"Yes, como Moody blues, eran realmente pobres, y vivían en apartamentos contiguos en Munster road, en el barrio londinense de Fulham. Su bajista, Chris Squire, se pasaba más tiempo en el baño que ensayando, así que se le puso el apelativo de 'el pez', que más tarde haría famoso en el triple álbum en directo Yessongs, con un excitante solo de bajo distorsionado.
Sus primeros pasos de cara a público estuvieron en el mítico Royal Albert Hall, teloneando ni más ni menos que a los casi fenecidos Cream."
"Dylan ha sido uno de los grandes protagonistas de la historia, por su versatilidad, su ambivalencia, su misterio, su leyenda y sus canciones. Pero en 1964 sucedió algo que le hizo cambiar de raíz.
Un día iba en coche por el Oeste americano y escuchó cantar a los Beatles. Más aún: las cinco primeras canciones del ranking USA era suyas y ocho estaba en el top 10. Él, que quería ser 'más grande que Elvis', descubrió que no podría ser más grande que los Beatles"
Deff Ballin.........................Teclados
y percusiones
Dieter
Kumpakischkis............Teclados
Fred
Teske.........................Batería
Karl Heinz
Hamann...............Bajo, percusiones
Jürgen
Grutzsch..................Guitarra y percusión
1ª cara:
- Fight back
- City by the sea
- White ships and
icebergs
- Seaside evening
2ª cara:
- Take what's yours
- Eagles
- No more time
Tras un periodo de dispersión de
la banda, con intentos abandonados por parte de su fundador de adentrarse en
derroteros musicales muy alternativos, terminarían centrándose y grabando en
una serie de 3 sesiones en 3 años, del 76 al 78, su único y homónimo álbum,
todo un parto doloroso, que no serviría de mucho. 1979 es uno de los peores
años para publicar sinfónico dentro de la vorágine que está surgiendo en la
cultura rock, y además un sinfónico anclado en estructuras ya desfasadas que
habían sido creadas años atrás. La poca acogida que tuvo fue suficiente para
que el grupo no quisiera seguir adelante, una auténtica pena porque el disco
contiene bastante calidad.
Se puede decir que son primos
hermanos de ELOY, con una
personalidad que se corresponde con todas aquellas aventuras que realizó una
buena hornada de formaciones alemanas con la etiqueta de "Krautrock",
pero con aspiraciones sinfónicas. Y es que además de compatriotas, el estilo de
TIBET es calcado al de Bornemann y
sus chicos, aunque menos espacial y olvidando el aspecto psicodélico.
Su inclinación es nítida,
dominio absoluto de los teclados con variedad de instrumentos en acción que los
acerca a paisajes de electrónica progresiva, de hecho son 2 los miembros que se
ocupan. Superposición de capas que crean una amplia y densa textura rica e
interesante donde el mellotrón tiene su espacio, un sonido directo, muy lineal,
nada de complejidad, excesos o recargado y unas melodías muy reconocibles.
Largos desarrollos que labran los temas conformando la sustancia del cuerpo
principal, acordes prolongados en compases claros y limpios.
Música sin recovecos ni intentos
de viajes a lugares poco explorados en busca de un sonido único e irrepetible,
que les confiera una identidad específica. Armonías sencillas sin acordes
extraños, tensos o atonales, donde la guitarra se ocupará más de participar en
patrones de fondo que de un cierto protagonismo, funcionando muy sinfónica en
concordancia con los teclados. El pulso y el tempo de las composiciones está
guiado por un bajo que actúa con una similitud tremenda a lo escuchado en ELOY, marcado, en tensión y contundente,
convertido en punto cardinal de origen.
En definitiva, un todo que nos ofrece dinamismo,
efectos, vertiginosidad, atmósferas expansivas y momentos sublimes donde, yo
creo, que destaca por encima de todas, "Eagles"
que condensa todo lo dicho anteriormente.
"George Harrison fue posiblemente el primero en utilizar el sitar en un disco pop. En su composición Love you too (contenida en el LP Revolver, producido por los beatles en 1966) utilizó por vez primera el instrumento hindú.
A partir de entonces, para sus producciones musicales necesitaba a menudo músicos hindúes, muy difíciles de localizar en Londres. Pero ahora ya está capacitado para explicarles lo deseado con ayuda de notas hindúes."
"Zeppelin era y será siempre la banda de Jimmy Page. A diferencia de los Stones, los Beatles o los Who, este grupo británico no tuvo nunca productores ajenos en el estudio de grabación. Page era el productor y el compositor principal, el arquitecto, el supervisor de mezclas, el líder. Pero la banda no empezó como Led Zeppelin.
En mayo de 1966, Page se unió a su amigo Jeff Beck para formar parte de los Yardbirds. A pesar de 'For your love' del grupo, el recién llegado no era consciente del cariz que iban a tomar las cosas.
El tan cacareado ataque de doble guitarra de Page/Beck tuvo una vida corta porque en octubre de 1966, Beck se retiró a mitad de la gira por EEUU con la Caravan of Stars de Dick Clark, dejando a Page como líder."
Rick van der
Linden........Mellotrón, sintetizadores, piano, hammond, clave, pianola,
etc.
Jaap Van
Eik.................Bajo, guitarra, voz
Ian
Mosley....................Batería, percusiones,
1ª cara:
- King Bird
- Birds (Short edit)
- Tabu (Second
version)
2ª cara:
- Bourreé
- Snuff
- Janny(In a mist)
- Opus 1065
- Penny
- Trixie-Dixie
Power trío originario de la
vieja Holanda y perteneciente a esa raza de bandas en las que se incluyen THE NICE, ELP, TRIUMVIRAT....etc, es
decir absoluto dominio de los teclados con abundancia de sonidos
correspondientes a diversos instrumentos de la familia. Composiciones muy
elaboradas y cambiantes en los que el lucimiento personal del teclista es
patente y la mayoría de las veces exagerado, llegando en algunos casos a un
límite que se interna en el egocentrismo, la verborrea y la pura borrachera a
manos del aparato.
El caso que nos concierne no
llega a tales extremos pero si es cierto que en ciertas fases de las composiciones,
se le va la mano y la aceleración produce un efecto que roza lo excesivo,
aunque normalmente en cuanto se observa una frase demasiado cargante tienden a
darle de lado o terminar el discurso.
Se formó tarde ya en los 70,
engendrado por los hermanos Van der Linden, que aunque eran familia en realidad su
origen era de bandas holandesas distintas. Rick fue el auténtico fundador de la
empresa, se trataba de un Ex-EKSEPTION, su hermano Pierre, se le uniría, un Ex-FOCUS, aunque no tuvo continuidad en
este 2º álbum y fue sustituido por Jaap Van Eik, un Ex-SOLUTION que se ocupó principalmente del bajo. La batería sería
asumida por un joven Ian Mosley, que
más tarde se le conocería como el hombre de las baquetas al frente de MARILLION, un grupo que renovó los
votos del progresivo en los 80 y que terminaría siendo una gran influencia para
muchos otros. Por último mencionar también la colaboración de un mago del
violín, Darryl Ways, que terminaría
por crear su propia banda y cuyas intervenciones dentro de algunos temas son
interesantes y se agradecen.
Por tanto no estamos tratando
con desconocidos ni con novatos. En cierta manera es un Supergrupo, dado el plantel que lo integra, y eso se observa en la
música compuesta. La elaboración es concienzuda y está sumida en la melodía
clásica de grandes intérpretes del barroco, un aspecto que denota una fuerte
atracción por las sinfonías recargadas de BACH.
Rick es un enamorado de la época, e incluye en el disco interpretaciones con
clave y pianola en el conjunto de los largos desarrollos a que habitúan a
ofrecernos estas formaciones en triada. De hecho "Opus 1065" es una adaptación de un clásico y su
expresión y puesta en escena es reproducida con una fidelidad casi exacta.
Estamos ante una obra de rock sinfónico sin ningún género de dudas, el peso de
los trabajos de Rick Van der Linden en EKSEPTION es copioso.
Un trabajo ágil,
diverso, que nos mantiene alerta con variaciones constantes dentro de suites
complejas, saturadas pero sin llegar a cansar, donde Rick se lleva la mayor
parte del protagonismo dejando espacio al violín de Darryl, la guitarra de Van
Eik se escucha con más presencia en la 2ª cara con un sonido muy paralelo al de
Jan Akkerman en FOCUS. Una sólida formación que no llegó a alcanzar las mieles del
género, pero que no tenían nada que envidiar a los que terminaron siendo
emblemáticos.
"Jethro Tull, fue una de las formaciones con la que YES coincidiría en una gira de conciertos en los Estados Unidos: Vi a Ian Anderson, era muy bueno. Lo veía todas las noches. Me dí cuenta de que el objetivo es adoptar una postura en el escenario. Se tiende a hacer lo mismo todas las noches. Como una rutina. Es como el teatro. Yo sabia al escenario y hacía lo que sabía, aporreaba la batería, meneaba las maracas o le daba a una pandereta plantado en el escenario. Estaba en medio de toda esa música y no dependía de mí proyectarla. Pero cuando vi a Ian Anderson fue genial. Era un maestro. Tenía a todo el mundo por detrás y era fácil de entender. Creo que Yes, como grupo, lo entendió y cuando salimos al escenario cada un desempeñaba su papel."
"King Crimson no es un grupo como los otros, sino una especie de taller de creación colectiva, donde cada cual puede ir si tiene necesidad de aprender, más allá de sus hábitos. Si Fripp viene a proponerte tocar con la banda, es algo que no se puede rehusar. "Palabras de Bill Bruford que definen a uno de los grupos más extraños del rock de la década de los 70"
Tony Duhig......................Guitarra
eléctrica
John Field........................Flautas,
congas, percusiones
Glyn
Havard....................Bajo, guitarra acústica y voz principal
Allan
Price.......................Batería
David Duhig.....................Guitarra
principal invitado en 2 temas
1ª cara:
- A winter's tale
- Snake
- Dark river
- Joanne
- Obedience
- Morning hymn
2ª cara:
- May queen
- the demon trucker
- Lady of the lake
- Borne on to the
solar wind
Una de las pocas bandas dentro
del progresivo cautivada absolutamente por la música tradicional japonesa,
hasta el punto de ponerse de nombre una referencia nipona inconfundible y arraigada
como es la del guerrero "Jade" . Las portadas de los Lp's muestran
también esa influencia con dibujos y pinturas inspirados en su arte. No solo
tienen cabida las influencias orientales, incluyendo instrumentos clásicos del
país del sol naciente, también hay sitio para ritmos y percusiones de origen
africano y países caribeños ("Dark
river"/"Obedience"....), por supuesto el pop británico
coetáneo se deja notar a través del mito BEATLES,
descubriendo instantes que nos alertan en cortes como "A winter's tale", con un estribillo que se repite en la
última parte, cuya estructura recuerda poderosamente al estribillo inserto en
bucle en "Hey Jude" de los
escarabajos. Hay lugar para los sonidos orquestales en "Borne on tothe solar
wind", inspiración e improvisación en jams libres ("Snake" y "Dark
river") e incluso cierta dureza en las cuerdas de la guitarra en "Snake".
"May
queen" es representativo de la línea que se convertirá en tónica en
posteriores álbumes, una pieza de carácter ambiental que revive la música
oriental de los ancestros en la que dominan los aspectos relajantes y la
quietud, inherentes a la filosofía de la sociedad tradicional japonesa.
El elemento contradictorio a
todo esto, que rompe y desgarra de alguna manera esa delicadeza musical es la
guitarra de Tony Duhig, poniendo la nota ácida y agresiva en la mayoría de sus
intervenciones desgarrando los temas. Se muestra ruda, dura y primitiva creando
un efecto contrapuesto que resulta extraño y a la vez mágico.
La voz se acomoda a las circunstancias
y se acopla perfectamente a la espiritualidad que rezuma la música, una música
intimista, reflexiva, ecléctica y bucólica donde la flauta travesera juega un
papel fundamental para producir esa esencia mística que se respira.
"La aparición de los Stones y su leyenda de rebeldes labrada en pocos meses les convirtió en los enemigos públicos número uno. La frase ¿Dejarías a tu hija casarse con un Rolling Stone? se hizo famosa.
De pronto, los Beatles eran los limpios y ellos los sucios. Cuando eran detenidos por orinar en público, se les tildaba de gamberros y nadie prestaba atención al hecho de que en ese lugar no les hubieran querido dar la llave de los lavabos. Fueron multados con tres libras y quince guineas por cabeza. La respuesta de Mick fue que Iba a apelar al Supremo. Esto, en 1965 y en la puritana Inglaterra, tan tradicional y de pronto espectadora atónita de todo lo que sucedía con la nueva música. "
"En ese momento tomo una decisión repentina, y en un frenesí demente vuelvo a arrojar una y otra vez la guitarra contra el techo. Lo que antes era una simple fractura, ahora es un astillado estropicio. Sostengo la guitarra ante el gentío con gesto triunfal. No la he machacado: la he esculpido para ellos. Despreocupado, arrojo la guitarra hecha añicos al suelo, agarro una Rickenbacker nueva de doce cuerdas y prosigo el espectáculo.
Aquel martes por la noche di con algo más potente que las palabras, algo más emotivo que mis tentativas de chico blanco por tocar blues. Y como respuesta recibí la unánime aclamación del público. Algo así como una semana más tarde, en el mismo local, me quedé sin guitarras y derribé la pila de amplificadores Marshall.
Poco amigo de quedar en segundo plano, Keith Moon se sumó a la fiesta pateando su batería. Roger empezó a raspar el micrófono contra los platillos quebrados de Keith. Algunas personas contemplaron la destrucción como un ardid publicitario, pero yo sabía que el mundo estaba cambiando y estábamos mandando un mensaje. La vieja manera, convencional, de hacer música ya nunca iba a ser la misma."
Esta obra que tratamos es una de
esas en la que se consigue reunir a todo un regimiento de músicos para la
ocasión, que casi siempre es idea y empeño de uno de ellos,que a base de empuje y motivación logra
cumplir con su sueño, plasmar sus composiciones a lo grande. Una congregación
de tal volumen, la mayoría de las veces, es artificial y como nos ha enseñado
la historia, su duración es muy limitada.
Aquí el iluminado de turno fue Michael
Cassidy, poco conocido en el panorama del momento, aunque hay que reconocer que
realizó un trabajo sobresaliente, pulcro, perfeccionista y lleno de
composiciones que brillan, más que nada, por toda la labor que encierran en lo que se
refiere a orquestación y arreglos, y también las constantes texturas que tejen
las voces con momentos fantásticos. Brillantes y abundantes intervenciones a
través de instrumentación de viento, son uno de los secretos que hace que la
formula resulte exitosa.
El disco gira en torno a la
temática espiritual, se podría decir que se trata de un álbum conceptual, con
letras trascendentales que siempre hacen referencia a la materia , ya que
Michael está totalmente imbuido de las creencias hinduistas, y es algo que nos
va a acompañar en todo el viaje.
La música resulta excelente, a
pesar de estar envuelta en una vorágine de instrumentos, orquesta de cámara y
arreglos de todo tipo, no resulta excesiva, aunque sí es cierto que goza de
pomposidad en muchas ocasiones. Se mezclan fases o episodios solemnes, sobrios
y grandilocuentes con otros íntimos, distendidos que incluso resultan muy
inocentes, como si de un cuento se tratase.
El sonido en muchas ocasiones y
debido a los arreglos completos de secciones de metal parece estar dentro de
los patrones del funk o el soul pisando de vez en cuando territorio de jazz,
pero siempre dentro de una aureola de sinfonía con fuegos de artificio en la
que proliferan violines, guitarras acústicas, flautas, etc.
No hay que olvidar que la banda
es americana y eso suele acarrear implícitamente en la mayoría de los casos de
este tipo una cierta accesibilidad en la escucha, una dosis de comercialidad y
corrección que en este lp no impide buena calidad de las composiciones, pero es
justo decir que se echa de menos algo de energía.
La música de GOLDEN AVATARse puede asimilar a unos MOODY BLUES ya talluditos, o unos RENAISSANCE
en sus momento más líricos.
"De todos los integrantes de la formación original de 1968, el único que ha sobrevivido en la actualidad es Chris Squire, en la enésima de refundación del grupo.
En palabras del espigado bajista, 'La idea era convertirse en un grupo con un gran respaldo instrumental y una voz muy poderosa'. Esa voz no sería otra que la de Jon Anderson, quien ha sido el segundo (tras Squire) en registrar un mayor número de presencias en las incontables alineaciones de Yes,
ya desde un álbum de debut que serviría para ir diseccionando las habilidades de una banda que trataba de distinguirse dentro de un panorama musical británico invadido por los efectos de la psicodelia al que había sucumbido, entre muchas otras formaciones, The Syn."
"Sandie Shaw alcanzó fama europea gracias a su victoria en el festival de música melódica Eurovisión 1967. Con la institución de este festival, los empresarios del mundo del espectáculo, comerciantes y hombres de la televisión querían oponer a la música joven una lucrativa moda de canciones al estilo de nuestros abuelos."
Jean M. Jarre..........................Órgano,
sintetizadores, teclados, farfisa, mellotrón, programación rítmica.
1ª cara:
- Oxygene I
- Oxygene II
- Oxygene III
2ª cara:
- Oxygene IV
- Oxygene V
- OxygeneVI
Jean Michel, francés, hijo del
que sería famoso compositor para películas de gran envergadura en Hollywood, Maurice Jarre, al principio siguió un
poco los pasos de su padre. Sus primeros escarceos con la electrónica recaerían
en piezas cortas para anuncios y cuñas. Experimentación por los 4 costados,
nada que se le parezca a su posterior trayectoria. Tras un buen montón de
rarezas consiguió dar música a un film, algo que paso bastante desapercibido
pero que significó de alguna manera su debut en el ruedo. Hasta que se sentó en
el cuarto de estar de su casa rodeado de aparatos electrónicos de toda clase, y
la lió parda, dando lugar a un engendro maravilloso y artesanal que todavía tiene
vigencia. Un revulsivo dentro del mundo de la música electrónica que supone una
nueva vía, un nuevo formato lejos de la escuela alemana que sentaba cátedra ya
hacia unos años.
"Oxígeno", es como
dice "un balón de oxígeno".
Una forma distinta de afrontar la electrónica que al igual que la doctrina
alemana, también recoge de alguna manera una forma de sentir de la sociedad.
Así como los germanos estaban anclados en la oscuridad, la obsesión, la
mecánica, como reflejo de un país que tiene que salir adelante, olvidar,
reconstruir, asumido en las vidas de sus músicos desde niños, Jean Michel
también nos muestra esos años de contacto con los emigrantes de las colonias
del Magreb de su infancia y juventud traducido en ritmos y sonidos de raíz
étnica que inserta (Oxigeno V y VI)
dentro de sus composiciones, en los años 80 todavía será más explicito en su
álbum "Revolutions"
La música de este Lp es muy
ambiental , envolvente, fresca. Consigue transmitirnos la idea de expansión, espacios
abiertos, limpios, sensaciones gratificantes, con el sonido del mar como
elemento que fluye a lo largo de toda la obra. Sus influencias entroncan con
autores clásicos (Bach), con coetáneos como VANGELIS y con sonidos de raíz árabe. Por supuesto para lograrlo
utiliza todos los instrumentos puestos a disposición en el mercado:grabadoras, programadoras, osciladores, etc.,
creando los típicos bucles y pregrabaciones.
El acercamiento a sonidos más
accesibles es evidente. Las melodías son fácilmente reconocibles pero están
envueltas en una masa esponjosa en constante movimiento que le otorga esa
performance interesante y atractivo que te atrapa. De hecho "Oxigene IV", que es la parte más
conocida, apareció como single, y le valió para salir del anonimato con una
gran aceptación. El origen latino de su
persona pesa y se demuestra en los ritmos escogidos, opuestos a la frialdad y
falta de alma de las piezas de grupos como TANGERINE
DREAM, KLAUS SCHULZE, ASH RA TEMPLE, etc.
La experimentación o tal vez
improvisación no llega a las cotas de los Teutones. Jean Michel indaga más bien
en buscar como plasmar sus inquietudes, en hacer partícipe al espectador, en
comunicar, en conectar. Para ello elige estados que nos son reconocibles. En
"Oxigene VI", el último
episodio, nos muestra un mar de olas agitadas que van y vienen, cada vez más
profundo, hasta conseguir que ese vaivén se convierta en una inspiración y
expiración correspondientes a la respiración humana.
Se puede catalogar de obra
conceptual, que se convertirá en inspiración para muchos otros músicos dentro
de la disciplina.
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/A-403898-1403264217-4823.jpeg.jpg)
