serge Gainsbourg estaba desesperadamente enamorado de Brigitte Bardot. Hasta el delirio de haberle prometido componer la canción más bella de amor que se haya escrito jamás en el mundo. Una de esas tardes de amor y lujo, Serge convence a B. B. de que grabe esa canción perfecta de amor, pero con él.
El tema se llama Je t'aime......moi non plus. Le explica que ambos deben estar cantando como si realmente se estuvieran haciendo el amor. Brigitte se excita con la idea y le dice que sí. Dos días más tarde ambos graban el tema en el estudio B de las salas de grabación de Barclay, en la avenida Hoche, en París. Era el 10 de diciembre de 1967.
Luego se ha sabido por boca del ingeniero de aquella sesión de grabación que tanto Serge como Brigitte se estuvieron masturbando para lograr mejores gemidos y susurros sexuales que fueran definitivamente reales. El arreglo era del gran Michel Colombier, al que Madonna contrató para sus temas de James Bond."
(El Sargento Peppers nunca estuvo allí. Julián Ruíz)
"La crisis dejó en Inglaterra tres millones de parados. El problema iba más allá: la nueva generación de chicos y chicas en edad laboral se encontraron con el peor de los futuros.
No es de extrañar, pues, que el lema del punk fuese "No hay futuro". Cientos de jóvenes se lanzaron al ruedo de la música como única oportunidad. Bastaban tres acordes de guitarra y un cantante gritón. Y por supuesto ser provocadores."
Mike
Oldfield…………...…Voz, guitarras acústica y eléctrica,
piano, sintetizadores, secuenciadores, vibráfono, marimba
Colaboradores:
(entre otros)
Neil
Jason………..….…….Bajo
Wendy
Roberts…………..Voz
Pierre
Moerlen….……...Batería, vibráfono
Sally
Cooper…….……...Campanas tubulares
David
Bedford……...….Arreglos vocales
1ª
Cara:
-
Platinum part 1 - Airborne
-
Platinum part 2 - Platinum
-
Platinum part 3 - Charleston
-
Platinum part 4 – North Star / Platinum finale
2ª
Cara:
-
Woodhenge
-
Into Wonderland
-
Punkadiddle
-
I got rhythm
Se
puede decir de este trabajo, ya su quinto desde que nos deslumbró
con Tubullar Bells, que es un disco bisagra, un salto
evolutivo para bien o para mal, una transformación en la forma de
concebir la música, una nueva manera de comunicarse con el público,
un crecimiento personal del autor…….quién sabe si de todo un
poco. El niño superdotado con algún que otro gen autista había
madurado y ya no era un joven salido de la adolescencia, tenía 26
años y tras su reclusión en Gloucestershire durante
dos años, a consecuencia de los problemas de orden psicológico que
arrastraba, por fin consiguió encontrar solución a través de
cierta metodología. Con ella fue capaz de afrontar la vida de manera
equilibrada sin ese sentimiento de menosprecio hacia sí mismo que
siempre le había perseguido.
Un
personaje que había demostrado en sus primeros discos un espíritu
de tendencia ermitaña, amante de la soledad y de llevar a cabo todo
él mismo intentando evitar al máximo la ayuda de nadie. De ahí
surgen esas obras tan personales, de fuerte carácter introspectivo,
construidas desde esa inteligencia y aptitud para manejar la mayoría
de los instrumentos, plenas de pasajes hipnóticos, etéreos,
ambientales, dotados de una sensibilidad especial, intentando plasmar
sobre el pentagrama todo su mundo interior, el cual es inmenso.
Después llegaría su crisis, su desaparición del mundo público, su
reclusión y su último álbum (doble) realizado según los
parámetros anteriores, Incantations.
La
revolución llevada a cabo principalmente por el movimiento punk
apareció en un momento difícil para Mike, cogiéndole por sorpresa
con sus neuronas en pleno desorden. El mundo músical sufrió una
ruptura que sorprendió a propios y extraños y todos los pilares
bien asentados hasta entonces se vinieron abajo. La juventud vivía
una época tumultuosa socialmente hablando y aquella nueva respuesta
musical en la que se trataban los problemas sociales y la realidad
de las clases más desfavorecidas fue como un resorte para los
jóvenes que se sentían totalmente identificados, las composiciones
se reducirían a la mínima expresión y el virtuosismo de los
músicos caería en picado. El estilo musical de las grandes bandas
que hacían alarde de sus desarrollos instrumentales y de álbumes
conceptuales lo iban a tener muy difícil. Fue nefasto para todos
aquellos que acabarían calificados como dinosaurios.
Mike
Oldfield amante de las armonías, las melodías elaboradas y la
complejidad en la elaboración músical con amplio espectro para
volcar toda su fantasía interior recibió esta reconversión
escéptico y con absoluto rechazo. Aquello no iba con él, no
entendía otra forma de trabajar que la suya. Después de un tiempo
para recapacitar, el niño prodigio se encontró ante la disyuntiva,
“renovarse o morir” y eligió inteligentemente la primera
ya que si algo nos ha demostrado durante toda su carrera es que no se
rinde y que es una persona camaleónica que se adapta a todas las
situaciones.
Así
pues, tenía que conseguir atraer al público, no defraudar a sus
fans, pero a la vez situarse en ese nuevo mercado surgido sin
renunciar a su idiosincrasia, por tanto la fórmula utilizada hasta
entonces estaba obsoleta. Esto va a suponer cambios drásticos,
composiciones cortas y con ritmos, desarrollos e instrumentos acordes
a las corrientes que van naciendo tras el punk. De esa necesidad de
adecuación emerge Platinum en 1979, donde no
aparecerán canciones que ocupen toda una cara. Platinum, por ejemplo
que es el tema principal se divide en varias partes claramente
diferenciadas e igualmente la cara B está ocupada por diversas
canciones. Oldfield muestra un carácter aperturista tras su
final de terapia y eso se reflejará en sus composiciones, además
otro elemento que denota su nueva actitud frente al mundo es el
tutearse con otros músicos de su escena de los que obtiene permiso
para incluir una versión en el nuevo disco. North Star que
pone fin a la primera cara es obra de Philip Glass. I got
rhythm es otra pieza que arrebata del compositor George Gershwin.
Tras
su resurgimiento personal fue capaz de llevar a cabo una enorme gira
con un elevado número de músicos a su cargo y grabar Exposed
que
aglutina lo mejor de sus 4 primeros discos, álbum en
vivo que precede a Platinum, sin embargo paradójicamente resultó un
desastre económico con grandes pérdidas que sufragaría con el
lanzamiento del disco en vivo y de Platinum.
Platinum
que fue grabado en New York rompe con el patrón del autor. Tiene un
afán lúdico y experimental. La música elaborada gana en
concreción, los temas se sintetizan con un sonido muy aséptico,
limpio, cristalino y con una producción impecable como no podía ser
de otra manera. La concepción musical sufre un giro importante. El
férreo acercamiento a las nuevas tendencias es innegable, olvidando
la identidad de sus anteriores, las nuevas composiciones ganan en
viveza y actualidad con un sonido más moderno y elaborado según los
nuevos ritmos con unas texturas en muchas ocasiones con sinergia en
el tecno-pop y el post-punk y utilizando técnicas que luego serán
muy recurrentes como las pregrabaciones de sonidos y ritmos. Se trata
de una obra absolutamente dinámica, con constantes variaciones en
las melodías, que aunque sencillas muchas veces son bien abrigadas
por envolventes instrumentales que aportan constantemente riqueza. El
ritmo es alto y en ocasiones nos produce la sensación de no tener
tiempo para tomar aire, puesto que son incesantes las modificaciones
e incorporaciones, no hay espacio para el silencio…...quién lo iba
a decir.
Platinum
1: Airborne es el comienzo a través de un sintetizador que
parece secuenciado, luego se van uniendo otros instrumentos como
suele ocurrir. Se le asocia un bajo que asciende y desciende entre
escalas y da paso a la característica guitarra eléctrica de Mike
que con un sonido ambiental domina la composición y a partir de ahí
la guiará hasta el final, sistema que es marca de la casa. Los
diferentes ambientes plenos de detalles y elementos se van sucediendo
sin tiempo a caer en el tedio.
Platinum
2: Platinum es el tema central recurrente que pone en marcha la
guitarra eléctrica de Oldfield con un desarrollo que repite en
varias ocasiones convirtiéndose en un monólogo. Conducido
nuevamente por él es una parte muy directa con un ritmo vivo. Me
recuerda en su confección a los instrumentales que siempre incluye
en sus discos Alan Parsons Project donde va repitiendo
la melodía central e insertando arreglos al fondo que van sufriendo
modificaciones al realizar las vueltas de la melodía principal. Se
incluye aportación de voces que actúan más bien como un
instrumento más.
Platinum
3: Charleston, es una pieza corta que usa
sintetizadores con sonido de metales, una batería que también en
esta ocasión parece pregrabada y un piano juguetón. El ambiente es
muy “Tecno”, se suceden capas de instrumentos con protagonismo
para el bajo y la guitarra acústica y unos coros un tanto
tenebrosos, en una pieza que en su inicio realmente podría dar lugar
a una pieza de charleston si no se desviase.
Platinum
4: North Star, posiblemente el mejor fragmento y más inspirado
partiendo de la composición de Philip Glass que nace con una
guitarra repitiendo una frase y sobre la que luego se instala la
eléctrica en una melodía que va ganando en sonoridad y fuerza
nuevamente conductora. El ritmo va ganando en complejidad y con
tintes modernos dejando paso al coro y apagando la guitarra por un
momento. La actuación de la guitarra se hace cada vez más aguda y
tensa. El final lo ponen las voces corales.
Woodhenge,
el fragmento más experimental de todo el disco, instrumental
hipnótico de apenas cuatro minutos donde se dejan escuchar las
imprescindibles campanas tubulares que acompañan la existencia de
Oldfield. Está construido sobre sonidos pregrabados en una creación
que recuerda a músicos electrónicos coetáneos. Los sintetizadores
aportan frases con tintes improvisatorios mientras la guitarra
también inserta fragmentos libres sobre un fondo de sonidos
inacabables como si de una habitación de relojero se tratase.
Into
Wonderland, pieza cantada por Wendy con una suave y sugerente
voz. Texturas pop y Tecno. Es completada con una melodía de
sintetizador marcada y sencilla como desarrollo central. Pieza
animada y poco seria. Final abierto.
Punkadiddle,
es el tema elegido por el autor para intentar burlarse del punk,
aunque no tengo muy claro como llega a hacerlo. Conducida por una
melodía ondulante de carácter naif que se repite una y otra vez
como protagonista y que aparece flanqueada por incursiones de
aplausos grabados a propósito. La guitarra eléctrica aparece para
conexión entre vuelta y vuelta. Camino del final a la par del sinte
la guitarra arrecia endureciéndose y convirtiéndose en el momento
hard del disco.
I
got rhythm, Segunda y última vez que contamos con la voz de
Wendy en modo melódico-extended. Bella canción adaptada del maestro
Gershwin es elaborada con mimo utilizando un piano eléctrico
afincado en la candidez y unos etéreos tejidos de guitarra acústica.
Cuando el ritmo se pone en marcha aparece finalmente la firma de
Oldfield con la eléctrica en una cadencia ascendente, las campanas
tubulares vuelven a sonar de mano de Sally y así como empezó
acabará hasta que la tecla fija deja de respirar.
No
es ni mucho menos la mejor obra del artista, pero es la demostración
de su capacidad de adaptación en un momento clave, consiguiendo una
colección de canciones que acercándose al torrente comercial que
era demandado, tenga la suficiente calidad para no caer en lo fácil,
no solo eso, si no que además mantenga un pulso permitiendo que su
personalidad quede prendada en cada uno de los cortes. No había
sucumbido, había encontrado otra fórmula, otro idioma, otro medio
de comunicación del que sacará provecho en la siguiente década.
"Complejos y virtuosos incluso para los ya elevados parámetros del rock progresivo, los miembros de Gentle Giant no sólo eran unos maestros en lo suyo, sino también multiinstrumentistas dotados capaces de extraer magia sonora de Diversas fuentes. Su campo de acción, además, era inusitadamente vasto, en su música concurren folk, rock, jazz y un amplio espectro dentro de la música clásica, desde lo medieval (especialmente en las voces), el romántico y el barroco hasta la música de cámara contemporánea"
"El primer gran triunfador de esta moda, sobre todo en los adolescentes de menor edad, fue Adam Ant con sus hormigas. Este grupo representó una revolución en toda la regla, tanto musical como estética, y el slogan "Ant Music for sex people" vendió cientos de miles de copias de su excelente éxito "Kings of the wild frontier".
Los Ants nos brindaban una estética nueva, la de los "nuevos románticos" de encajes pinturas y maquillajes. Adam era un gran fan del glam-rock, heredero de las influencias de los primeros Roxy Music, que ante todo intenta cultivar el sexo adolescente.
Su estilo musical se apoyó en la vieja música tribal, primitiva, de los bailes festivos, y con él apareció la llamada moda pirata, utilizando unas vestimentas de corsarios que parecían salidas de filmes como "El motín de la Bounty", y que ofrecieron sus primeras manifestaciones en el álbum "Prince charming", el disco que contenía su mágico "Stand and deliver".
Roine
Stolt………..….…….Guitarras acústica y eléctrica,
sintetizada, percusión y voz
Hans
Lundin…...….……...Hammond, Mellotrón, piano, piano eléctrico,
sintetizadores, clavinet y voz
Mats
Lindberg……………...Bajo y percusión
Ingemar
Bergman……..….Batería, percusión y voz
1ª
Cara:
-
Den Skrattande Grevinnan
-
Sen repris
-
Flytet
-
Anar Dig
-
Frog funk
-
Visan I sommaren
-
Tajgan
2ª
Cara:
-
Respektera Min Värld
-
En igelkotts död
-
Total förvirring
-
Sist Pà plan
Cuando
por la vieja Europa el estilo estaba ya en decadencia agonizando,
acechado por los nuevos frentes abiertos que soplaban con fuerza
desde las islas británicas, en la península Escandinava, ese mundo
siempre algo distante, una burbuja dentro del continente que siempre
ha viajado a otra velocidad, el progresivo gozaba de buena salud,
aunque todo llega. Después de su segundo y bien recibido título
“inget nytt under solen” dos años atrás, vuelven con más
fuerza si cabe para presentar su tercero “Solo” en plena
crisis musical del Rock, un álbum donde creo que se plasma todo el
buen hacer de esta gente hasta el momento con un Lp repleto de magia
donde se concreta todo lo que habían comenzado en el anterior.
Se
fundaban a principios de década, en 1973 con el nombre de URA KAIPA,
inspirados en el nombre de una novela sueca y su primera trayectoria
llegaría hasta 1982, porque como ya he dicho antes, todo llega, y
también ellos sucumbieron o les hicieron sucumbir sí o sí a las
nuevas corrientes de la new wave, post-punk u otras denominaciones
cajón desastre. Casi dos décadas después en 2000 vuelven con
nuevos bríos y con intención de hacer lo que realmente les gustaba,
es decir progresivo. Y lo van a hacer sin las presiones que tuvieron
que soportar en su primer periplo, publicando muchos más álbumes de
lo que habían hecho hasta ahora, puesto que siguen vivitos y
coleando, de hecho el año pasado registraron su última obra. He
seguido esta nueva etapa, no todo lo de cerca que me gustaría, pero
tienen cosas muy interesantes.
Tomas
Eriksson y Hans Lundin serían los miembros que unieron
fuerzas para crear esta empresa. Eriksson sin embargo dejará la
banda y no colabora ya en Solo, sustituido por Mats
Lindberg al bajo. También entrará en los inicios Ingemar
Bergman un tipo con personalidad a las baquetas y un melenas
rubio barbilampiño, arquetipo de la raza aria a las guitarras, un
muchacho que ha demostrado una profesionalidad y saber hacer
indiscutible desde entonces, poco más se sabe de sus vidas.
Realizan
una serie de festivales al aire libre para darse a conocer y poco
después ya fichan por la discográfica DECCA, en su delegación del
Norte. Consiguen hacerse con uno de los puestos principales de la
secta progresiva escandinava con una fusión de sinfónico (amantes
de Bach) y folclore nacional con clara influencia de grandes de la
nación progresiva como Camel,Focus
fundamentalmente
y pinceladas de Genesis, Pink
Floyd, y rock alemán.
Grabarían
algunos temas en inglés tras su aclamado inget nytt under solen
con la intención de abrir puertas y mercados buscando reconocimiento
allende sus fronteras, pero no calaron, la competencia europea era
muy fuerte, Suecia ha sido uno de los más galardonados en
Eurovisión, pero esto circulaba por otro canal…..nada que ver con
la caja tonta…... y además los productores y técnicos de las
casas discográficas miraban ya hacia otro sitio. En los 80 la escena
progresiva escandinava va a colapsar y con con ella, Kaipa.
SOLO
es concebido en los estudios de Estocolmo tras los mencionados
cambios de formación, aquí entrará a la voz Mats Löfgren
proveniente del grupo Rio-Brazzaville, todo un acierto
puesto que va a imbuir la música de un nuevo espíritu, una mayor
cercanía al oyente y sobre todo expresividad que dota a la obra de
más humanidad, algo que se echaba en falta, de esta manera Lundin
podrá dedicarse en cuerpo y alma a las teclas ya que antes tenía
que liderar también la voz. Debido a la escasa respuesta recibida
tras incluir letras en inglés, vuelven a los orígenes cantando en
su idioma natal ya que en principio el álbum se registró con la
idea de distribuirlo circunscrito a la península Escandinava.
Ya
se sabe lo que dicen las malas lenguas……..Los nórdicos son
fríos, secos, distantes, faltos de sentimiento……..¡tonterías
!, ¡leyendas urbanas!…...aquí demuestran una sensibilidad muy
alta, tal vez tanto que muchas bocas tengan que callar ante este
despliegue de matices y sensaciones.
Esto
promete, en Den Skrattande Grevinnan nada más empezar
a girar en el plato escuchamos a alguien descojonándose, la
diversión está servida. Luego un patrón de guitarra se repite con
un mecanismo clásico de prog introduciéndonos en la melodía que se
abrirá poco después. Nos daremos cuenta enseguida de que la
guitarra de Stolt tiene un hondo protagonismo en todas las
composiciones. Es un estilo que está formándose con una
personalidad singular no explotada todavía, su manera de tocar esta
tremendamente influenciada por otros guitarristas de calibre como
Andy Latimer o David
Gilmour, que pesan mucho en su conciencia, pero se adivina el
potencial existente. A mi juicio quién si muestra gran carácter y
originalidad en este disco es Hans Lundin con un aluvión de
instrumentos de teclado que maneja con su propio arte y que hipnotiza
y nos transporta a su mundo interior generando sensaciones novedosas.
Los
temas se suceden, algunos son solo instrumentales intercalados con
otros cantados en sueco, que oye...no suena tan mal…El sonido de
esta banda tiene una característica especial, y es que suena potente
cuando los teclados caen como graves losas construyendo un manto
grueso, pero a la vez parecen frágiles y delicados dispuestos a que
su atmósfera se rompa en cualquier momento. Sen repris
y Flyet van de la mano y no hay división entre ellos,
parecen uno solo, siendo Flyet la parte instrumental de
ambientación muy cálida y cargada de melancolía en las cuerdas de
Roine.
Anar
Dig es la siguiente, mi preferida, una joya a escuchar con
mucha atención. Una pieza que destila sensibilidad de principio a
fin, la voz es la primera que lo hace, muy expresiva e introspectiva.
Los arreglos de piano son débiles y casi imperceptibles al
principio. La guitarra nos dirige hacia una serie de arpegios lentos
y penetrantes desatando sensaciones que nos inundan y que no pueden
explicarse con palabras.
Con
un aire muy Focus desemboca Prog Funk, una
canción con gran cantidad de percusiones, repertorio de producción
y una guitarra funky simpática, que seguramente da lugar al título.
Teclados oscilantes, etéreos y cristalinos conformando un aire
espacial . Aquí el trabajo del bajo se luce en su parcela.
Nuevamente regresa la introspección en Visa i sommaren
que me recuerda a una preciosa nana, como si la tocasen a un
volumen idóneo, delicadeza y melancolía en la voz, acompañada de
un teclado sinuoso que nos envuelve en una atmósfera recogida y
sensible.
El
último corte del lado corre a cargo de Tajgan, un
instrumental de aires cargados de épica donde Lundin hace un
despliegue de ambientación a través de varios teclados y que se
remata con la guitarra de Roine cuyo resultado suma una estructura
muy floydiana.
Los
temas del otro lado tienen más contundencia instrumental y el cuerpo
de la composición es más denso con una variedad de teclados amplia.
Carga con la caballería Respektera Min Värld con un
ritmo de batería lacerante y unos vivos sintetizadores que nos van
metiendo de cambio en cambio. La guitarra está sintetizada y se une
al grueso de toda la colección, luego se transforma y nos ofrece un
solo de lo más hard que se le va escuchar. La coda es una
espiral de órgano cantada con coros. En igelkotts död
es una instrumental de sonido muy espacial con potentes desarrollos
de los teclados y una fuerte carga épica, guitarra sintetizada y
momentos tenues y cristalinos intercalados para coger fuerza otra
vez. Teclados muy lineales creando capas en un ambiente floydiano.
Con
la guitarra de Roine arranca en escalada Total förvirring,
una de sus mejores piezas, otro trabajo épico que recuerda mucho a
la instrumentación de CAMEL, y en concreto a la guitarra de
Latimer y a la base rítmica, con un magnifico solo que
precede a la explosión de teclado que se produce después, una
delicia musical. Finaliza con Sist Pà plan, que nos
sorprende con la guitarra acústica a modo de introducción
flanqueada por una suave atmósfera y coros para saltar a otro nivel
en la que interviene la guitarra ya eléctrica contenida y que
desemboca en una instrumentación llena de rincones delicados hasta
que se desata la guitarra y entramos en otra fase de sonidos potentes
de abanico de solos de teclados en dialogo con la guitarra
sintetizada hasta pulsar el off.
Un
disco muy completo sin nada desechable que supone un magnífico
ejemplo de lo que se hacía en el norte de Europa con sonido muy
fresco, cuando ya el progresivo se encontraba encaramado a los
excesos y la desnaturalización y por consiguiente al lógico
hundimiento en los países que lo habían visto nacer.
"la revista Other Scenes de Nueva York dice en un informe sobre el trasfondo económico del Festival de Woodstock:
El festival de Woodstock no fue una victoria para la gente; fue una victoria para los negociantes, quienes sacan beneficios económicos explotando la cultura juvenil....Ya no necesitamos festivales de rock de varios días de duración y entradas carísimas, esos festivales del amor que se transforman en festivales de beneficio."
En su libro Woodstock Nation, Abbie Hoffman dice del festival de Woodstock: ¿Fuimos peregrinos o moribundos? ¿Fue aquello el principio de una nueva civilización o el síntoma de una moribunda? ¿Estuvimos a punto de crear una zona liberada o de penetrar en un campo de concentración?
"En el MIDEM de 1979, celebrado en Cannes, Jarre realiza un espectáculo en La Croisette a base de música, pirotecnia y proyecciones. Con esta experiencia, a Jarre le entran más deseos aún de hacer un espectáculo visual y sonoro en París para la fecha del Equinoccio, el 21 de marzo, a las orillas del Sena. Sin embargo, los promotores no ven con buenos ojos las excentricidades de Jarre y cancelan el proyecto.
Nuestro protagonista, decepcionado, les ofrece su concepto de espectáculo a los ingleses. Poco después, el concejal de turismo, Jean de Prëamount, se entera de ello, y en seguida se pone en contacto con Jarre y le dice que en qué sitio de París quiere hacer su espectáculo -de sobra conocida la enemistad entre británicos y franceses-, Jarre, ni corto ni perezoso, elige La Place de La Concorde para el evento.
Tiene en mente hacer una ópera multimedia cuajada de música, láseres, proyecciones y pirotecnia, siendo la fecha elegida el 14 de julio de 1979, el día de la fiesta nacional francesa. En seguida Francis Dreyfus y Jarre se ponen a trabajar para conseguir los permisos burocráticos necesarios y el dinero preciso para poder sacar el show adelante. "
(The Watcher. JJ Tobal Cayuela, J. Moragón y A. G. López)
David
Pack…………………...…Guitarra, teclados y voz principal
Christopher
North…….…….Teclado y voz
Joe
Puerta….………………....Bajo, voz principal
Burleigh
Drummond………..Percusión, fagot, voz
1ª
Cara:
-
Nice, Nice, Very Nice
-
Time waits for no one
-
Holdin’ on to yesterday
-
World leave me alone
2ª
Cara:
-
Make us all aware
-
Lover arrive
-
Mama frog
-
Drink of water
No
fue hasta cuatro años después de su creación que este cuarteto
californiano diera lugar a su primer álbum debutando por todo lo
alto con una obra sólida y madura como es esta. Esos años atrás en
que convivieron les sirvió para ir acumulando conocimientos,
analizando el panorama Rock que les rodeaba, absorbiendo y
aprendiendo de los distintos estilos que bullían apenas iniciada la
década. Descubiertos por fortuna nada menos que por el Director de
la Filarmónica de Los Ángeles Zubin Mehta, incluso los
incluyó en el concierto All American Dream concert. Esto
sucedía en 1971, cuatro años antes de tener un reconocimiento
dentro del mundo musical.
En
los ambientes underground de los grupos de L.A. despiertan admiración
del público con interés en el Rock progresivo. Sus influencias
serán Beach Boys,
King Crimson,
Beatles…..pero
yo con quién más semejanzas me parece que entroncan es con Yes.
En mi opinión el espíritu de Anderson y compañía está
constantemente presente flotando en el ambiente y dejando huella en
gran parte de las estructuras de las composiciones con elementos y
recursos característicos de los británicos. La
manera de trabajar las voces, el ritmo de batería en conjunción con
el bajo….los dúos guitarra, bajo…..los tiempos….no se, me
suenan a los británicos.
A
consecuencia de la interviú
con Zubin Mehta
tuvieron una audición para Help Albert,
¿Quién es este señor?, pues nada menos que la A de A&M
Records. El resultado de
la presentación fue algo agridulce, no estuvieron muy acertados, se
les convocó para un segundo intento donde mejoraron, pero no será
con esta compañía finalmente con quién fichen sino con la 20
th Century Fox Records.
Seguidamente se ponen manos a la obra y comienzan a grabar a finales
del 74 su homónima opera prima con un resultado más que bueno. En
la configuración va a participar como ingeniero y productor Alan
Parsons que todavía no
se había puesto a trabajar para salir a los escenarios con su banda.
Sorprendido por la calidad de los músicos llegó a decir “es
rock americano que suena como el inglés”.
Así
pues, estaban convergiendo en la creación varios elementos a la vez
que podían anticipar y garantizar un gran éxito. Unos músicos muy
profesionales y con unas voces a cual mejor, un productor e ingeniero
de alcance, el gusto por las armonías vocales siendo admiradores de
Crosby, Still, Nash and Young, y la necesidad y
capacidad para hacer una música ambiciosa instrumentalmente
hablando. El nombre que acabaron atribuyéndose, AMBROSIA, que
significa “néctar de los dioses”, no es fruto de la
casualidad, sino fiel reflejo de lo que presentarán.
La
primera impresión que transmite su sonido es frescura, después de
esto la profesionalidad, sobriedad y madurez que comprenden los temas
del disco. Las armonías vocales inundan las canciones y con razón,
puesto que son magníficas todas ellas y la voz llega a convertirse
en un instrumento más de la orquesta. Los entramados instrumentales
de las composiciones son intrincados, más aún por los cambios
constantes de ritmo que se producen en muy poco espacio de tiempo,
apenas permiten que se genere una estructura melódica que consigamos
memorizar.
Sin
embargo la riqueza melódica es tremenda, el despliegue de
instrumentos es enorme, proporcionando con ello un constante
movimiento de innovación en la pieza que corresponde. Es música
condensada por el trabajo que se observa en su creación, aporta
volumen y cuerpo, compases recargados con barroquismos de guitarra,
pero no supone pesadez ni tedio en ella.. A todo esto, hay que
sumarle la variedad y labor de los arreglos, que son muchos y como en
todo buen grupo progresivo de la época la incorporación de sonidos
de nuestro mundo diario que hacen que entremos ambientados y con más
profundidad en la música que nos están ofreciendo, la sombra de
Alan Parsons es alargada y de una calidad garantizada.
Aunque
Parsons dijese aquello, no terminan de sonarme como los grupos
de estilo británicos, si que es posible que haya un acercamiento,
pero percibo en este disco el espíritu americano, una atmósfera más
accesible y festiva, menos introspectiva como suele ser
característico en bandas del nuevo continente, falta la flema más
oscura y trascendental de los ingleses. Podrían asemejarse a una
combinación de Rock de bandas próximas como Starcastle y
Kansas.
Disco
repleto de buenos momentos, Nice, Nive very Nice es un
buen comienzo para engancharnos al tren, una pieza que podría haber
servido de lanzamiento en las emisoras de radio con un rock prog que
bien puede bordear el soft Rock o el pop Rock de manera que puede
interesar a un mayor número de oyentes. Gran variedad de cambios
rítmicos en la melodía con unos arreglos brillantes que no se si lo
son o simulan de viento a través del sinte. Luego sigue con Time
waits for no one, otro corte interesante que incorpora
recursos estilísticos, un bonito juego de voces, buen dialogo
guitarra-bajo y explosividad en la ondaYes. Uno
de los platos fuertes es Holdin’ on to yesterday, que
nos sumerge con un bonito groove, muy sinfónica con arreglos
magníficos de cuerda y piano, vistosos coros nuevamente por parte de
todos los componentes como eje protagonista, una producción
elaborada con mimo y un órgano comedido que en algunos instantes
llega a realizar barridos. Para finalizar una cara lo hacen con World
leave me alone, una pieza con vena rockera donde la guitarra
se erige elemento principal, se muestra más agresiva de lo habitual
en algunas partes y la melodía se reduce en pos del sentimiento más
sencillo del espíritu rock.
Arrancamos
con Make us all aware el descanso; surge de la
oscuridad un fresco piano que aletea durante todo el tiempo y que
trabaja en los arreglos sutilmente en un trabajo sin fases
instrumentales ambiciosas. Se combina con otros teclados que aportan
un aire retro a la pieza, similitud a un clavicémbalo o un clavecín.
Las voces como siempre son fundamentales. Sin dejar morir la anterior
empalma con Lover arrive otra joya en forma de balada
que elige una melodía preciosa en la que se pueden explayar a sus
anchas las fantásticas voces y coros con una inspiración de piano
cautivadora. Un poco de intimidad a disfrutar en silencio.
Tal
vez es en Mama frog donde podemos detectar cierto
acercamiento a sus venerados Crimson aportando formas libres y
más experimentales en su creación, aunque yo denoto también
cercanía con ELP. Es aquí donde encontramos ambientes muy
diferentes unos de otros, incluso se puede hablar de posible
improvisación dirigida con pasajes instrumentales más disonantes y
alejados de las melodías que suelen presentar incorporando
instrumentos muy variados. Todo esto forma el cuerpo central de la
composición, luego retorna a la melodía inicial en una estructura
circular para terminar de forma cortante. Cerramos el espectáculo
con Drink of water, posiblemente la que más
progresividad encierra hablando en términos de estructura clásica
del estilo. La más épica de todas con un trabajo instrumental muy
potente y ambicioso por parte del órgano y sintetizadores varios.
Producción fantástica que me recuerda enormemente a otras de
Kansas.
Una
delicia de disco a tener en cuenta por todos aquellos que aman el
prog y también por aquellos que no tanto, y es que no se debería
clasificar de ninguna manera aunque lo hagamos, porque cuando la
música es buena no importa nada más.
