Cleem Determeijer
..........Órgano, mellotron, grand piano, sintetizadores
Peter
Vink......................Bajo
Beer
Klaasse...................Batería
1ª cara:
- Register Magister
- Paradoxical moods
2ª cara:
- Pisces
- A Bridge to Alice
Nuevamente
otro filón salido de la escuela holandesa que tantos buenos grupos a dado a
este género del rock. Sus miembros venían ya curtidos de otros proyectos
inmersos en la escena progresiva, así comienzan su andadura algo tarde , 1975
cuando la puerta del sinfónico progresivo se está cerrando poco a poco. De
hecho llegarían a dar vida a 3 LP's hasta 1977, cuando ya en plena crisis con
el punk empujando darían por terminado el partido.
Su
primer disco muestra una madurez por parte de los músicos fuera de dudas, son
profesionales y conocedores plenos cada uno de su instrumento. Nos presentan una obra totalmente
instrumental, concienzuda, elaborada, muy barroca en su concepción con una
guitarra que dibuja arabescos a velocidad de vértigo. Densa y comprimida se
muestra bajo un espíritu libre, basado en la fusión y el Jazz con influencias
de otras formaciones como CAMEL , en sus primeros estadios (Register Magister)
o formas guitarrísticas de unos YES evolucionados, y de unos paisanos suyos que
obtuvieron un éxito importante, como son FOCUS.
"En agosto del 75 se metieron en las instalaciones de A&M en Los Ángeles para grabar su cuarto disco, que originalmente se iba a llamar Second offense. Sin embargo, cuando un par de meses después llegaron a Inglaterra para terminarlo en los Ramport Studios y descubrieron que el país vivía un momento nada boyante, pero que la gente se lo tomaba con cierta ironía y distanciamiento propios de los setenta, decidieron adoptar una frase que leyeron en la prensa, donde un ministro del gobierno de su majestad se defendía de loas acusaciones de mal gobierno con una frase que les resultó antológica: "Crisis? What crisis?". Y así se quedó para la historia. No sabemos si sus electores se quedaron más tranquilos con sus declaraciones, pero Supertramp la convirtieron en una de las muletillas más recordadas de aquellos tiempos."
("Supertramp y los grandes magos del sonido de los 70")
"Jim McCarty: El con problema con Sonny era que no sabíamos que tema iba a tocar hasta que empezaba a hacerlo. En los ensayos era muy ordenado pero, cuando empezaba el concierto tocaba los temas en el orden que le venía en gana y, a veces, temas que nunca habíamos ensayado"
Neil Schon .....................Guitarra
principal
George
Tickner...............Guitarra rítmica
Ross
Valory......................Bajo, piano
Aynsley
Dunbar.................Batería
1ª cara:
- Of a lifetime
- In the morning day
- Kokhoutec
2ª cara:
- To play some music
- Topaz
- In my lonely
feeling/conversations
- mystery mountain
Rollie y Schon núcleo
fundamental de esta formación, después de trabajar en algunos discos con la
banda de SANTANA, parten en busca de
su propio objetivo. Y tras un periodo de creación y consolidación con otros 3
miembros, entre ellos Dunbar, que llegará a ser un reputado batería, aparecen
con este álbum iniciando un periplo más que fructífero. En 1975 el género del
rock progresivo había pasado sus momento culminantes y empezaba a entrar en
barrena, los dinosaurios habían exprimido el estilo y ahora vivían estancados sacando
LP's sobredimensionados sin aportar nada nuevo.
Mal momento para iniciar un
proyecto progresivo, JOURNEY en sus 3
primeros redondos va a ser castigado por la crítica sin apenas reconocimiento.
Algo injusto porque aunque esa disciplina estaba muy trillada, la música tiene
calidad y comprende a unos músicos preparados. Paradójicamente después de
abandonar tanto Rollie como Schon, el grupo dará un giro hacia terrenos más
agradables al gran público, el sonido perderá creatividad, se volverá más
sencillo y fácil de asimilar entrando en vías de lo que se llamaría AOR, Rock
orientado a Adultos. Entonces comenzarían a conocer las mieles del éxito.
"El siete de junio apareció una crónica en el diario Los Angeles Times que decía: "El nuevo King Crimson que Robert Fripp reuniera en 1981, es el único grupo de primera clase que existe en el rock progresivo de nuestros días, y el único que permanece fiel a sus raíces de los qeu se movieron en la década de los setenta. Emerson Lake & Palmer están muertos, y desde luego eso no supone una gran pérdida. Genesis han sido decapitados y se dedican en la actualidad a hacer canciones de amor. Yes han elegido un rock con elementos progresivos pero sin aportar nada nuevo. Así que hoy en día Genesis o Yes son capaces de llenar grandes auditorios y King Crimson solo la mitad de otros reducidos, pero ofrecen lo mejor del estilo."
(Robert Fripp & King Crimson: Música de alto riesgo)
"Una vez la gente supo que estamos buscando un nuevo cantante, recibimos cintas de todas partes. Solíamos ver a dos o tres personas por día mientras estábamos componiendo A trick of the tail, y mientras las probábamos, Phil a menudo cantaba la melodía para enseñársela, y de hecho cantaba mucho mejor que estos tíos. Pero, bueno, seguía siendo el batería -no iba a querer hacer nada más, ¿verdad?-. Siempre habíamos pensado que Phil podía cantar un par de baladas como Mad Man Moon y Ripples, porque sabíamos que lo podía hacer, pero nunca creímos que pudiera cantar nada de más enjundia."
Originarios de Newcastle,
Escocia, llegan con su único álbum bajo el brazo, un trío que hace un
progresivo duro, con pegada, en la línea de grupos del momento como
STEAMHAMMER, T2, TRACTOR con influencias del sonido Canterbury o de un
krautrock que emergía como la espuma en Alemania. Realizan una música variada y
a la vez compleja, difícil de seguir,
sin ninguna concesión al público, realizando lo que más les apetece.
Se produce una alternancia en
los temas en los que por un lado proliferan las guitarras acústicas generando
un ambiente cálido, pero a su vez inesperadamente aparecen cambios de ritmo
brutales, tajantes, de forma que no es fácil reconocer los patrones o las
melodías nada sencillas. Y en otros momentos el sonido entra en sendas más
duras con un aumento del peso, desarrollando panoramas más eléctricos y
potentes en los que el bajo es muy contundente y bombardea sin cuartel
retumbando en los oídos.
Composiciones difíciles de
asimilar en una primera escucha, sin una tendencia clara, donde podemos
disfrutar fragmentos de una fuerza vital importante, pero al final, tras haber
consumido el vinilo se echa en falta algún corte que destaque sobre todos los
demás, algo que lo identifique, que inculque una marcada personalidad.
Subrayar el tema "And I
love her" propiedad de Lennon y McCartney que se reconoce en sus primeras
frases , pero que luego difuminan llevándolo a su terreno y haciendo de él un
ejemplo de progresivo.
"La barra libre para los grupos compensaba lo poco que nos pagaban. Con las temperaturas veraniegas de Nueva York y un techo bajo, la atmósfera era intensa. Dejándose llevar por un arrebato de creatividad como percusionista, y quizá también debido al acuerdo con el bar, Roger se hizo algunos cortes desagradables en sus manos lanzando vasos al gong durante . Tras su altercado con el bajo Vox en el Cheetah Club en nuestra primera gira, parecía que derramar sangre en Norteamérica se había convertido en una costumbre."
"Una nueva tendencia apareció a mediados de los años sesenta: los Beatniks. el movimiento viene de los Estados Unidos, más exactamente de una determinada colina de San Francisco, donde viven algunos poetas que se habían dado ese nombre -generación golpeada, pero también generación de la beatitud-. Por desgracia, los que en Europa siguen a su vez ese camino y adoptan el nombre, no suelen conservar más que el primer sentido, por lo menos en sus principios. Un aspecto general ultra-descuidado, un desapego soberbio con respecto a todo comportamiento social, un rostro a menudo desquiciado, debido o no al abuso de ciertos productos ilícitos, generalmente alucinógenos, hace que muchos les rechacen aún más que a los rockers. A muchos les dan miedo porque, si de los rockers se temía algo muy preciso: la violencia, de los beatniks se teme lago mucho peor: lo desconocido."
Rob Kruisman ..............Saxo,
flauta, guitarra, voz
Peter de Leeuwe..........Batería
y voz
Rick van der Linden......Órgano
y piano
Rein van den Broek......Trompeta
Huib van Kampen..........Guitarra
y saxo tenor
1ª cara:
- Symphony nº 5
- Dharma for one
- Little X plus
- Sabre dance
- Air
2ª cara:
- Ritual fire dance
- Rhapsody in blue
- This here
- Dance macabre opus
40
- Canvas
Desde el país de los tulipanes
saldría este singular grupo con predilección por la adaptación de temas de
grandes compositores clásicos, transformadas a un rock sinfónico progresivo con
muy buen gusto, salpicadas de momentos
que entran dentro del jazz, con alguna concesión al rock and roll y todo
arropado por estupendas percusiones, arreglos magníficos (Ritual fire dance,
Air, Rhapsody in blue) y gran profusión de instrumentos de viento, que son el
alma mater del álbum con un protagonismo que seguramente supera al resto.
En este LP con el que comienzan
su periplo en el mundo del rock sinfónico y progresivo se integran obras tan
conocidas como la sinfonía nº 5 de Beethoven, la Danza del sable de
Khachaturian, la Danza ritual del fuego de nuestro Manuel de Falla ó de autores
más contemporáneos como G. Gershwin, Rhapsody in blue. Títulos firmados por la
banda solo encontraremos "Little X plus".
Miembros de vanguardia con
grandes conocimientos musicales, experimentados, con un nivel de ejecución muy
alto, reunidos en esta banda de la que luego a su vez asumirán otros proyectos,
como Van der Linden, un músico muy activo, que más tarde formará TRACE donde se
convertirá en su líder absoluto, otra gran banda de rock sinfónico originaria
de ese país.
Como ya he comentado la columna
vertebral de esta formación es la sección de viento muy rica y variada en
estructuras en las que los demás instrumentos entran y salen de escena
realizando pequeños bordados muy interesantes bajo un ritmo vivo, muchas veces
acelerado ayudado por un bajo con arritmias.
Se puede pensar que se trata del
típico grupo que hace pretenciosas versiones de los clásicos, no obstante la
calidad de esta banda es excelente, y su sonido lleno de sorpresas
gratificantes, con regusto a los mejores PROCOL HARUM o BRIAN AUGER &
TRINITY.
"El otro grupo que vira para no perder comba en la pop-music es Rolling Stones. Cuando creen iniciar un periodo que puede llevarles a una crisis, optan dejar su clara tendencia imitativa del blues negro, para apuntarse al concepto de "muralla sonora" de Phil Spector, el hombre que ya había dejado caer algunas ideas en las primeras grabaciones cargadas de problemas de los Stones. Así, en verano consiguen catalizar una canción con claras influencias dylanianas en su texto y concepto. Se titula "Satisfaction" y aporta la novedad técnica del uso del fuzz-box, aparato que permite la saturación sonora de la música sin que el amplificador hay llegado todavía a su propia saturación sonora. Estamos ya ante el primer ejemplo de lo que serán los arrolladores Stones a través de su "sonido total". Sin disponer de ningún elemento novedoso, tomando de aquí y de allá los Stones lograrán producir la sensación de ser un grupo innovador y rompedor."
"Yo compartía habitación con Eric y en esos seis meses fuimos como hermanos. Él estaba muy influenciado por el Mod look, solíamos ir a una tienda en Shaftesbury Avenue llamada Austin, y me recomendaba lo que podía vestir. Era muy fantasioso sobre su vida y sus amistades y, en cierto modo, esto se reflejaba en su forma de vestir, su imagen cambiaba completamente cada pocos meses. También era un perfeccionista tocando, aunque al principio le vencía su timidez; raramente hacía solos y, durante las actuaciones, se mantenía parado en un rincón. No buscaba sonidos rebuscados pero podía pasar días trabajando un riff."
Mike Jupp..............Guitarra
eléctrica y de 12 cuerdas
Mo Foster ..............Bajo
Grant Serpell..........Batería
percusión
Lynton Naiff ...........Órgano,
piano, harpsicord, piano eléctrico, vibráfono
Linda Hoyle.............Guitarra
1ª cara:
- I am and so are you
- Night flight
- I wonder if I care
as much
- Mr. Joy
2ª cara:
- Three sisters
- Coconut grove
- All along the
watchtower
3ª cara:
- Eli's coming
- United states of
mind
- Yes man
- If you live
4ª cara:
- I'm the walrus
- You met your watch
- Long voyage
- Little lonely man
Cuando escuchas por primera vez
este álbum detenidamente, de lo primero que se percata uno, es de que se trata
de un grupo de músicos cultos, formados, con un conocimiento y una seguridad en
sus instrumentos que raya cotas muy altas.
Algo que no suele cuadrar con un primer trabajo, pero así es en este
caso, puesto que es su debut y su final como banda. Un vinilo que cuando salió
a la venta fue recogido con muy buenas críticas, pero esto no fue suficiente y
el quinteto se disolvió por diversos motivos.
Su música está influenciada por
el rock and blues, el jazz , buenas dosis de fusión, unas gotas de pop y
psicodelia, bajo un prisma de progresivo que aúna a todos. Todos los
instrumentos están a disposición y bajo el poder de un órgano Hammond
descomunal, cuyo virtuosismo lo vamos a comprobar en muchas ocasiones a lo
largo de los 2 LP's que componen esta obra. En principio se conoció como un
único LP, pero en ediciones posteriores se incorporó un segundo con temas no
editados hasta entonces.
La sección rítmica de esta banda
está muy viva, activa compuesta de una batería deliciosa y atractiva, que
contribuye al éxito de las canciones y un bajo igualmente potente que echa
humo, que junto a las percusiones forman un cuerpo que se convierte en un pilar
fundamental del álbum.
Podemos encontrar un sonido
sólido, compacto, con entradas de secciones de viento y percusiones varias en
los arreglos, desarrollos extensos y elaboradísimos a base de Hammond que sobre
un ritmo tenaz dibuja desfases con componentes de improvisación, que pueden
llegar a saturar al que no esté acostumbrado, pero que nos da una idea de la
capacidad de Lynton Naiff a las teclas. La guitarra aunque denota calidad
quedará en segundo plano bajo la influencia arrolladora del órgano, más
orientada a la fusión y acompañamiento que al protagonismo.
El primero de los 2 LP`s que lo
estructuran es muy instrumental con pocas apariciones de la voz de Linda, sin
embargo en el segundo su protagonismo es importante. Canciones más cortas y con
versiones de otros músicos, donde deja patente la fuerza de su voz, recia,
envolvente, una mezcla entre Julie Driscoll y Carol King capaz de lidiar en
temas contundentes o introspectivos.
En resumen música variada,
ecléctica, virtuosa, imprevisible, muy cambiante, de una creatividad fuera de
lo común que nos engulle y nos hace participar, que nos traslada en momentos a
situaciones en la que la atención nos dirige hacia el trance a través de ritmos
vertiginosos, que nos mantiene, que no cansa, gracias a la textura fantástica
que se crea entre todos los instrumentos. Grupos de referencia a AFFINITY: BRIAN
AUGER & THE TRINITY y DOORS sobretodo.
"Somos realmente buenos instrumentistas. En Inglaterra existe la tradición de ser aficionado. No está de moda ser profesional. Aquí sí, en América os gustan los profesionales. Os gustan los músicos que la salir a escena toquen jodidamente bien".
(Robert Fripp & King Crimson. Música de alto riesgo)
"Crime of the century comparte mucha de su temática con The wall, pero sólo hay que comparar "School" de Supertramp con "Another brick inthe wall" de los Floyd para contrastar el tono apocalíptico que éstos tomarían al fina de la época. Quizá el disco más cercano de éstos sea Wish you were here, pero Supertramp siempre aportaron algo diferente, su melancolía estaba teñida de cierta esperanza, lejana al "angst" Floydiano, a su idea de vacío existencial. Supertramp comenzaban a formar su imagen de "ordinary people" que hacían rock, era gente corriente que, si bien no podían escapar de la melancolía cotidiana, sí que podían expresarla con una ironía y un cierto optimismo que les confería un tono pop, clásico pero muy de la década, que les convertiría en una referencia indispensable de su tiempo."
(Supertramp y los grandes magos del sonido de los 70)
Hanus Berka...............Saxo
tenor y barítono, flauta, percusión
Otto Bezloja ..............Bajo
Udo Lindberger...........Batería
percusión
Jiri Matousek .............Órgano,
piano, piano eléctrico, percusión
Barry Newby...............Guitarra
Reddy......................Voz
y percusión
1ª cara:
- Springtime
- Jump into your grave
- Times passed by
2ª cara:
- Love is here to stay
- My woman's gone now
- Gimme some lovin'
Formación heterogénea con
etiqueta alemana pero originalmente creada por el Checo Hanus Berka, todo un
peso pesado de los instrumentos de viento, que quedará patente en el plástico
lanzado como debut. Además se completa el sexteto con otro compatriota, músicos alemanes y un británico. Tal mezcla
va a conferir a la música una singularidad difícil de encontrar y con una
calidad más que notable. Su estilo no es
fácil de clasificar, se trata de un cóctel que engloba materias tan dispares
como el soul , el funk, jazz, psicodelia y por supuesto progresivo, pero todo
ello en conjunto tiene un sonido tremendo.
Destaca por encima de todo el
gran trabajo de la sección de metales, es decir de Berka, un tipo bien
preparado que derrocha fuerza en todas sus intervenciones, un bajo batallador,
una voz comprometida, con sentimiento, comunicativa, potente, y un órgano
fantástico tanto cuando suena en acompañamiento, forma parte de los arreglos o
en la melodía, como cuando le toca hacer un solo. Los temas muy trabajados y complejos con unos
arreglos brutales y creativos están llenos de colorido, diversión, imaginación,
sugerencias y siempre cambiantes, incorporando largos desarrollos
instrumentales con participación de improvisaciones en todo momento. Cortes
cambiantes uno tras otro, todos estupendos en su estilo. Sus pasajes nos
sumergen en despliegues jazzísticos de gran vigor, fuerza y variedad, a través
de un sonido muy profesional, que no tiene que envidiar a ninguna banda del
momento.
En su música se puede decir que
se asemejan a bandas más conocidas como BLOOD,SWEET & TEARS , RARE
EARTH o incluso en algunos momentos a
unos KING CRIMSON de los inicios, pero con su propia personalidad.
Al final del LP aparece una
versión muy libre plena de improvisación e incluso experimentación adaptada a
los metales de Berka del "Gimme some lovin" de SPENCER DAVIS
GROUP que tantas otras bandas han
versionado.
Hay que mencionar al ingeniero de la grabación, Peter Krumper, creo que hace una labor encomiable, excelente,
muy cuidada, difícil de ejecutar, junto a la producción, llevada a cabo por el
propio grupo.
"En escena, los Who ilustran lo que afirman en sus canciones. Pete Townshend destroza su guitarra contra los amplificadores, la rompe en mil pedazos que luego tira al público. Roger Daltrey, el cantante, baila de delante a atrás, imitando los gestos de los espectadores y jugando con el cable de su micro como si fuera un lazo. Keith Moon machaca la batería con una violencia inaudita, como si quisiera atacarla. Después la destroza, haciendo rodar por el escenario los tambores a fuerza de gestos y movimientos desordenados. Sólo el bajista, John Entwistle, se mantiene tranquilo en una esquina, haciendo de vez en cuando algún mínimo movimiento con las cejas. Como el mismo dice "Es preciso que alguien desempeñe el papel de ancla. Sin eso, el grupo podría echarse a volar."
"En el anecdotario, las reacciones de los Beatles al ser investidos. Lennon dijo aquello de "yo creía que era necesario conducir tanques y ganar guerras para que me condecorasen";. Ringo dijo "la guardaré para usarla cuando sea viejo";. George, "yo no creía que se pudiera ganar una medalla tocando rock and roll";. Paul le dijo a la reina que era "como una madre"; y que el palacio era "una vivienda estupenda";. A la puerta de Buckingham miles de muchachas cantaban "Dios salve a los Beatles" en lugar de "Dios salve a la reina".
John Morgan...........Órgano,
piano, teclados y voz.
Mick Walker ...........Batería y
voz.
Don Whitaker..........Guitarra
eléctrica y voz
Phil Shutt ..............Bajo
1ª cara:
- I want you
- Honky Tonk train
blues
- She's gone
- Orpheus and none for
ye
2ª cara:
- The yodel
- Shout for Joy
- Ride on
- Yorkshire blues
Éste es el primero de dos y
únicos grandes álbumes que van a dejarnos estos chicos británicos que gozan de
fuerte personalidad plasmada en su sonido. Hay que buscar sus raíces en el
blues puro, siendo ese estilo la esencia y el espíritu de todo el trabajo, pero
eso sí, vertebrado por el magnífico órgano de Morgan en unos temas y en otros por el piano o el harpsicord
confiriendo la atmósfera progresiva que nos atrae a los fans de esta disciplina.
Cuatro músicos que dominan su
instrumento, demuestran a lo largo de todo el disco en ejemplos fantásticos un
virtuosismo arrollador, confeccionan un producto variado que engloba un
compendio de influencias, desde el blues,
el rock and roll, el garaje, la psicodelia, una muestras de ragtime y
por supuesto el progresivo. Una cosa que me sorprende al escucharlos es su capacidad
para desarrollar ritmos, el gran sentido del ritmo que surge de sus
composiciones es fabuloso; el rock and blues fluye por sus venas y el
entusiasmo y el buen ánimo queda reflejado en cada uno de sus canciones.
Un LP que engancha desde el
primer momento donde cada corte es distinto al anterior. Encontramos desde un
piano solo como si de un viejo "saloon" se tratase, cigarro en boca
bajo una lámpara atorada de humo (Honky
tonk train blues), pasando por un instrumental con una batería acelerada a
lo shuffle (The yodel), rasgos de jazz (she's gone), rock and roll (ride on), o un blues de los bajos fondos donde se lo
pasan en grande (Yorkshire blues).
Formación del otro lado del
Atlántico, concretamente de Canadá, con 4 miembros en sus filas, dos de ellos
los hermanos Kellesis, peso específico y alma del cuarteto.
Grupo de sonido sólido, pesado,
potente que realiza un progresivo sostenido por igual sobre todos los
instrumentos formando una amalgama sonora compacta y enérgica, en la que los
músicos aportan su labor obteniendo un resultado sin resquicios, denso y bien
coordinado. Desarrollan un estilo que si bien en un inicio no lo parece,
conforme avanzan los surcos la dureza se va mostrando con más intensidad a
través, sobretodo, de unas guitarras graves que emiten riffs muy marcados,
categóricos, que en escala mayor dirigen los movimientos hacia los que deriva
la melodía acompañados de un Hammond que berrea siempre que le dejan. La
tendencia que siguen las guitarras tiene origen en el rock and blues y el
órgano vibrante desciende de la psicodelia de finales de los 60.
"Let there be more light nació a partir de referencias de Pip Carter, uno de los personajes más raros de la mafia de Cambridge, ya fallecido. Originario de la zona de los Fens, y con algo de sangre gitana, Pip trabajó para nosotros en alguna ocasión como uno de los ayudantes mas absolutamente ineptos del mundo -un título con multitud de candidatos- y tenía una preocupante tendencia a quitarse los calcetines en el interior de la furgoneta."
"Después de la gira estaba muy decidido a continuar. Estaba harto, porque todo el mundo decía: oh, Pete era Genesis y yo pensaba, no es así. Vamos a ver qué podemos hacer, les demostraremos que están equivocados. Mike estaba igualmente decidido. No vamos a dejar que esto se acabe ahora. Hemos llegado hasta aquí y podemos hacerlo, podemos hacer música que sea igual de buena y podemos seguir adelante. No tenía ni idea de como íbamos a conseguir esto pero sentíamos un público muy entusiasta y que seguiría con nosotros. El problema básico era que, por supuesto, no teníamos cantante."
Julian Jay Savarin, hombre culto
y polifacético es el artífice de este proyecto, en el que asume el liderazgo, y
por lo tanto es el escritor ,compositor y director de una obra de corte
conceptual basada en una trilogía de libros de ciencia ficción escrita
precisamente por J.J. Savarin con un cierto éxito. El hecho de haber escrito
esos libros hace que vaya madurando la idea de ponerle música, y cuando lo hace las composiciones llevan
tiempo siendo preparadas, por tanto se trata de un trabajo elaborado y
premeditado, fruto de horas de esfuerzo.
"Como los demás, se atiborran de anfetaminas, antes de actuar en clubs llenos hasta los topes donde intentan que la gente se mueva un poco con su música. Entonces, se llaman Detours, nombre que muy pronto cambió convirtiéndose en High numbers. Durante horas interpretaban temas clásicos del repertorio del rhythm and blues, en especial canciones de James Brown, que entonces conocía un considerable éxito. En sus comienzos eran relativamente tranquilos, aplicándose a tocar bien las canciones. La llegada de un nuevo baterista, Keith Moon, va a cambiarlo todo. Hace irrupción en el grupo una tarde cuando éste tocaba en la sala de la parte de atrás de un hotel, según la costumbre de entonces. Descontento de la manera de tocar del batería, que él encuentra excesivamente blando para su gusto, Keith se lanza sobre él y le echa de la batería para ocupar su puesto."
"En 1981 las ideas del Fripp no triunfaron porque la eclosión punk del 77 había devastado todo el estatus musical existente, y la posterior new wave había servido de revulsivo pero a la vez de estabilizadora del movimiento. No era tan obscena, ni grosera y por ello se había asimilado masivamente como réplica al más desordenado y anárquico punk. La nueva ola arrasó cualquier dinosaurio. Y no fueron las teorías de Fripp las que contribuyeron a colapsar los grandes monstruos."
(Robert Fripp & King Crimson: Música de alto riesgo)
Después de escuchar esta gema la
conclusión que obtenemos es que el mellotrón es el denominador común, el nexo
de unión de toda la obra. Nada menos que 3 miembros de la banda lo utilizan,
algo que es difícil de encontrar en otras formaciones. Se sienten a gusto con
él y le sacan el máximo partido dando profundidad y cuerpo a sus
interpretaciones, sin el cual estarían carentes de fuerza sobretodo en la
primera cara, donde la música es suave con cierto aire pastoral a base de
flauta y guitarra acústica que hacen que se respire una atmósfera delicada en
todo el disco. En este primer lado los temas son sencillos, arropados por el
mellotrón a modo de orquesta y con unos ritmos castrenses de batería en muchos
casos, que fundados en la idea concepto de la obra, hacen que la caja se
comporte de una forma juguetona e inquieta a lo largo de todo el vinilo.
El sonido es muy cercano a cosas
como las que hacían MOODY BLUES quienes sacaron mucho partido al mellotrón
sobretodo es sus primeros LP's, y a unos CARAVAN del álbum "In the land of
grey and pink".
La 2ª cara gana en fuerza, las
composiciones se hacen más complejas y el rock se vuelve más ecléctico. Se gana
en potencia y en carácter, la guitarra eléctrica entra con mucha más presencia
y protagonismo dotando a las canciones de rock más marcado, dejándose entrever
algo de psicodelia ya tardía en sus cuerdas. Todo ello se encuentra hilado con
un órgano dinámico y el mellotrón que nunca desaparece, produciendo un
resultado atractivo para el oyente progresivo.
Se trata de un trabajo realizado
con mucho gusto, cuidando los arreglos, estableciendo melodías interesantes e
introduciendo algunos cortes de factura intimista que transmiten unas
sensaciones realmente positivas.
"La compañía soltó algo de pasta para que el grupo se marchara un tiempo a una granja a poner a punto su nuevo sonido y desarrollar las canciones. Por fin Hodgson se iba a decidir a soltar alguna de esas viejas composiciones de adolescente que tanto le habían avergonzado en su "periodo progresivo"; era la última oportunidad y si tenía que jugársela, lo haría sin complejos. Supertramp estaba a punto de admitir que sí, que eran un grupo sinfónico, pero sobre todo un grupo de pop. Hodgson y Davies soltaron su mejor material y decidieron que lo firmarían conjuntamente, auque se nota la personalidad que manda en cada tema y, salvo en la larga "Rudy", en la que comparten tareas vocales, ambos tomarían la responsabilidad de cantar en las canciones en las que habían dejado su impronta como compositores. En aquellas sesiones comenzó a verse que la melancolía de uno casaba a la perfección con el ingenuo idealismo pop del otro, que la sección rítmica era tan potente como liviana, que Haliwell podía aportar mucho con sus dibujos de vientos, elegantes pero que podían ser cazados al vuelo por cualquier aficionado al tarareo."
"Fue en enero del 65 cuando se comenzaron a grabar las 18 canciones de "Bringing it all back home" de Dylan. Tom Wilson, su productor, había buscado los mejores múscos d estudio. Costó mucho acoplarlos, pero luego hubo canciones que se grabaron en una sola toma. Su "It's all right ma", según Jesús Ordovas, "puede ser considerada la 'suma theologica' dylaniana. Es una respuesta visionaria y anárquica a una sociedad enferma". Pero también hay canciones iniciáticas. Su "Mr. Tambourine man" encierra en clave una alegoría al porro. A partir de esta canción Dylan insistirá en sus visiones bajo los efectos del denso humo de un "canuto". Son sus famosos "sueños" inconexos, contrastados, de veloces pinceladas tratando de recomponer una escena cargada de recuerdos. Es la época en que lee, como toda joven a Kerouac y a Ginsgerg. Dylan canta en su disco "mis canciones las escribo con el timbal de la mente" y "yo sólo quiero pintar un cuadro de lo que ocurre por ahí de vez en cuando, aunque no entiendo demasiado bien lo que pasa."
El grande entre los grandes. La
banda de progresivo y psicodelia por antonomasia, supieron conjugar a la
perfección estos conceptos y plasmarlos magistralmente. Un conjunto de músicos
comprometidos e inquietos, buscadores, vanguardistas, dotados para crear mundos
originales, excéntricos, fantasmagóricos en los que los ácidos tienen mucho que
decir al respecto. Junto a BEATLES y ROLLINGS, los grupos más en boca de la
prensa a todos los niveles y en cualquier disciplina del rock, una de las
mayores influencias en su estilo en innumerables bandas de todo el mundo.
Después
del primer LP se descolgaría el frontman, abandonando por problemas personales
al no poder soportar la presión que empezaba a sentir, cuando se dio cuenta que
no eran un mero conjunto de amigos sino que la cosa iba en serio. Se marcharía
Barrett que era el fundador y principal cerebro dejando paso a David Gilmour.
Parecía que todo se acababa.....pero no, ni mucho menos.
Estamos en el 5º de una larga
colección. Un trabajo posterior a una banda sonora creada para la película
"More" y un directo con inclusión de temas en estudio:
"Ummagumma". El grupo ya
bastante cohesionado y con una línea a seguir más marcada, decide embarcarse en
su primera gran obra conceptual que ocupará toda una primera cara del vinilo.
Se trata de una composición en la que tiene cabida toda una sección orquestal,
fundida con la banda en un ejercicio en el que ponen a prueba su coordinación y
su prestigio, obteniendo una nota más que favorable. "Atom..." es un
tema sobresaliente dividido en partes muy desiguales unas de otras, donde se
aprecian pasajes sinfónicos, lisérgicos, coros, devaneos psicodélicos, delirios
oníricos, teclados de fondo bajo una voz celestial y la guitarra de Gilmour que
fluye paralela a la melodía sin arranques de fuerza, dejándose llevar. Toda una mezcla de colores que termina como
se inició, irrumpiendo la sección de viento de la orquesta.
La 2ª cara está construida a
base de temas más tranquilos, con melodías relajadas y suaves en las que han
quedado impregnadas las sensaciones y vibraciones que vivieron en el verano del
amor. Sumergidos en ese agradable ambiente observamos que todavía está muy
patente la figura de Syd en sus creaciones, ofreciéndonos unas canciones que
bien podrían atribuírsele; con ese aire que integraba muchas de sus proyectos
cargados de melancolía, con olor a flores, a buenas intenciones y a una cierta
inocencia, que no quieren perder frente al rodillo de la industria.
Una obra en la que el
protagonismo de Wright es claro, composiciones que comienzan a ganar en
complejidad en una dualidad piano-órgano, la mayor parte gracias al espíritu
creativo de Waters y en la que la
guitarra de Gilmour, todavía un poco tímida, no termina de dejar claro cuál es
su estilo, sin momentos explosivos ni solos, marca de la casa.
La psicodelia baja en intensidad
en favor de melodías más abiertas y accesibles, perdiendo algo de la oscuridad
de álbumes anteriores. Posiblemente uno de los LP's más sinfónicos de toda su
carrera.
"Comenzaron a actuar con el nombre deMetropolis Blues Quintet hasta que Keith Relf encontró, en una novela de Jack Kerouac (autor favorito de la juventud Beatnik), un nombre mucho menos aburrido: The Yardbirds (que vivían a lo largo de las lineas de ferrocarril en E.E.U.U, viajando de polizones, en los años 30"
Keith
Emerson.......Hammond, órgano de la iglesia de Sant Marks, piano, celeste,
sintetizadores moog
Greg Lake.......... ...Bajo,
guitarra eléctrica y acústica, voz
Carl Palmer............Batería
y percusiones
1ª cara:
- Tarkus:
a)Eruption
b)Stones of years
c)Iconoclast
d)Mass
e)Manticore
f)Battelfield
g)Aquatarkus
2ª cara:
- Jeremy Bender
- Bitches crystal
- The only way (Hymn)
Tocata in F and prelude VI: Bach
- Infinite space
- A time and a place
- Are you ready Eddy?
Se va a producir una reunión de
tres ex-miembros de bandas consolidadas: THE NICE, KING CRIMSON y ATOMIC ROOSTER.
El resultado iba a ser espectacular y su calificación por parte de la prensa:
Un supergrupo. Y es que esta formación iban a romper esquemas e iba a causar
sensación en todo el mundo. Su nuevo formato de trío sin inclusión de guitarra
principal suponía un planteamiento diferente al de todas las bandas del
momento. Se trataba de una triada brutal.
Con unos miembros como EMERSON y
PALMER auténticos virtuosos de su instrumento iban a ser capaces de cualquier
cosa. Rock sinfónico de gran altura donde combinan elementos clásicos con
estructuras basadas en el rock con un resultado pretencioso, recargado,
llegando a ser barroco en ocasiones y con una aureola épica siempre flotando.
Esta combinación les llevaría a lo más alto de la fama subiendo a velocidades vertiginosas.
Pero también les condujo a situaciones en que la presión les acuciaba que junto
a la necesidad de éxitos por parte de su compañía que pedía más y más y a las
largas giras realizadas, produjo fuertes tensiones entre los miembros, mucho
cansancio y falta de ideas.
Tras su primer disco que obtuvo
un brillante resultado vendría "Tarkus" incluyendo una suite de más
de 20 minutos que da título al vinilo y que es la pieza clave del álbum. Tema
dividido en partes musicalmente bien diferenciadas. Se inicia con un ritmo
trepidante por parte de todos que ya no abandonará hasta el final, aunque
incluye fases más tranquilas para volver a la carga. Emerson despliega todas
sus armas y nos deleita con un surtido de teclados varios de forma comedida
llevando la batuta de las melodías. Palmer nos demuestra la capacidad que tiene
tanto física como creativa a las baquetas y Lake se ocupa de enlazarlo todo con
su bajo y guitarra incluida su magnífica voz, profunda y clara.
En este Lp todavía no habían
destapado el tarro de las esencias que llegarán más adelante pero si es cierto
que con el corte "Tarkus" nos mostraron su enorme creatividad y las
posibilidades que albergaba esta formación.
La segunda cara es muy
diferente. Supone un compendio de temas muy variados en los que el piano toma
el protagonismo que hasta ese momento tenía el Hammond y el Moog. En mi opinión
no son temas que estén a la altura de la primera cara. "Jeremy Bender"
parece una canción de salón del Oeste Americano a través de un piano Honky tonk,
"The only way" está grabado con el órgano de la Iglesia de San Marcos
bajo una melodía en la que se retrata la obra de Bach; y el último bloque es un
rock and roll fanfarrón y poco serio a modo de relleno.
Grupo de gran influencia que iba
a crear escuela siendo imitado en mayor o menor medida por muchos otros.
